了解历史背景

在进入解释之前,必须探索此作品的历史背景。 其中包括作曲家QQQ8217; 意向, 期XQ8217; 音乐美学, 以及该作品编写时使用的乐器的技术限制。 例如, Baroque 铜构件常常依赖自然喇叭, 没有阀门, 影响线条和直线颜色。 自然小号只能听清谐音系列的音符, 导致特质的宽跃和缺失音符迫使作曲家写出避免色调的偏差线。 同样, 经典时代的喇叭部分是由自然角及其骗子的有限范围所塑造的。 玩家必须插入不同的管状来改变键, 这需要在运动之间迅速改变。 浪漫时代的构件利用了阀门乐器的不断扩展的能力, 允许铜演奏全曲旋律并维持长的, 乐器线。

研究原始手稿、论文和时期录音为表达、措辞、装饰和节奏解释提供了宝贵的见解。理解这些要素有助于音乐家避免过时的解释,尊重作品的-8217;原始精神。主要的历史论文如Johann Joachim Quantz {8217;s 关于吹笛[(一般巴洛克风格]或Leopold Mozazart {8217;s 关于Violin演奏的基本原则的论文可以改编为青铜技术。例如,Quantz强调清晰的音响和测量的紫铜音直接翻译现代青铜音的表演。对于青铜特有指导,请参考关于青铜音早期表演的现代奖学金 以证明你的方法。

将旧技术与现代刹车仪器连接起来

现代青铜器已经发生了巨大的变化,提供了更大的技术灵活性、动态范围以及陶瓷种类。 虽然这些进步提高了性能,但它们也有可能掩盖作品的真谛,即原创性。 挑战在于有选择地运用现代资源来阐明而不是歪曲作曲家的真谛。 目标是在对当代观众讲话时创造尊重过去的活泼解释。

适应描述和描述

历史的表达风格差异很大。 巴洛克小号的部件常常要求使用音节ta-ra-ra或[da-ga-da-ga[]来创建一种平庸的、说话般的流。现代表演者可以通过使用轻轻的舌头划线和避免脚下过重的修饰来达到这个目的。反之,浪漫的青铜笔写往往要求更持久,更能调和。适应的表达需要倾听时段的组合,并用现代乐器来寻找一种尊重风格的平衡,同时保持你个人的声音。例如,在现代小号上演奏巴赫小号时,尝试使用略慢的舌头速度,并在词首时用更尖的打击。对于莫扎特的角来说,使用覆盖的音调来模仿手语效果,即使你的现代双角有一个止阀,也一样。

控制 Vibrato 和 音色

Vibrato在很多罗马前音乐中被节制使用,甚至进入浪漫时代,青铜器演奏者也经常将其作为装饰品而不是常态。有选择地应用vibrato来强调关键音符或时空。同样重要的是调色:用哑音(特别是像Baroque con sordino [ ) 这样的历史效果实验,以及用浮雕调整来大致表达更明亮、更集中的早期乐器的声音。例如,使用清晰、直接的音调而不过分黑暗,可以帮助唤起自然小号++8217;光彩。对于浪漫的回声来说,你可能使用一个更宽、更清晰的维布拉托,但总是有意。 尝试先练习一个没有紫布拉托的短语,然后添加到最长或最重要的音符上,才能获得控制。

呼吸与支持

历史论语常常描述一种不同于现代教学法的呼吸支持方法. 巴洛克和古典表演者使用一种更灵活,隔膜驱动的技术,可以更细腻地动态地塑造空气,更快地吸收空气. 习惯于恒定高压支持的现代黄铜演奏者可以从练习长音调,以模仿早期风奏的自然气压和流动中得益. 注意作曲者可能期望呼吸的清新之处;在巴赫-8217中;例如小号部分,呼吸点经常出现中调,以反射文字的表达或舞蹈节奏.

尊重调和韵律

现代节奏自由,如rugato,应该谨慎地应用. 在巴罗克和古典音乐中,节奏稳健常常是舞蹈起源的基础. 学习期节奏论(如Quantz QQQ8217;节奏指示),并考虑作品的功能(如法国的节奏对格朗特风格的作品). 灵活性只有在风格上合理,如在复刻式的段落或卡登扎斯中,节奏稳健,例如莫扎特角协奏曲的缓慢运动,一种微妙的tempo rugato[可以增强节奏论,但基础脉动必须保持清晰. 使用设定到基本节奏的中度,然后添加与短语峰值一致的小推力和拉力.

纳入现代表达和情感深度

虽然历史准确性很重要,但现代表演者却给这些作品带来了自己的情感洞察力和技术掌握。目标不是机械地复制过去,而是传播音乐QQQ8217;以与今天的QQ8217产生共鸣的方式传播永恒的情感;受众。这种平衡既需要智力的坚韧,也需要创造的勇气。想想你的诠释是几个世纪之间的对话:你是作曲家QQQ8217的管道;声音传到当代的耳朵。

个性化动态和形状词

历史分数往往包含很少的动态标记,给表演者留下了空间来进行手动形状的刻画. 使用动态阴影来突出结构点,例如一个凸起或调制到新键上. 将短语作为具有自然升降的活实体,反映文字的叙述或情绪(如果作品是声响的原产地)或暗含的影响. 例如,一个sarabande可能要求一个状态,测量的动态轮廓,而一个模糊的主体可能要求一个清晰,有自信的入口. Experience with messad [ (在长音符上) ,作为表达设备,但仅限于装饰而非恒定的表达.

参与方案内容

许多历史性的青铜片都是明确的方案(例如Gottfried Reiche {8217;s Abblasen , 或描述战斗场景的索纳塔 ) 。 甚至抽象的作品也常常被 影响 。 研究作品{8217; 标题、奉献或历史背景来解开解释层。 让诗歌、历史或自然的图像为您的措辞、表达和动态选择提供信息。 例如,当表演一个题为[的Baroque sonata 时,想象军队的冲突,并塑造你对模仿武侠和哀叹的表达。 对于一个古典牧民来说,使用温和温和的语调来激发宁静的风景。

深思熟虑的合作

与 QQ8212 组合、 组合、 组合、 组合、 组合或 组合; 明确传达您的解释性思想。 讨论阐明的公约、 节奏选择和装饰性计划。 将历史知识与现代直觉相结合的一致方法, 将具有说服力的表演超越时间。 在连续的设定中, 与键盘手合作, 将装饰性风格对齐; 如果采用 [ 的注音 方法, 则确保竖琴演奏家的右手也符合要求。 在现代管弦乐中, 解释为什么想要特定的纹章图案或动态级别, 引用历史理由 。

跨时期的历史业绩做法

巴洛克时代(c.1600-1750)

古铜管的重力集中在自然小号、小号(trombone)和小号(类似木风的黄铜器 ) 上。 表演者必须理解突出的系列限制:自然小号只能产生口琴系列的音符,从而产生特征跳跃和空白。现代小号可以用色谱来演奏这些音符,但可以捕捉这种风格,避免填补空白或添加本来不可能出现的音符。使用音节表达(例如,tu-ku-ku )来进行双音符)和限制vibrato。 由作曲家如海因里希·伊尼亚兹·弗朗兹·比伯、格奥尔格·菲利普·特莱曼和约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach)为小号和长号和长号配音器的著作。对于古铜管来说,听乐器的录音可以了解其独特的阴茎,并尝试在现代乐器上模仿其柔和声质。

古典时代(c. 1750-1820)

古典的青铜笔写,特别是在莫扎特和海登,往往在管弦乐和室内设置中都带有天然角和小号的特征. 角部分经常使用手止音 来制作自然系列以外的音符,改变音色和音调. 现代角演奏家可以用手技或用止阀的角来模拟这种效果,但应该保持声响,覆盖了被停止音符的典型质量. 角部分的音质变得较轻,更频繁的有声调和八音符的段落. phrashing应该遵循该时期的 结构,强调周期的缓冲公式和音。注意galant[的风格:清晰,优雅,以及自然的调调调。 小号部分的音质避免过度吹动; 经典角的音响应该有一个亮亮亮亮亮亮的、有重点的音,不应模仿现代音调。

浪漫主义和早期现代思想(c. 1820-1910)

随着阀门的发明,青铜器获得了色自由度,范围也扩大了。 瓦格纳、马勒和理查德·施特劳斯等作曲家利用了这些新的能力。在这里,解释需要平衡浪漫管弦乐和室内乐所要求的巨大、歌唱质量,同时需要精确和克制。维布拉托变得更能接受,但仍应该有味,表达性而不是恒定性。动态范围大大扩展;利用这些极端来讲述一个故事。对于早期现代作品(如德彪西、平德密斯)来说,采用更具侵略性的表达、抽象的文字,并通过哑声和扩展技术探索调色。在马勒,将青铜视为一个声唱诗班;将每个短语都塑形为歌手,同时注意呼吸和无文字的叙述。

矫正和即兴发挥的作用

矫正是巴洛克和古典时代表演实践的核心要素。 现代青铜演奏家可以通过添加尊重风格的简易装饰来丰富历史作品,这不仅增加了多样性,也显示了对音乐语法的深刻理解。

学习历史

研究来源,如Quantz QQQ8217;s 关于吹笛[,C.P.Bach 8217;s 关于弹键盘仪器的真正艺术的论文,以及Leopold Mozart和Johan Joachim Quantz的论文。这些重点在其他文书上, appoggiaturas、trills、mordents、turn和division 的原则适用于铜。在铜器上添加三重音、Apoggiaturas 和Tones,以连接跳跃。在法语中,酌情尊重 的注音 。首先将这些词应用于简单的中音线,例如,如chorale旋律。例如,请采用Bach-8217的开句; Jesu, 和Mantent-se; 3⁄nt; 3 笔注。

卡登扎斯和中场的即兴表演

许多历史的索纳塔和协奏曲包括表演者即兴演奏的cadenza点。即使作曲家写了cadenza,也觉得可以随意调整或缩短,以适应您的构想。即兴使用该时期的中庸和节奏词汇。例如,经典的cadenza应该避免浪漫的色调。记录自己并评价风格一致性。为了建立信任,在简单的口琴进化上进行即兴练习,比如I-IV-V-I,只使用口琴系列(如果是巴洛克的话)或指示的键的音符。逐渐地将调谐音从治疗中吸收起来。

编写和业绩实用提示

广泛听

专家的录音: 类聚: 古代音乐学院[, 艺术弗洛里桑斯,或像艾莉森·巴索姆和莱因霍尔德·弗里德里希这样的独奏家,以现代仪器历史风格. 比较同一作品的多段录音以理解解释性的可能性. 例如,比较汉德尔--8217的一段时期性录音; as [ 水音乐[ 和现代铜管乐队安排; 说明在表达、节奏和装饰方面的差异。

与矫形实验

开始于每次重复添加一两件有味装饰。 渐渐地随着信心的建立而增加复杂度。 使用时间风格的表达来干净地执行快速装饰。 练习装饰开始缓慢, 重点是清晰度和节奏性放置 。

咨询专家

与音乐学家、教师或表演者接触, 专门从事早期音乐。 参加历史性的铜器表演讲习班, 如[ [FLT: 0]] 历史的布拉斯学会[[[FLT: 1] 专题讨论会或[[FLT: 2] 早期音乐美洲[ 会议。 在线资源, 如 早期音乐源[ 提供观赏和风格的视频指南。 考虑与专家一起接受私人课程, 以获得对您的表达和措辞的反馈 。

记录您的练习会话

记录可以使您严格评价您对紫外线、动态阴影、表达和节奏灵活性的运用。 将您的解释与周期性录音相比较。 调整检测异常时的位置。 注意呼吸; 有时,在播放时,感觉表达力会发出急速的声音。

保持灵活

准备根据声学、观众反应和综艺动态来调整你的解释。活泼的声学可能需要较少的卢巴托;死房可能需要更多的动态插曲。在现场表演中,信任你的准备,但保持对自发表达选择的开放。如果感受到大厅换位的能量,则在瞬间调整你的装饰。

选择汇辑

选择正确的作品至关重要。如果你是新人,就从短短的巴罗克角奏鸣曲或经典角奏鸣曲开始。避免直接跳入需要大量即兴或复杂装饰的作品。相反,在简单的曲目上掌握表达和措辞的基本内容。随着你的成长,将像Bach-8217那样的曲目;第二勃兰登堡音乐厅或莫扎特的角奏鸣曲第3号。 对于高级演奏者来说,探索像弗朗茨·斯特劳斯的角奏鸣曲这样的早期浪漫主义作品,它们跨越了经典风格和浪漫风格之间的界限。还应考虑将声乐作品,如巴赫的 的曲目切入音响线。

教师和学生的教学方法

教师可以将历史性的表演实践纳入其青铜器课程,培养出全方位的音乐家,这不仅会加强技术技能,也会加深音乐理解.

引入背景

当学生学习巴洛克或古典作品时, 指派一个简短的研究项目: 作曲家传记、 乐器历史和表演练习惯例。 这在注释之外建立了理解。 例如, 让学生找出作曲家所想的乐器类型, 以及它与现代乐器有何区别。 请使用像 [[FLT: 0]] IMSLP [[FLT: 1] 这样的在线资源来查看原始手稿, 并记录任何标记 。

使用周期内演练

以历史表达模式(如长短节奏、不均匀音符组合)为基础建立练习。 简单比例的装饰。 比如,采取C大尺度,对每个步骤适用三重奏,或者采用巴洛克小号风扇的风格来进行双调。

鼓励倾听和模仿

学生们要从时间段录音中转录短句,然后模仿现代乐器上的表达和措辞。这种耳训会发展语法敏感性。从一个音响塔的简单短语开始,然后请他们记下表达和重现。

与创造性的平衡认证

提醒学生,解释是过去和现在之间的对话。鼓励他们尝试其他装饰和动态,然后批判性地讨论什么是可行的,为什么。这一过程会促进所有权和艺术。比如,让他们尝试对一个短语的两种不同的解释:一种是绝对真实的,另一种是更现代的。讨论将影响更有效地传达给当代受众。

记录和现场业绩考量

记录现代观众的历史记忆带来了独特的挑战。在录音室里,麦克风布置可以改变音色;考虑使用能够生动而诚实地表达你声音的麦克风。避免过度数字化的口罩表达式。在现场表演中,适应大厅的声调:在反响的教堂里,减慢时速,使用更清晰的表达式;在干燥的大厅里,增加更动态的细微的细微度,以维持兴趣。利用物理空间:将乐器的钟摆好,并稍稍地调整不同音乐部分的声音。

两种设置都为表达你的视觉提供了机会。在录音中,您可以分层进行多段通道,以精确度;在现场场合,与观众互动的自发性和综艺增加了解释的生命力。在录音中,考虑使用干燥的镜头来表达,而整个氛围则使用湿润的组合。在表演中,与同事进行眼接触,以确保全景的凝聚力,特别是在带有杂化元素的章节中。

结论

将历史的青铜片与现代表达相解释是一个值得称道的旅程,它既能平衡对传统的尊重,又能兼顾创造性的个性。 通过将你的方法建立在历史知识中,拥抱当代音乐,并通过学习和实践不断完善你的技巧,你就能为这些珍贵的作品注入新的生命。 其结果不是博物馆作品,而是一次跨越几个世纪的活生生的表演,与听众分享青铜音乐的永恒美景。 你演奏的每一首音符都成为作曲家-QQ8217之间的对话;以及世界与你自己,邀请观众通过新的、充满活力的镜头体验过去。

进一步解读:为了深入探索,请参考约翰·华莱士著的"早期音乐复兴中"Brass in the early Music Revival ],以及[]剑桥音乐表演史[],以了解全面的背景,并探索Early Music Info网站,以便链接夏季讲习班和出版物.