연습 중에 음악 해석 개발

음악과학과가 될 필요가 없지만 역사적인 연구의 몇 가지 연습 세션을 투자하면 배당됩니다. 발견하고 점수를 유지하고 유지하는 데주의하십시오. 시간이 지남에 따라 해석은 정보의 전통과 예술적 성격의 혼합이 될 것입니다.

성적표 Thoroughly 분석

관심있는 점수 연구는 중요한 단계입니다. 동적, articulation 표, phrasing 및 tempo 표시를 검사하는 노트와 리듬을 넘어보십시오. 이 요소를 강조하고, 그들이 조각의 전체 문자에 기여하는 방법을 고려하십시오. 주의를 지불하십시오 :

• 동적 대조와 기온변화도 — from pianissimo] fortissimo, 모든 사이에.
• staccato, Legato, 악센트, tenuto 및 portato와 같은 예술.
• 반복된 motifs 및 thematic 개발 — 그들은 조각을 가로 질러 변환하는 방법?
• 키 변경 및 수정 - 감정적 인 변화가 신호하는 것은 무엇입니까?
• 섹션, 구문, 교과점과 같은 구조적 부서.
• 악기 작품의 보컬 음악 또는 프로그래밍적 요소에 대한 텍스트 펜트닝.

이 세부 사항을 이해하면 알려지지 않은 해석 결정과 성능이 작곡가의 의도를 존중합니다. 연필을 사용하여 관찰 점수를 표시하십시오. 복잡한 조각을 위해 대규모 형식의 계획을 보여주는 구조적 인 다이어그램과 창조하려는 정서적 트레이드를 만듭니다.

Harmonic 및 Phrase 분석

표면 표시를 넘어 이동. 구문 내에서 조화 진전을 분석하면 긴장과 방출 점을 식별 할 수 있습니다. 음질로 이동하는 지배적 일곱 번째 초록은 세례적인 학대보다 다른 종류의 도착을 요구합니다. 이 순간을 표시하고 동적 및 tempo 형성을 결정하십시오. 예를 들어, 당신은 경이적 인 해상도 또는 느슨한 조화로 놀라움을 볼 수 있습니다 [[FLT : 0]]rallentando[]FLT : 1).

Phrase 분석은 자연 호흡 포인트를 나타냅니다. 바람과 황동에서 실제 호흡이 필요합니다. 그러나 문자열과 키보드 플레이어는 더 유기적 흐름을 가진 라인을 형성하기 위해 경계에서 숨을 질에서 혜택을 누릴 수 있습니다. 인쇄 된 표기를 넘어 이동 숨을 띠 또는 삐걱거리는 슬러리를 작성하십시오.

연습 중에 Expressive Elements로 실험

해석은 개인이며, 종종 조각을 표현하는 단일 "절단"방법이 없습니다. 다양한 표현 장치로 실험하기 위해 연습 세션을 사용합니다.

1. Tempo 변형: 그들이 기분에 영향을 미치는 방법을 볼 속도에 약간의 변화를 시도. 아래로 느리고 또는 속도는 특정 통로를 강조 할 수 있습니다 긴장 또는 휴식. 심지어 2-3% metronome 표시에서 이동 문자를 변환 할 수 있습니다.
2. Dynamic 셰이딩: 볼륨으로 재생, 에서 whisper-soft pianissimos 대담 fortissimos, 을 만들 대조와 정서적 깊이. 각 섹션에 대한 동적 계획을 알아.
3. Rubato:는 전반적인 맥박을 잃지 않고 표현력을 추가하는 미묘한 리듬 유연성을 도입합니다. "borrowing"시간으로 루토를 생각하고 그 후, 구문은 여전히 전반적으로 적합해야합니다.
4. 조합 조정: 노트에 다른 접촉과 실험은 어떤 날카로운, 다른 사람 더 둥근 - 어떤 가장 적합한 문자를 찾을 수 있습니다. 참고 표시된 staccato는 crisp 50% 길이에서 barely 분리 90%에 배열할 수 있습니다.
5. Breathing and phrasing: 자연적인 phrasing breaks, 심지어 명백한 숨없이 악기에, 음악 라인 convincingly 형성. 구문 사이 침묵은 음악의 일부입니다.
6. Pedaling (keyboard players): 다른 고조파와 선명도를 만들기 위해 지속적인 페달의 양과 타이밍을 배부.
7. Vibrato (문자, 바람, 황동 선수): 폭, 속도, 그리고 vibrato의 온 세트를 탐험하십시오. 제어 vibrato는 따뜻하게 추가할 수 있으며 좁은 vibrato는 불쾌 또는 긴장을 제안할 수 있습니다.

이 실험을 기록하고 중요한 것을 듣고. 이 피드백 루프는 가장 공평한 해석 선택을 안내하고 가장 공평한 선택들을 식별하는 데 도움이 됩니다. 대부분의 공평을 느꼈던 노트를 사용하여 연습 저널을 사용하십시오. 여러 세션에서 해석을 제공하는 표현식 장치의 팔레트를 좁힐 것입니다.

Incorporating 감정적인 연결

기술적인 마스터리는 감정을 전달할 수 없습니다. 진정한 관객을 참여하려면 개인적으로 조각을 연결하십시오. 음악이 어떻게 느끼는지, 무엇을 이야기합니다. 상상 장면, 감정, 또는 음악의 분위기와 일치하고 그 사람을 알려줍니다.

비극적 인 붓기와 감정적 인 참여는 종종 더 정통하고 경쟁적인 성과로 이어집니다. 이 연결은 반복적 인 연습 중에 동기를 유지합니다. 예를 들어, Beethoven sonata의 느린 움직임에서 작업하면 조용한 새벽 또는 두 문자 사이의 반송을 감독 할 수 있습니다. 동적인 붓기, 당신의 루미나를 안내하고 각 메모에 줄이는 무게를 나타냅니다.

Emotional Memory 사용

자신의 감정적인 기억에 그리기. 심리학자들은이 "범죄 기억"또는 "동의 기억"을 호출하여 특정 감각을 불러 일으켰던 생생한 개인 경험을 불러옵니다. 구문을 시작하기 전에 기억을 소중히하는 몇 초를 가져와 연주를 느끼게 합니다. 그것을 강제하지 마십시오; 목표는 정통성, melodrama입니다. 메모리가 너무 무거운 또는 낭비를 느끼면, 신사 협회에 전환하십시오.

일부 음악가들은 프로그래밍이 존재하지 않는 경우에도 조각을위한 짧은 달의 프로그램을 작성하는 데 도움이되는 것을 발견합니다. 감정적인 상태가있는 각 섹션을 라벨 : 긴, 삼십프, 정서적, 해결. 이것은 당신이 수행 할 수있는 성능 아크를 제공합니다.

Interpretation을 개발하는 구조형 연습 기술

해석 능력을 쌓아주는 특정 연습 방법 :

1. ]문 표현에 초점을 맞춘 구문을 가진 구문 연습:] 각 구문과 뉘앙스를 천천히 재생합니다. 감소 된 튀김에서, 당신은 돌출없이 모든 세부 사항, 역동적이고, 패싱에 참석할 수 있습니다.
2. Sectional Practice:] 작은 부분에서 작업 (2–8 bar)는 표현적인 가능성을 실험합니다. 버전에 정착하면 점수에 표시하고, 인스티튜트가 될 때까지 반복하십시오.
3. metronome의 사용: 엄격한 tempo로 시작, 그 후 루토와 유연성을 도입하지 않고 연습. metronome은 리듬 분야를 시행하지만, 그 기반이 안전하다면, 당신은 목적으로 자유롭게 깰 수 있습니다.
4. Dynamic layering:] 제어 및 인식을 구축하는 구문 내에서 동적 변경을 연습합니다. 예를 들어, 세 가지 동적 레벨 (piano, mezzo-piano, forte)에서 선을 연습하고, 각 레벨 내에서 크레센도 또는 디미누엔도를 추가합니다.
5. ] 점수를 매기:] 은 음악에 직접 해석 노트를 작성하여 결정력을 강화합니다. 동적 색상을 사용하여, 템포레이션을 위한 화살표, 그리고 촉감적인 상징을 활용합니다.
6. 악기 없이 연습: 조용한 공간에서 앉아서 해석을 다시, 당신의 내부 귀에 모든 nuance를 듣고. 이 기억을 강화하고 신체적 습관에서 당신을 해방합니다.
7. Shadow 연습: 당신이 존경하는 성과의 기록과 함께 플레이, 그 즉시 당신의 선택을 비교, 당신의 자신의에 동일한 통행을 재생합니다.

이 전략은 합리적인 자유로움을 가진 기술적인 정확도를 균형을 돕습니다. 그들은 또한 단 하나 해석으로 잠그기에서 당신을 방지합니다 너무 이른 당신 발견에 남아 있습니다.

Interpretation을 강화하는 기술

현대 공구는 당신의 해석적인 발달을 가속할 수 있습니다. 디지털 방식으로 오디오 워크스테이션 (DAW) 또는 당신의 연습을 붙잡기 위하여 간단한 기록 앱을 사용하십시오. 신선한 귀를 가진 뒤를 듣기 조차 조차 루토 또는 지나치게 동적인 동적인 은 명백하게 같이 다음 일 일반적인 문제점. 당신은 또한 참조 궤도에 당신의 성과를 phrasing와 타이밍 비교하기 위하여 과감하게 할 수 있습니다.

Tonara 또는 ]forScore]를 사용하여 오디오 녹음, 손으로 그리는 해석 마크 사진, 외부 리소스에 대한 링크가 있는 점수를 매기할 수 있습니다. 일부 음악가들은 spectrogram 소프트웨어를 사용(]Sonic Visualiser)를 사용하여 시각적으로 변화하고, 동적인 변화에 따라 변화할 수 있습니다.

기술에 대한 지나치게주의하지 마십시오. 목표는 예술적 판단을 낙관하는 것입니다. 당신의 현재 해석을 정유에 반영하는 거울과 같은 도구를 사용하십시오.

의견과 영감

외부 입력에서 매우 해석 이점. 고려하십시오:

• 건축적 인 크리티크와 신선한 관점을 제공 할 수있는 교사 또는 코치와 함께 일하십시오. 좋은 교사는 당신이하고있는 것을 모두 듣고 아직하지 않는 것을 듣습니다.
• 다른 예술가들이 다양한 해석을 탐구하기 위해 여러 녹음을 듣습니다. 그들이 동일한 통과를 다르게 처리하는 방법을 알려 주시면, 당신이 선호하는 선택과 왜 자신을 묻습니다.
• 전문가들이 음악 아이디어를 어떻게 전달하는지 관찰하는 라이브 공연을 종료합니다. 레퍼토리가 다르더라도 물리적 제스처, 호흡 제어 및 단계 존재를 배울 수 있습니다.
• 협업 피드백과 토론을 위한 동료 음악가들과 함께 참여. Chamber 음악 재시어는 해석적인 성장을위한 우수한 실험실입니다. 당신은 협상하고 타협해야하며, 자신만의 아이디어를 명확하게 강조합니다.

새로운 아이디어에 열려 있지만 항상 자신의 예술적 감각을 통해 제안을 필터링합니다. 최종 해석은 당신입니다. 그러나, 피드백은 블라인드 스팟을 밝혀 줄 수 있습니다. 예를 들어, 청취자는 상승하는 순간이 돌진하거나 조용한 부분이 강렬을 느낀다는 것을 알려줍니다. 이러한 크리티크를 사용하여 당신의 비전을 철거하지 않고 정제합니다.

엑시턴 인터프리테이션 불안

많은 음악가들이 그들의 해석이 잘못되거나 악화로 판단 될 것이라고 두려워합니다. 이 불안은 표현적인 선구자를 얼릴 수 있습니다. 해석은 당신 사이 대화, 작곡가, 그리고 청중입니다. 단 하나 정확한 대답이 없습니다. 가장 존경받는 연기자는 종종 고전적인 음악을 살아 유지하는 것과 같은 조각에 대한 다른 접근을 가지고 있습니다.

노출에 대한 불안. 작게, 신뢰할 수있는 청중과 요청 피드백을 위해 재생, 뿐만 아니라 메모. 기록 자신 여러 번과 비교. 시간이 지남에, 당신은 당신의 선택에 신뢰를 개발할 것입니다. 특정 결정이 강제 느낌, 포기. 확실한 해석은 편안함과 활력의 장소에서 온다.

시간을 초과하는 Interpretation 신선한

음악 해석은 정적이 아닙니다. 음악가로 성장하고 삶의 경험으로 발전함에 따라 조각의 이해가 심하게 될 수 있습니다. 정기적으로 신선한 귀와 새로운 통찰력으로 레퍼토리를 다시 시작합니다. 이 지속적인 참여는 생생한 성과와 의미를 유지합니다.

몇 달 후 조각에서, 점수를 꺼내 자신의 성능의 오래된 녹음을 듣고. 아직도 작동하고 지금 stale을 느낄 수 있는지 확인하십시오. 특정 섹션에서 적어도 3 가지 새로운 해석 아이디어가 발견하도록 도전하십시오. 다른 동적 모양, 느린 또는 빠른 tempo, 새로운 articulation 패턴. 조각은 당신과 함께 성장하는 살아있는 문서가됩니다.

예술가는 pianist Martha Argerich가 수십 년 동안 재 발명 해석에 알려져 있습니다. 당신은 완전히 조각을 다시마고 필요가 없습니다, 그러나 작고, deliberate 변화는 정직하고 당신의 성과 칭찬을 지킵니다.

Ensemble 설정에서 협업 해석

두오, 챔버 그룹, 관현악에서 연주할 때, 해석은 공유 프로세스가 됩니다. 다른 음악가들과 함께 개인 목소리를 섞어야 합니다. 이들은 유연성과 적극적인 청취를 요구합니다. 재활에서는, "이 문구는 기술적인 사각형보다는 질문처럼 느껴야 합니다"와 같은 표현식 아이디어를 공개적으로 논의합니다. 동일한 통과를 동시에 연습하고, 다른 접근법을 함께 시도하십시오.

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최종 사고: 독특한 목소리를 구축

음악 해석은 연구, 실험, 정서적 참여 및 구조적 연습의 혼합을 필요로 합니다. 이러한 영역의 각을 탐구하기 위해 시간이 걸릴 때, 당신은 당신의 음악을 삶에 가져와 당신의 청취와 깊이 연결하는 독특한 목소리를 재배할 것입니다. 여행은 이론적 - 각 조각을 통해 당신은 당신의 해석 어휘를 구축하는 것이 더 쉽고 직관적입니다.

여러분의 의도를 신뢰하지만, 지식과 함께 돌아갑니다. 연습실에서 실패하기 때문에 무대에서 성공합니다. 그리고 위의 모든 것, 해석은 음악의 영혼을 기억합니다. 그것없이, 당신은 단순히 패턴을 재현합니다. 그것으로, 당신은 이야기, 공유 느낌을하고, 관객이 마지막 메모 페이드 후 오래 기억하는 순간을 만들 수 있습니다.