了解布拉斯索洛傳記的歷史背景

任何標示性的銅牌獨奏作品都必須先由獨奏者沉浸在它所出現的歷史地貌中。布拉斯音樂跨越了四百多年,每個時代都帶來了樂器設計、表演實驗和构思美學的特異性變化。例如,巴洛克時期的自然號角缺乏阀門,只能在口琴系列中發出音符。像亨利·珀塞爾和格爾格·菲利普普·泰勒曼這樣的作曲家利用這些極好的風扇形人物和風格爾格爾·菲利普·泰勒曼等與樂器的超級風格,隨時而來,旋律符合樂器的超級的旋律。 相對的,1815年左右的阀門的發明介,迎合了新的變形可能性,使作曲家可以寫出超級的音線,并可以巧妙地調。

古典時代 — — 认为海登的特魯佩特音樂會在E-flat Major中是用一把金剛號构成的,它具有一個有鑰匙遮蓋孔孔的过渡性樂器(就像木風 ) 。 这一特異性要求现代玩家了解原始樂器的輕巧、更敏捷的音效如何塑造了界定作品優雅的語言和語法。 象理查德·施特勞斯和古斯塔夫·馬勒這樣的浪漫作曲家用新找到的管弦樂大師對銅器的態度,然而,即使是他們的獨立的段落也反映了銅器的双重性:既能英雄出彩又能溫柔,又能發聲。 到了20世紀,保羅·平德米斯、亨利·托馬西和露西亞諾·貝里奧等作曲家故意地擴展了銅語詞典範圍,包括多音、浮華和延伸的技術,要求表演者既需要歷史意识,又需要優異的勇者。

了解這些背景層層有助于獨奏者做出明智的解釋性決定:巴羅克的阿列格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格格

每個 Bras 器件的金鑰圖示片

吹號和鼓的基礎是众所周知的,但各樂器的青銅獨奏家們都有著豐富的管弦作品。 下面我們探索小號、角、鼓、 ⁇ 和大號等重要重點, 注意每塊作品為何會一直存在。

號號

  • 約瑟夫·海登 — — E-flat Major (1796) [[FLT: 1] 的特號音樂會 – — 角的一柱重寫,為按鍵的號寫作。其慢動能代表貝爾罐子的歌詞;最后的朗多需要簡易的拼寫和優雅的語言。
  • 霍姆爾的作品原本是為同一個按鍵的喇叭,但現在卻被推進了浪漫主義早期的領域。 上層登記器的延伸段落考驗了耐力和中度敏銳度。
  • 俄羅斯的國際政治人物Andon Arutunian(A-flat Major)(1950)的特魯姆佩特音樂會 , 使用亞美尼亞民俗節奏和精致技術段落,要求節奏精確、敏捷、有戲劇性的胸腔。
  • 赫尼·托馬西 — — 特朗普音樂會(1948年) — — 一部现代主义作品融合了新古典主義和爵士樂的影響。 它的快速運動有不对称的節奏和咬人不和;慢動作令人神經不安。 它迫使獨奏者快速地轉移风格的齿轮。
  • – 雖短於此, 這塊是浪漫主義後期的宝石, 需要深呼吸控制,

喇叭

  • 古典典雅和幽默。 第四音樂會的朗多是敏捷的語言和微妙的动态影射的一個特殊考驗。 奧爾夫冈·阿瑪德烏斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart) — — 角樂樂團(第1–4期) — — 由天然角而成,沒有阀門。
  • – 理查德·斯特勞斯 – 霍恩音樂會第1期,E-flat Major, Op. 11 (1883)[[FLT: 1]] – 斯特勞斯本人是一名角演奏家,他寫了一部利用阀門角全程和力量的作品。 開場風扇式主題是英雄式的,而歌詞第二題則需要歌聲。
  • 由於這塊地區的技術火力與牧區的鎮靜相混合, 要求極端記號與廣泛色調的交換。
  • 〔] Benjamin Britten – Serenade for Tenor, Horn and Strings, Op. 31 (1943) — — 并不是獨奏协奏曲本身,而是角部分是中心角色。 Prologue和Epilogue要求完美控制自然口琴、手術效果和低調的色彩。

特朗波

  • 20世紀的杰作,它用复杂的和聲、大跳跃和強力來挑戰玩家。 最后的運動建立在需要持續強烈的低音之上。 20世紀的杰作是用高音和低音來挑戰玩家的。
  • 托馬西的曲目和小號协奏曲一樣,托馬西的曲目也利用爵士樂的節奏和延伸技巧。 演奏者必須掌握樂器的全動力,從低語的卡登扎到破碎的高潮。
  • 3) – 特罗姆邦和管弦樂團的音樂會,Op.4 (1837) – 最初是為防腐的曲風,這部浪漫作品是其排水慢移和維爾圖斯式終點的主題。它試驗滑行的連線和快速比例的清晰的通訊。
  • 勞斯-艾里克·拉森 – 特隆博涅和弦樂團的音樂會,Op.45 No. 7 (1955) – 新古典主义作品,其中的中間運動和一股尖端的旋律。它需要清潔的口吻和微妙的語言,它需要離開常常與曲蘭獨奏相關的炸彈。

⁇

  • Philip Sparke – Euphonium Concerto No. 1 (1993) – A modern classic that takes fulladvantage of the euphonium’s singing tenor range. The slow movement is deeply expressive, while the finale races with technical flourishes.
  • – 雖然這些研究原本是大提琴, 但都成為了一種委婉的主題, 要求有純粹的語氣、微妙的語言和節奏灵活性。
  • 強·庫諾 – 优波尼亞(1980年代)的Rhapsody – 一個試驗表演者快速游動能力、極端登記轉移和劇性动态反照的展覽器。

土巴

  • – 拉尔夫·沃恩·威廉姆斯 — — 杜巴音樂會,收錄在F Minor (1954) — — 最著名的管弦樂演奏曲,它歌颂樂器的奏鸣曲能力。 首個運動的寬寬寬跳動和敏捷跑動需要非凡的灵活度;第二個運動是一場令人作呕的、歌聲的舞動。
  • 約翰·威廉姆斯 — — 圖巴音樂會(1985年) — — 由波士頓流行樂團作曲,本作把電影的得分劇情和玩樂角色融合在一起。 它要求快速的吸引人,强大的低音收音機,以及能搖擺在爵士樂中間。
  • 強·愛德華·海德 – Tuba(1970年代)的音樂會 – 一种不太為人所知但具有挑戰性的工作,它拉長了樂器的範圍和耐力,并設有探險多孔琴和踏板音的卡登扎。

技術挑戰與如何克服它們

Every iconic brass solo presents its own technical hurdles. Identifying these early in practice allows for efficient, targeted improvement.

範圍和耐力

洪默爾或阿魯圖尼亞音樂會的高通道要求持續的上層控制,而不捏或強硬聲音。 練習這些以穩定的空氣支持为重点的部分, 由隔膜呼吸, 保持放鬆的浮雕, 避免過量的口腔壓力。 使用「 低音音」 演習( 輕輕輕的在強度下播放) 可以建立回旋力。 对于大管或低音節的反射, 平滑的嘴槽會增强底部的整潔攻擊所需的肌肉 。

口音和叮叮

海登或托馬西的小號协奏曲快速的過程需要清潔的單曲或雙曲/三曲的音效才能讓最快速的數字使用。 使用短音的音符標記(“tah”或“dah”), 以相對的音符分開, 并逐步加速。 使用大衛音樂會的特罗姆博內玩家應用舌頭的語言來做滑行同步; 通常的錯誤是移動滑行太晚, 造成污點攻擊。 使用舌頭啟動和故意的早期滑行。

動力控制

表示式的用法依赖于平滑的動態梯度。 例如, 平底特隆本索那塔需要一個很廣的動力範圍, 從一個幾乎可以聽的鋼琴到強強的要塞。 不同動力水平下練習長音, 保持相同的音調和音色顏色。 然后在四或八拍的跨度上使用新音和變音。 對於突然的動力反射( subito piano) , 要先做氣息, 再先做軟音符的跳動。

呼吸管理

莫扎特角音樂會或沃恩威廉姆斯·圖巴音樂會中持續的語言要求高效的空气使用。 使用節拍來節奏呼吸:在比分中加注呼吸, 然后用持續的節拍來逐步延伸這句。 隔膜呼吸運動, 在這裡你完全吸入四拍, 握住四拍, 呼出八次, 提高容量。 如果需要通訊( 如埃內斯庫·萊根德) , 加入循环呼吸。

節奏精度和樣式

許多20世紀的作品( Tomasi, Arutunian) 混合了奇數和同步。 練習與樂器相距甚遠的節奏, 拍拍和高聲數, 然后在一首歌上演奏。 聽聽這首曲目的錄音, 隨著樂曲的分數, 使風格內化。 对于巴洛克的作品, 研究歷史性論文( 如Quantz 或 C. P. E. Bach) 描述的三重奏和小點曲等飾品。

解析透視: 超越音符

技術上的掌握只是戰鬥的一半;另一半是交流音樂的情感、叙事和風格。 首先研究作曲家的傳記和意向。 比如,海登的特魯姆佩特音樂會是在个人幸福和豪華的時期寫的,這段時間應該能為光亮、浮動的讀物提供参考。 由蘇聯亞美尼亞人組成的阿魯圖尼安音樂會在它的胸腔表面下帶有黑暗的民間悲傷,在慢的部位聽到哭聲。

收聽傳奇表演者多段錄音:小號的溫頓·馬薩利斯、角的丹尼斯·大腦、長號的克里斯蒂安·林德伯格、大號的羅傑·波波、以及象牙的史蒂文·米德。比對他們的節奏選擇、語言和裝飾。 問自己:開場主題能激起什麼情感? 我怎麼塑造這句子來唱? Mark 短语 arch, 动态的峰值, 以及可能的教訓口音( 顯式音符上的輕輕輕的tenuti) 。

現代作品的節奏性能總是保持前進的感。 在古典作品中, 保持裝飾的時序風格, 只在适当的地方加上三重音, 并正确解決( 通常從上方的辅助音符開始 ) 。 現代作品的音量表很模糊, 找到舞曲節奏或語氣般的脈搏。

最後, 記住沉默的力量。 在高潮前的深呼吸或微弱的烈火可以放大影響。 您的表演應該講一個故事:英雄的旅程、悲哀、歡樂的舞蹈。 以眼神接觸(如果可能)和手勢來反映音樂的線索,與觀眾連接。

掌握圖示傳記的操作策略

  1. 分析離樂器遠的分數 [[FLT: 1] – 在播放單個音符前, 研究其結構: 關鍵區域、 短语長度、 動畫圖、 以及主要技術段落。 標示指紋或滑行位置、 氣痕、 動畫阴影 。
  2. 分區和主題孤立挑戰 – 切斷片段為短節( 8–16 條 ) 。 找出每節最難的段落, 并先按下節奏 。 只需按一音, 然后按一音, 即按一音。 慢慢地重新組合 。
  3. 使用多溫層 [[FLT: 1] – 用于快速動作, 以半速、 四分之三 速度练习, 且只有在前兩步完全安全後才能表演。 使用節拍來避免急速。
  4. 記錄和自我標準 – 音效每星期都記錄一次全程。聽聽音效、清晰度、動力形狀和風格。注意 : “ 度量45–50: 重點沒有在下拍上达到最高值 。 ” 然后修正它。
  5. 實驗演習背景 [[FLT: 1] – 模擬演習狀態: 游玩整部作品而不停止, 在精神檢查單上做標記。 做這個時, 需要一個朋友的觀眾, 或用磁帶錄音機開著的實驗室。 它會建立耐力和心理準備。
  6. ” 集體精神實驗 —— 远离樂器,在哼唱部分時可以直觀地看到手指、滑動和呼吸時刻。 這可以强化神经路線,而不使切片浮夸。

表演的準備:精神和身体的准备

獨奏者必須培养精神的适应力。 表演焦慮會消磨幾周的小心準備。 用有系統的暴露來處理它:為朋友、主師、低級演奏。在大表演前,要用長音、唇膏和通訊模式(避免过度練習重複本身)來做周圍的暖暖身。然後,要花幾分鐘才能深呼吸,並把自己放在身体上,放鬆的肩膀、大叔的下巴、雙腳的肩部的分開。

表演中保持灵活心态。 如果您抽出音符, 請立刻忘記, 并專心於下一個詞。 信任您的肌肉記憶和之前的準備。 采取一個投射自信的姿勢, 即使你的心跳動。 記住觀眾是為你而心跳的, 他們想要被移動, 而不是判斷錯誤的音符。 準備一個精神的「 定點符 」 , 一個字或影像, 當你開始漫步時, 讓你的注意力重新被移動 。

最后, 享受這一刻, 你有幸將一件杰作帶給了大家。 青銅的標示性作品是永存的, 因為它們對著人類的經驗中傳統的事物說話。 你的工作就是用你的樂器來傳達這聲音。

擴張您的汇辑與繼續增長

本文中討論的作品只是一個起点。作為獨奏者, 您應該繼續尋找不太為人所知的作品、現代成份和其他樂器的翻譯。 Brass 傳統每年通过競爭、委員會和活生生的作曲家的作品而成。 加入一些頻道, 如 国际特罗姆骨協會, 国际特魯姆特會, 以及 国际荷恩學會, 以發表新發表和學文。 隨著社交媒體, 參加會議, 盡可能時參加主題課。

永遠回到基本點:長音量、天平和技术演習,為每部作品打下根基。永遠不要忽略你為何開始演奏,即音樂的歡樂、精巧的語言的刺激、與觀眾的深厚的關聯。標示性的青銅曲目正等待著你獨一的聲音。

關於歷史性銅的表演習慣, 參考 Oxford Bibographys: Brass Performation Practice [. 要探索頁面音樂和錄制建議, 請參考[ Alry Publications 銅的目錄[。 如果您想加深你對呼吸管理及音調製作的理解, 請參考 PhysioVoice [ , 為銅的玩家提供極佳的演習。