了解布拉斯独奏会的历史背景

要想掌握任何标志性的铜器独奏作品,独奏家必须首先沉浸于它所诞生的历史景观中。 布拉斯音乐跨越四个多世纪,每个时代都带来了乐器设计、表演实践和构思美学方面的显著转变。 比如,巴洛克时期的自然号角缺乏阀门,只能在谐调系列中产生音符。 亨利·珀塞尔和格奥尔格·菲利普·泰勒曼等作曲家利用这些优异的风扇人物和风扇,渐渐的旋律,符合乐器的超音调范围。 相反,1815年左右的阀门的发明迎来了新的色谱可能性,使得作曲家能够写出飞扬的调线,并大胆地调制过去无法达到的时代。

古典时代 — — 认为海登的特鲁佩特音乐会(E-flat Major)是用钥匙小号组成的,这个带有钥匙覆盖孔孔的过渡器(就像木风 ) 。 这一特殊性要求现代演奏家了解原始乐器的轻巧、更敏捷的声音如何塑造了界定作品优雅的表达和措辞。 理查德·施特劳斯和古斯塔夫·马勒等浪漫主义作曲家用新发现的管弦乐大师的宏伟精神对待铜管,然而他们的独奏的段落却反映了铜管的双重性质:既能英雄出众又能温和,能发出声响。 到20世纪,保罗·欣达米斯、亨利·托马西和露西亚诺·贝里奥等作曲家有意扩大铜管词汇,包括多孔、浮夸的音和扩展的技巧,对表演者提出了既需要历史意识又需要优雅的勇气的要求。

理解这些背景层次有助于独奏者做出知情的解释性决定:巴洛克语的雅丽格鲁语应该用简洁、脱节的拼音来演奏还是用更流畅的细带来演奏? 一个人在不丧失经典比例的情况下,可以把卢巴托推到浪漫的卡登扎中去多远? 答案在于研究时期性格,倾听历史的知情表演,以及欣赏作品最初创作的乐器。

每个 Bras 仪器的密钥图标片

吹号与鼓鼓的柱子是众所周知的,但所有乐器的青铜独奏家都拥有丰富的管弦乐作品。 下面我们探索小号、喇叭、鼓声、 ⁇ 和大管等基本循环,同时注意为什么每一块都能够持续。

标注

  • 约瑟夫·海登 — — E-flat Major (1796) 中的特鲁姆特音乐会 — — 为密钥小号写成的号角重排的支柱。 它的缓慢运动体现了贝尔罐装腔作势;最后的龙多要求清晰的表达和优雅的文字。
  • ” Johann Nepomuk Hummel — — E Major (1803)的特鲁姆特音乐会 — — 尽管最初是针对同一号密钥小号,但Hummel的作品却推向了早期浪漫主义领地。 上层注册系统中的扩展段落既考验耐力,也考验中庸的敏感性。
  • 亚历山德·阿鲁图尼安 — — 1950年A-flat Major 的特鲁姆特音乐会 — — 以亚美尼亚民间节奏和狂热的技术段落为主题,它要求节奏精确、敏锐和戏剧性。 cadenza是一支巡回部队。
  • Henri Tomasi – 特鲁姆佩特音乐会(1948年)[ — — 一部现代主义作品将新古典主义与爵士乐的影响融合在一起。 它的快速运动表现为不对称的节奏和咬伤的不和;缓慢的运动缠绕着曲折的曲折。 它迫使独奏家迅速转向风格化的齿轮。
  • 乔治·埃内斯库 – 莱根德为特鲁姆特和钢琴(1906) – 虽然更短,但这篇作品是后期浪漫主义的宝石,需要深呼吸控制和声调方法来表达.

霍恩语Name

  • 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特 — — 角乐团(第1-4期) — — 由天然角组成,没有阀门,这些作品体现了古典风情和幽默。 第四音乐会的龙多是对敏捷的表达和微妙的动态阴影的特别考验。
  • 理查德·施特劳斯 – 霍恩音乐会第1期,E-flat Major, Op. 11 (1883) – 施特劳斯本人是一名角演奏家,他写了一部利用阀角全程和力量的作品,开场的扇形主题很英勇,而歌词第二题则需要歌词调.
  • Paul Dukas – Villanelle for Horn and Piano (1906) – 这幅作品将技术火力与牧业的平静混合,要求极端的登记器和宽调色调之间的平稳过渡.
  • Benjamin Britten — — Serenade for Tenor, Horn and Strings, Op. 31 (1943) — — 并不是独奏协奏曲本身,但角部分是中心主角。 Prologue和Epilogue要求完美控制自然谐音,手动阻止效果,以及低调的变色。

龙骨

  • Paul Hindemith – Trombone Sonata (1941)[ – 20世纪的杰作,以复杂的谐音,宽跃,以及需要兼具韵律和震荡力来挑战玩家。 最后的运动建立在需要持续强度的帕萨卡利亚低音之上。
  • 托马西的音乐会(Henri Tomasi – Trombone Concerto (1956) — — 和他的小号协奏曲一样,托马西的长号音乐会利用爵士乐的节奏和扩展技巧。 演奏者必须指挥乐器的全部动态范围,从低声的卡登扎到破碎的高潮。
  • Ferdinand David – Concertino for Trombone and Orchestra, Op. 4 (1837) — 最初是用于阀门的长音,这一浪漫作品是其曲棍球慢动作和vituosic 决赛的主攻。它测试滑行的条形连接,并在快速尺度的通道中清晰地表达出来。
  • 拉尔斯-埃里克·拉尔森 – 特罗姆博内和弦乐团的音乐会,Op.45 No. 7 (1955) — 一部新古典主义作品,其中性运动和尖锐的终极龙卷风。 它需要干净的口吻和微妙的词句,它背离了常常与长号独奏相关的炸弹。

⁇

  • Philip Sparke – Euphonium Concerto No. 1 (1993) – A modern classic that takes fulladvantage of the euphonium’s singing tenor range. The slow movement is deeply expressive, while the finale races with technical flourishes.
  • 拉尔夫·沃恩·威廉姆斯 — 英语民歌的六门研究(1926年,安排了euphonium) — — 尽管这些研究最初是针对大提琴的,但已经成为了euphonium主语,要求纯调,微妙的词法,以及节奏的灵活性.
  • 约翰·库尔诺 – 优 ⁇ (1980年代)的Rhapsody – 测试表演者快速驾驶跳动的能力,极端的登记转动,以及戏剧性的动态对比的展示器.

图巴

  • 拉尔夫·沃恩·威廉姆斯 — — F Minor (1954) — — 最著名的管弦乐协奏曲,它庆祝乐器的乐曲能力。 第一个运动的宽跃和敏捷运行需要显著的灵活性;第二个运动是缠身的、歌唱的阿达焦。
  • 约翰·威廉姆斯 — — 图巴音乐厅(1985年) — — 为波士顿流行乐团作曲,这部作品将电影的得分剧情与玩乐角色融合在一起。 这需要快速的调侃,强大的低音箱,以及爵士乐中段的摇摆能力。
  • 约翰·爱德华·海德 – 图巴音乐会(1970年代) — 一种不太知名但具有挑战性的工作,它拉长了乐器的射程和韧性,带有探索多声和踏板音的卡登扎.

技术挑战与如何克服这些挑战

Every iconic brass solo presents its own technical hurdles. Identifying these early in practice allows for efficient, targeted improvement.

范围和耐力

休默尔或阿鲁图尼亚协奏曲的高通路要求一致的上层注册者控制,而不会捏动或强迫声音。 练习这些部分,重点是稳定的空气支撑 — — 从隔膜中呼吸,保持放松的浮雕,避免过大的口腔压力。 使用“低音调”练习(在强度边缘轻轻轻地演奏)可以建立复原力。对于低程伸展的管或低音转盘,缓慢的嘴浆穿过部分会增强下部清洁攻击所需的肌肉。

口语和舌语

海顿或托马西的小号协奏曲的快速通过需要最快速的数字的干净的单音节或双音节/三音节。 在慢速的节拍标记上将每个音符(“tah ” 或“dah ” ) 分开并练习,同时保持清晰度。 处理大卫协奏曲的特罗姆博内玩家应该采用滑动同步和舌头摆放的方式;一个常见的错在于移动滑动太迟,导致污损攻击。 使用舌动和故意的早期滑动动作。

动态控制

表达式的词组依赖于平滑的动态梯度。 比如, Hindemith Trombone Sonata 需要从勉强听力的钢琴到强势的要塞等广泛的动态范围。 在不同的动态级别练习长音,同时保持相同的音调和调色。 然后在四或八拍的跨度上应用重音和解音。 对于突然的动态对比(subito piano), 练习跳跃, 方法是在软音符之前准备呼吸和设置浮雕。

呼吸管理

莫扎特角音乐会或沃恩威廉姆斯·图巴音乐会中坚持的短语要求高效的空气使用。练习使用节拍来节奏呼吸:在计分中标出呼吸,然后通过将最后一个音节拖长一点来逐渐延长该短语。在呼吸练习中,你完全吸入4个音节,按4个音节,呼8个音节,提高容量。如果延长的通道(如埃内斯库·莱根德)需要,请纳入循环呼吸。

节奏精度和样式

许多20世纪的作品(Tomasi, Arutunian)混合了奇数和同步。 练习时会从乐器中分离出微妙的节奏 — 拍拍和高声计数,然后在单音盘上演奏。 听录下来,随乐谱一起将风格内化。 对于巴洛克的作品,研究三重奏和类似历史论文(如Quantz或C.P.E. Bach)中描述的装饰。

解释性透视:在注释之外

技术掌握只是战斗的一半;另一半是传达音乐的情感、叙事和风格。 首先要研究作曲家的传记和意图。 比如,海顿的特鲁姆佩特音乐厅是在个人幸福和豪华时期写成的,这应该为光亮、浮华的阅读提供信息。 由苏联亚美尼亚组成的阿鲁图尼亚音乐厅将黑暗的民间悲哀带在其胸罩下 — — 听到缓慢的片段中的呼喊。

听听传说中的表演者们的多段录音:小号的温顿·马萨利斯、角的丹尼斯·脑、长号的克里斯蒂安·林德伯格、大号的罗杰·波波、以及小号的史蒂文·米德。比较他们的节奏选择、措辞和装饰。问自己:开场主题能唤起什么样的情感?我如何塑造这个短语来让它唱歌?马克短语的拱门、动态峰顶和潜在教义口音(在表达音符上是轻巧的).

现代的作品中,舞蹈节奏和声调的脉冲是模糊的。 在浪漫主义作品中,不要害怕尝试节奏的灵活性,但总是保持向前运动的感觉。 在古典作品中,在时期风格中保持装饰性 — — 只在适当的时候加上三重奏,并正确解决(通常从上方辅助音符开始 ) 。 对于模棱两可的现代作品,请找到基本的舞蹈节奏或类似语言的脉冲。

最后,请记住沉默的力量。在高潮前的呼吸或轻微的刺激可以放大影响。你的表演应该讲述一个故事:英雄的旅程、哀叹、欢乐的舞蹈。 通过眼睛接触(如果可能)和与音乐台线相对应的姿态与观众联系。

掌握图标汇辑的实践战略

  1. 分析远离仪器的分数 – 在播放单个音符之前,研究结构:关键区域,短语长度,动态地图,以及主要技术段落. 标记指向或滑动位置,气息标记,以及动态阴影.
  2. 分区和主孤立挑战 – 将片段拆分为短节(8–16条) , 确定每个节段最难的段落, 并首先钻入没有节奏的段落 – 在一个音位上只播放节奏, 然后只播放没有节奏的音位 。 慢慢地重新组合 。
  3. 使用多时速图层[ – 对于快速移动,练习半速,四分之三速,然后在前两节完全安全后才能进行。用节拍来避免急速。
  4. ” 记录和自我批评[ – 音频记录每周全程运行。听好插入、清晰表达、动态形状和风格。注意 : “ 计量45-50:重刻版没有在下拍上达到顶峰 。 ”然后修复它。
  5. 实践性能背景 – 模拟性能状况:在精神检查单上标注整个作品的全过程。用一个朋友的观众或用带子录音机打开的练习室来完成这项工作,可以增强耐力和心理准备。
  6. 整合精神实践 — — 远离仪器,在哼唱部分时直观地看到手指、滑动和呼吸时间。 这强化了神经路径,没有给切片带来肥胖。

准备表演:心理和身体准备状态

独奏者必须培养精神适应力。 表演焦虑会侵蚀几周的认真准备。 以系统接触的方式来应对:为朋友、大师、低级演奏。 在大表演前,要彻底暖和长音、唇膏和表达模式(避免过度练习重排本身 ) 。 然后,要花几分钟时间深呼吸,并集中身体上放松的肩膀,下巴,双脚双肩。

表演时保持灵活思维。 如果您抽出一个音符, 请立刻忘记, 并集中关注下一句。 请相信您的肌肉记忆和之前的准备。 采取一种姿态来显示信心, 即使你的心跳在跳动。 请记住观众正在为你打气, 他们想要被移动, 而不是判断漏掉的音符。 请准备一个“ 锁定” —— 即当你开始徘徊时, 将注意力带回的字词或图像 。

最后,享受这一时刻。你有幸将一件杰作带给人。铜器的标志性作品已经忍耐了下来,因为它们对人的经验中普世的东西说话。你的工作是通过你的乐器来传递这种声音。

扩大《汇辑》和持续增长

本文讨论的作品只是一个起点。作为独奏家,你应该不断寻找不太知名的作品、当代的构思和其他乐器的抄本。布拉斯的连载每年都通过比赛、委员会和活的作曲家的工作而增长。 订阅诸如国际特罗姆布恩协会、国际特鲁姆特协会和国际非洲之角协会新版和学术文章。跟随社交媒体的表演者,参加各种会议,尽可能上主课。

永远回到基本点:长音量、音标和技术练习,为每部作品打下基础。永远不要忽视你为什么开始演奏——音乐的欢乐、执行良好的句子的刺激,以及与观众的深刻联系。标志性的铜器重唱等待着你们独特的声音。

关于历史青铜演奏实践的进一步解读,请参见[ 牛津书目:Brass表演实践[. 为探索板曲音乐和录制建议,访问[ Alry Publications铜器目录[]. 如果您想加深你对呼吸管理和调制的理解,则PhysioVoice为青铜演奏者提供了出色的练习.