Hvorfor samarbeide med komponisters Matters for brass spillere

For messingspillere er kanonen av standard repertoire relativt liten i forhold til strenger eller piano. Mens arbeider av Hindemith, Orchestrale Excerpts fra Wagner og Strauss, og solostykker av Eugène Bozza og Paul Hindemith utgjør en del av messing ryggraden, er det samtidige repertoiret fortsatt skrevet. Hvert samarbeid med en levende komponist har potensial til å produsere et stykke som blir en stift for fremtidige generasjoner. Dessuten jobber direkte med en komponist tvinger deg til å bevege seg bortom tolkning og til etablering. Du er ikke lenger bare reprodusere en score - du hjelper til å forme det.

Dette skiftet i tankesett kan forvandle tilnærmingen til å øve og utføre. Når du har satt i et rom med en komponist, diskutere hvorfor en viss artikulasjon fungerer eller hvorfor en passasje føles vanskelig, utvikler du en dypere forståelse av hvordan messing skrivefunksjoner. At kunnskap overføres direkte til hvordan du tolker standard fungerer. Du begynner å tvile på bemerkning, vurdere intensjonen bak dynamiske markeringer og utvikle en mer fleksibel musikalsk fantasi.

Starte samtalen: Finne komponister å jobbe med

Før du kan samarbeide, trenger du en komponist. Mange messingspillere antar at idriftsettelse av et nytt stykke er bare for høyprofilerte solister med finansiering. I virkeligheten finnes muligheter på alle nivåer. Studentkomponister på konservatorier og universiteter er ofte ivrige etter å skrive for messinginstrumenter, spesielt hvis de ikke har jobbet med ett tidligere. Lokale komponisters kollektiver, organisasjoner som New Music USA nettverk, og til og med sosiale mediegrupper dedikert til moderne klassisk musikk kan sette deg i kontakt med villige partnere.

Når du nærmer deg en komponist, vær klar over hva du tilbyr. Er du ute etter en kort etude for å forbedre dine egne ferdigheter, et stykke for en grunn, eller en full konsert for ytelse med et ensemble? Komponister setter pris på spesifikkhet fordi det hjelper dem å forstå omfanget av prosjektet. Mention instrumentet, det omtrentlige ferdighetsnivå og eventuelle stilistiske preferanser du har. Hvis du er en avansert spiller som liker tekniske utfordringer, si det. Hvis du foretrekker lyriske, tonale skrive, kommunisere det også. Jo mer komponisten forstår om ditt spill, jo mer vellykket samarbeid vil være.

Tidlige stadier: Bygge en kreativ kort

Når du har funnet en komponist og takket ja til å jobbe sammen, neste trinn er å lage en kreativ kort. Dette dokumentet trenger ikke å være formelt eller langt, men det bør skissere parametrene til stykket. Inkluder følgende elementer:

  • Instrumentering: Spesifiser om stykket er solo, duett eller for messing ensemble. Hvis det er med piano, vurdere om pianodelen må reduseres for øvingsformål.
  • Durering: En klar mållengde hjelper komponisten å strukturere stykket. Hvis du trenger et fem minutters stykke for en konkurranse, si det. Hvis du bygger et fullt grunnprogram, kan du ha noe i 10-15 minutters rekkevidde.
  • Style og påvirkninger: Gi eksempler på stykker du beundrer. Del opptak av messing fungerer du elsker, eller beskrive den emosjonelle kvaliteten du er etter - yrisk, dramatisk, lekefull, meditativ.
  • Tekniske hensyn: Vær ærlig om grensene dine. Hvis du er ubehagelig med altissimo register, si det foran. Hvis du aldri har utført flerfonik, nevne at du er villig til å lære men trenger tid.
  • Deadlines og budsjett: For profesjonelt samarbeid, er enige om en tidslinje som inkluderer utkast til innsendinger, revisjonsperioder og den endelige ytelsesdatoen. Hvis komponisten tar ut en provisjonsavgift, avgjør at før noen notater er skrevet.

Å skape en kort kort kort ikke stimulere kreativitet - det gir en beholder hvor komponisten kan jobbe fritt. Å ha garderober betyr færre bortkastet innsats og et stykke som passer dine behov.

Dype dykk inn i notasjon og Score Study

Når komponisten begynner å skrive, spør om et utkast score så tidlig som mulig. Ikke vente på en polert sluttversjon. Ved å se stykket i gang kan du tilby tilbakemelding når det er lett å innlemme. Når du først ser på et utkast, fokuser på det store bildet i stedet for små detaljer. Spør deg selv: Er den generelle skjemaet fornuftig? Er seksjonene balansert? Har stykket en klar emosjonell bue?

Vær oppmerksom på notasjon. Moderne komponister bruker noen ganger ukonvensjonelle symboler som ikke er en del av standard messing litteratur. For eksempel kan du se en notasjon for ⁇ rip ⁇ (en rask, uutnyttet slide), ⁇ smear ⁇ (en halvvalve glissando), eller ⁇ doit ⁇ (en notat som bøyer seg oppover i slutten). Hvis du er usikker på hva et symbol betyr, spør. ]Oxford Music Online database tilbyr veiledning om moderne notasjon, men ingenting erstatter direkte kommunikasjon med komponisten. Klargjør bemerkelsen tidlig forhindrer forvirring under øvinger og sikrer at den tiltenkte effekten realiseres.

Sjekk også for konsistens. Bruker komponisten tenuto-merker til å bety en liten aksent eller en full varighet? Er trills merket med utilsiktede? Disse subtilitetene er i ytelse og bør standardiseres før den endelige gravering.

Arbeid gjennom tekniske utfordringer sammen

En vanlig pitfall i komponist-brass spillersamarbeid er at komponisten skriver noe som ser bra ut på siden, men er upraktisk å spille. Brass instrumenter har unike fysiske krav: leppe tretthet, luftstrømshåndtering og den mekaniske virkeligheten av ventiler og lysbilder. En linje som beveger seg i trinnvis bevegelse kan være enkel, men en rekke brede sprang i det øvre registeret kan være utmattende. Ikke anta at komponisten vet disse begrensningene.

Registrer og utholdenhet

Hvis stykket plasserer utvidede passasjer i høyregisteret, spesielt for trompet eller horn, diskutere hvordan man skal håndtere tretthet. Foreslå å bryte linjen med hviler, eller flytte noen passasjer ned en oktav med en instruksjon om å spille ⁇ col 8va ⁇ når energi tillater. På den annen side krever det ekstreme lave registeret på tuba eller basstrombone også betydelig luftstøtte; lange vedvarende notater i pedalregisteret må balanseres med muligheter til å puste.

Raske artikulasjoner og ventilarbeid

Brass instrumenter er ikke piano ⁇ raskt gjentatte notater krever artikulering som kan beskattes på tungen. For passasjer merket staccato i en svært rask tempo, vurdere å be komponisten å skrive oppslemte grupper eller å redusere antall gjentatte notater. På samme måte, passasjer som krever konstante ventilendringer, spesielt på det franske horn (der partialer er nærmere sammen på høye plasser), kan forårsake sprekk eller savnet notater. Arbeid sammen for å finne alternative fingering eller å forenkle linjen mens du bevarer den musikalske hensikten.

Slidteknikk på Trombone

For trombonere er posisjonsendringer en viktig faktor. En linje som hopper fra første til syvende posisjon og tilbake igjen på en rask tempo sjelden pålitelig. Komponisten kan ikke innse dette. Vis dem lysbildeposisjonene og foreslå endringer - kanskje flytter en notat til en alternativ posisjon eller skriver linjen om for å holde seg innenfor et mindre lysbildeområde. Demonstraterer disse problemene fysisk, mens du spiller, er langt mer effektivt enn å beskrive dem.

Utvide Brass Palett: Utvidede teknikker

Moderne messingskriving inneholder ofte utvidede teknikker. Mens noen spillere unngår disse metodene, kan de være utrolig uttrykksfulle når de brukes godt. Vanlige utvidede teknikker inkluderer multifoni (singing mens du spiller for å produsere akkorder), flittigere tonguing, voksende, halvvalve effekter, tasteklikk, luftlyd og tonebøyninger. Hvis komponisten ønsker å inkludere disse, er din jobb å veilede dem mot det som er praktisk og effektivt.

Demonstrateringsteknikker

Ikke forvent at en komponist skal vite hvordan flerfonikk fungerer på en trompet versus en trombone. Ta opp korte eksempler på teknikkene du kan produsere og dele dem. Forklar vanskeligheten nivå: flutter tonguing er relativt enkelt på moderat dynamikk, men blir utfordrende på svært myke eller svært høye ekstremer. Kvart-toner er mulig på de fleste messing instrumenter, men krever forsiktig øretrening og kan ikke være helt konsekvent i alle register. Vær klar over hva du kan sikkert utføre i en levende innstilling.

Notasjon Standards

Forlenget teknikk trenger klar notasjon. For eksempel kan flerfonikk bli notert med et diamantformet notathode for den sungne banen, eller med et separat personale. Flutter tonguing er vanligvis indikert med tre skråstrekker gjennom stammen eller a ⁇ flt z ⁇ merking. Arbeid med komponisten for å vedta standardsymboler slik at fremtidige utøvere kan lese stykket uten ordbok. JW Pepper-bloggen på messing utvidede teknikker gir et utmerket utgangspunkt for standardnotasjon.

Rehearsaler som bygger stykket

Rehearsaler under komposisjonsprosessen er fundamentalt forskjellig fra øvinger for et eksisterende stykke. Det er ingen ⁇ korrekt ⁇ versjon ⁇ du er å skape det endelige produktet. Nærme disse sesjonene med åpenhet og en ånd i utforskning.

Første lese-gjennom

Når du ser lese et utkast, ikke bekymre deg om perfeksjon. Målet er å høre hvordan stykket høres i sanntid. Ta opp sesjonen og markere scoren med kommentarer etterpå. Merk hvor du slitte, hvor musikkstrømmen ble avbrutt, og hvor du følte stykket kom i live. Del disse observasjonene med komponisten, men unngå å være over kritisk. Frame din tilbakemelding når det gjelder din erfaring: ⁇ Når jeg nådde mål 34, følte jeg at jeg trengte mer tid til å puste før neste frase ⁇ Dette inviterer komponisten til å løse problemet sammen.

Iterativ raffinering

Forvent flere runder av revisjoner. Komponisten kan endre notater, rytmer, dynamikk eller til og med hele seksjoner basert på tilbakemeldinger. Vær tålmodig. Noen av de beste brikkene går gjennom fem eller seks utkast før de føler seg riktig. Under denne prosessen, hold humørsamarbeid og positivt. Komplisere hva som fungerer. Hvis en passasje føles spesielt idiomatisk eller vakker, si det. At oppmuntring brenner komponistens motivasjon.

Opptak av Evolution

Dokumenter samarbeidet ved å holde opptak av hvert utkast. Disse innspillingene er verdifulle for komponistens portefølje, men de tjener også som en rekord over stykkets evolusjon. Hvis du noen gang gir masterklasser eller undervise stykket, kan du dele prosessen med studentene, som viser hvordan en komposisjon vokser gjennom samarbeid.

Forbered deg på Premiere og Beyond

Prime er den offentlige kulminasjonen i samarbeidet ditt, men det bør ikke være slutten. Bruk premieren som en mulighet til å bygge momentum for stykket. Skriv programnoter som forteller historien om samarbeidet - bevissthetene elsker å høre om den kreative prosessen. Mention komponistens inspirasjon og utfordringene du jobbet gjennom sammen.

Opptak og kampanje

En høy kvalitet opptak er viktig for stykket levetid. Det lar komponisten sende arbeidet til konkurranser, festivaler og utgivere. Det lar også andre messing spillere høre stykket og vurdere det for sine egne repertoarer. Hvis du kan, lage en profesjonell studioopptak. Hvis det ikke er mulig, kan en velprodusert live opptak fra premieren fortsatt være nyttig. Del opptaket på sosiale medier, tag komponisten, og oppfordre nettverket til å lytte.

Lære og utføre

Når stykket er publisert, lær det til studentene dine. Inkluder det i grunnleggelser, prøveprogrammer og masterklasser. Jo mer et stykke utføres, jo mer sannsynlig er det å bli en del av standard repertoaret. Du kan til og med skrive en utgave med foreslåtte fingering, lysbildeposisjoner og pusteflekker, noe som gjør det lettere for fremtidige utøvere. Det bidraget blir en del av arven din som en kollaborator.

Endelig, hold kontakten med komponisten. Mange samarbeid fører til flere kommisjoner. Hvis det første stykket var vellykket, diskutere å skrive en oppfølging. Bygge et langsiktig forhold til en komponist lar deg utvikle en arbeidsform som er unikt egnet til stemmen din. Tenk på komponister som kolleger, ikke bare tjenesteleverandører. De beste musikalske relasjoner er vennskap, bygget på gjensidig respekt og en felles kjærlighet til kunstformen.

Praktiske råd for forskjellige brassinstrumenter

Selv om mange av prinsippene ovenfor gjelder i stor grad, har hvert messinginstrument unike hensyn som fortjener oppmerksomhet.

Trumpet

Trompetens lyse, piercing lyd gjør det ideelt for melodiske linjer og fanfarer, men det avslører også intonasjon og artikulasjonsproblemer. Komponister skriver ofte for trompet i det høye registeret, ikke å innse at langvarig spill over høy C kan forårsake leppe tretthet og risiko for skade. Oppmuntr komponisten til å skrive med variasjon - å øke høye passasjerer med lavere, mer vedvarende materiale. Også, trompetens ventil kombinasjoner er generelt pålitelige, men raske passasjer i tastene med mange skarpe eller flater kan være vanskelig. Arbeid med komponisten for å velge vennlige nøkler der det er mulig.

Fransk Horn

Hornet er berømt for sin uforutsigbare inntonasjon og vanskeligheten med å spille stoppet notater. Komponister kan skrive stoppet hornpassasjer uten å forstå at de dramatisk senker tonehøyden og krever ulike fingering. Hvis stykket bruker stoppet horn, sørg for at komponisten skriver de faktiske lydingplassene eller gir et fingerdiagram. Hornets håndplassering påvirker også tonefargen; be komponisten om å merke når hånden skal plasseres lenger inn i klokken for en mørkere lyd.

Trombone

Tromboneskriving innebærer lysbildeposisjoner, som er mindre intuitive enn ventiler. Bredde sprang som krever raske posisjonsendringer kan være upålitelig, spesielt i det nedre registeret. Komponister skriver noen ganger glissandi uten å innse at en ekte glissando er bare mulig mellom tilstøtende posisjoner. Klargjør forskjellen mellom en glissando (som beveger seg mellom posisjoner) og en portamento (som bøyer banen i en posisjon). I tillegg gjør F-vedlegget på tenor og basstrombone alternative posisjoner; arbeid med komponisten for å skrive lysbildepassasjer som utnytter disse alternativene.

Tuba

Tuba's rekkevidde strekker seg inn i pedalregisteret, som krever massiv luftstøtte. Lange, vedvarende pedaler er utmattende og bør blandes med pustepauser. Komponister skriver ofte tuba deler som er rytmisk enkle, men instrumentet er i stand til agile, virtuosiske linjer. Hvis du er en avansert spiller, presse komponisten til å skrive teknisk krevende materiale. Tuba’s lyd blander godt med andre instrumenter, slik at det også kan fungere som et harmonisk fundament i ensemble fungerer.

For alle messinginstrumenter, husk at akustikk materie. Et stykke som høres perfekt i et øvingsrom kan være helt annerledes i en konsertsal. Hvis mulig, planlegg en øving i prestasjonsarena før premieren for å sjekke balanse og projeksjon.

Siste tanker: Belønningen av med-kreasjon

Samarbeid med komponister er en av de mest oppfyllende opplevelsene en messing spiller kan forfølge. Det presser deg til å vokse teknisk, musikalsk og tolkende. Du utvikler en dypere forståelse for håndverket til komposisjon og utfordringene som komponister står overfor. Og du ender opp med et musikkstykke som er unikt ditt ⁇ en som ingen andre har spilt på nøyaktig samme måte.

Behandle hvert samarbeid som en læringsmulighet. Selv om stykket aldri blir en standard, vil prosessen gjøre deg til en bedre musiker. Du vil lære å kommunisere mer effektivt, å lytte mer nøye og å stole på dine instinkter. Relasjoner du bygger med komponister vil berike karrieren din i årene framover.

Så hent opp instrumentet ditt, finn en komponist som eksiterer deg og starter en samtale. Det neste store messingarbeidet kan vente på å bli skrevet ⁇ med deg som den første tolken.