연습에 기술 훈련 및 음악

왜 대부분의 브라이트 플레이어는 균형 Wrong을 가져옵니다

음악 학교에서 어떤 연습실로 걸어, 예측 가능한 패턴을 듣게됩니다. 전체 볼륨에서 스케일, 입술 슬러리 반복 기계적으로, 동일한 기술 etude는 phrasing을 고려하기 위해 단일 일시 중지없이 마무리 시작. 이것은 많은 황동 선수를위한 기본 모드이며, 그것은 예측 가능한 결과를 생산합니다. 기술적인 적절 한 재생을 통해 관객을 제거 할 수 있습니다. 문제는 기술적인 드릴이 쓸모 없습니다. 문제는 그들이 음악의 시간을 할 수 있는지, 그리고 음악의 발달을 원하는 것은 어떤 음악의 시간을 할 수 있는지.

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기술 훈련의 역할 이해

기술적인 드릴은 황동 선수의 발달의 백본을 형성합니다. 그들은 embouchure 통제, 숨 지원, 손가락 속도 및 articulation 명확성 같이 특정 기술을 표합니다. 긴 톤과 같은 운동, 가늠자 본, 입술 slurs 및 Tonguing 교련은 다만 온열한 놀이가 건축하는 원료입니다. 이 기초를 마스터해서 당신은 해석과 정서적 납품을 위해 자유롭고, 정신 대역폭을 떠나는 복잡한 통행을 실행할 수 있습니다.

그러나 기술적인 연습은 의도적이어야 합니다. Mindless 반복은 entrench 나쁜 습관을 할 수 있습니다. 대신, 집중된 주의를 가진 각 교련에 접근하십시오: 회의를 위한 명확한 목표를 놓고, 당신의 건강한 질을 감시하고, 점차적으로 증가하는 어려움을 감시하십시오. 이것은 deliberate 연습 ]의 본질입니다 - 기술 취득 연구에서 널리 공부하는 개념. 금관 악기 선수를 위해, 이것은 당신이 놀이를 통해, 오히려 단순히 본을 통해서 달리는 모든 주의를 기울입니다. 믿을 수 있는 학문을 위한 가동 가능한 학문을 위한 노동법에.

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팸플릿 기술의 위험

기술이 유일한 초점이 될 때, 당신의 연주는 기계화를 돌릴 수 있습니다. 당신은 모든 주를 명중할지도 모르지만 소통하지 못합니다. 청중은 정확도를 듣고 그러나 아무것도 느끼지 않습니다. 많은 황동 선수는 초기 년 동안이 함정으로 떨어지고, 스케일과 arpeggios의 시간을 음악으로 모양을하는 방법을 묻는 것을 요구하지 않고. 결과는 paradox입니다: 당신이 더 기술적으로 안전하, 당신이 예술적인 측을 무시할 수 있는 경우에 당신의 연주는 소리를 소리할 수 있습니다. 이것은 왜 균형이 시작에서 근본적입니다.

다른 위험은 ]음악 emptiness]에 의한 기술적인 플래너우입니다. 훈련을 할 때 뇌는 순수하게 기계 작업으로 분류합니다. 몇 달 동안 기술 및 표현이 다른 구획에서 살고있는 정신 분리를 만들 수 있습니다. 그런 다음 표현으로 재생하려고하면 기술 습관이 음악 의도에서 분리됩니다. 당신은 인공 vibrato 또는 강제로 또는 무력으로 인해 악화 된 소리를 제거하여 과실을 제거 할 수 있습니다. 그러나 기술적인 문제의 첫 번째 변화는 음악 의도에서 매우 밝기 때문에 매우 동적인 문제의 원인이 될 것입니다.

왜 연습의 음악적 인 매트

음악은 성능의 영혼입니다. 그것은 phrasing, 동적 nuance, vibrato, articulation 다양하고, 라인 호흡을 만드는 미묘한 타이밍을 우회합니다. 그것없이 성능은 단순히 일련의 정확한 노트입니다. 음악은 예술에 기술을 변형시키는 것은 청취가 느슨한 느낌, 감정을 기억하고 순간을 기억합니다.

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지난 몇 년 동안 시카고 심포니의 위대한 황동 선수가 자신의 기술에 접근하는 방법을 고려하십시오. Adolph Herseth, 5 년 이상 시카고 심포니의 주 trumpet은 정적 지구력 운동으로 오랫동안 선행을 전술하기 위해 알려져 있었지만 그가 "소리의 중심"이라는 것을 거부 할 기회로 모든 지속되는 메모를 처리했습니다. 그는 모든 지속주의를 기울이는 기회를 갖게했습니다. 이 마음은 기술 및 예술가 사이의 차이입니다.

Active Listening의 역할

음악을 개발하려면 활성 청취자가되어야합니다. 이것은 당신이 오른쪽 메모를 명중하는지 여부를 듣고하지 않는 것처럼 의식적으로 자신의 소리를 분석하지만 음색, 화색, 향신료, 감정적 인 충격을 평가합니다. 자신을 기록하는 것은 가장 강력한 도구 중 하나입니다. 통과를 재생하고 물어주세요 : [FLT : 0]이 문구 노래를하는 것은?[FLT : 1] [[FLT : 2] [[FLT :]] [FLT :]] [FLT :]] [FLT :]] [FLT :]]] [FLT :]] [FLT :]] [FLT :]]] [FLT :]]] [FLT :]]] [FLT :]]] [FLT :]] [FLT :] [FLT :] [F]]]] [[FLT :]]]] [FLT :] [[FLT :]] [[FLT :]]]]]] [[FLT :]]]]]] [[FLT :]]]]]]]]]]] [[FLT :]]]

특정 기술은 comparative recording입니다. 레퍼토리에서 짧은 구문을 기록한 후, 즉시 동일한 구문의 전문 녹음을 자극하려고 합니다. 2를 비교하면 됩니다. 타이밍, 동적 쉐이핑, 그리고 재생을 통해 거의 불가능한 예술적 시뮬레이션에 차이를 알 수 있습니다. 당신의 의도와 실행 사이의 간격은 어디의 성장이 일어나는 것입니다. 구문에 의해 격차가 닫고, 당신의 음악은 어떤 추상적인 운동보다 더 빨리 발전할 것입니다.

기술적인 훈련 및 음악을 균형 잡히는 전략

통합 기술 및 뮤지컬은 연습 루틴의 완전한 오버 해를 요구하지 않습니다. 그것은 마음 세트와 습관에 작은 교대로 시작합니다. 아래는 다른 황동 악기에 맞게 할 수있는 전략을 확장하고, 트럼펫, 경적, trombone 및 관련있는 tuba에 대한 특정 예와 함께.

1. 음악 긴 톤으로 데우십시오

긴 톤은 황동 워밍업의 표준이지만, 그들은 거의 모든 뮤지컬을 처리하고 있습니다. 단순히 설정 기간 동안주의를 유지하고 동적 윤곽을 실험합니다. pianissimo를 시작, 크레센도에서 fortissimo, 그 후 decrescendo 뒤로. 음색을 변경하십시오 : 밝은, 집중 사운드를 시도하고, 어두운, 한 번 덮여. 다른 속도로 vibrato를 추가하십시오. 미니 음 연구로 긴 톤을 돌리면 호흡과 공적 유연성을 모두 개발합니다.

trumpet 플레이어의 경우, 중간 G에서 이것을 시도하고 높은 C에서, 등록을 위한 embouchure 조정이 동적을 형성하기 위하여 당신의 능력에 영향을 미치는지 주목합니다. 경적 선수를 위해, 긴 톤은 특히 톤 색깔에 있는 손 정지 변화 연습을 위해 효과적입니다. trombonists를 위해, 각 활주 위치에 긴 톤은 계기의 자연적으로 조차 응답의 맞은 응답을 건설하는 것을 돕습니다. tuba 선수를 위해, 호흡 관리에 초점: 계기가 더 큰, 그것에게 동역학적인 변화를 통해서 더 긴 톤은 변화합니다.

2. 모양 가늠자 및 Melodies 같이 Arpeggios

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3. 기술 및 Repertoire 세그먼트를 대체

순수한 기술 및 적용 음악 사이 균형 잡힌 연습 세션 플립. 예를 들어, 부드러운 전환에 초점을 맞추고 10 분 후에, 현재 조각에서 표현식 lyrical 구절에 10 분을 보냅니다. 대조는 당신의 두뇌를 참여하고 퇴색하기 위해 모노토니를 방지합니다. 또한 드릴과 예술 사이의 연결을 강화합니다. 립 슬러가 혼자서 빠른 통행에 필요한 유연성을 알려줍니다.

하나의 효과적인 구조는 sandwich method: 특정 약점을 대상으로 한 기술적인 드릴을 시작 (예를 들어, 상단 레지스터의 슬러프 간격), 다음 동일한 기술을 사용하는 레퍼토리의 조각을 재생, 그 다음 음악적으로 적용하는 방법을 신선한 인식과 드릴로 돌아. 이 드릴의 반복은 기술 컨텍스트를 유지 때문에 학습을 가속화합니다.

4. 모형으로 기록 사용하기

전문 황동 선수는 이미 많은 음악과 기술적인 도전을 해결했습니다. 같은 조각의 여러 녹음에 대해 들어보십시오. 다른 예술가가 동일한 라인을 구하는 방법을 알려줍니다. 숨어있는 곳, 그들은 역동적 인 방법, 그리고 그들은 vibrato를 사용하는 방법. 연습에서 이러한 선택을 침략하려고 노력하지 않고 내부화 [FLT : 0]] 가능성의 범위 [[FLT : 1)]. 이 운동은 음악 어휘를 날카롭게하고 자신의 목소리를 개발하는 데 도움이됩니다.

젊은 선수를 위해 도움이되는 접근법은 ]call-and-response with records]입니다. 녹음에서 구문을 재생 (그것을 명확하게 듣는 헤드폰), 녹음을 일시 중지하고, 그 후 자신을 구문하고, phrasing, dynamics, 타이밍과 일치하려고합니다. 이 다섯 번의 단일 구문을 반복하십시오. 이 연습의 주 후에, 당신의 귀는 이전에 당신이 인식하고, 인식을 시작하고, 인식을 시작하도록 훈련됩니다.

5. 각 세그먼트를 위한 특정한 목표

Vague 연습은 vague 진행 상황을 주도합니다. "기술에서 일"을 결정하십시오. "다음 15 분 동안 나는 분기 메모 = 120에서 내 이중 톤의 선명도를 개선합니다." 그런 다음 기술 블록 후, 뮤지컬 목표를 설정하십시오. "다음 15 분 동안 나는 세 가지 동적 수준과 명확한 크리센도가 높은 노트로 나트의 B 섹션을 형성합니다." 특정 목표는 당신이 회계를 유지하고 개선을 쉽게 만들 수 있도록합니다.

유용한 프레임 워크는 ]SMART 목표에 대한 연습: 특정 ( 정확히 당신이 향상 될 것입니까?), Measurable (당신은 그것을 향상 시킬 것입니까?), Achievable (템포 또는 범위 현실적입니까?), 관련 (이 당신의 repertoire에 연결합니까?), 및 타임-바운드 (몇 분은 당신이 소비 할 것입니까?). 각 소요 세그먼트 초심자 전에 스마트 목표를 아래로 작성하지만 극적으로 초점이 증가합니다.

6. 기록과 사려깊게

녹음은 황동 선수의 거울입니다. 주간 같은 짧은 패스의 녹음은 시간이 지남에 따라 변경 사항을 추적 할 수 있습니다. 기술 정확도와 음악 표현을 모두 들어보십시오. 자신에게 : 거짓말을 정확하게? 자연스럽게 숨기는 것은? 음악 문자를 지원하는 내 예술적? 다음에 초점을 결정하는 이러한 반사를 사용합니다. 달에,이 습관은 몇 음악가가가가없이 개발 자체 인식을 구축합니다.

이 습관 스틱을 만들기 위해, 하나의 etude 또는 발췌를 선택하고 매월 매주 일요일을 기록하십시오. 그 날에서 솔직히 연주를 하면서 다시 기록하지 마십시오. 다시 한번 듣고, 3 가지를 개선하고, 기록을 파일하십시오. 4 주 후에, 순서에 4 개의 모든 기록을 듣습니다. 진행이 눈에 보일 것이며, 더 중요하게, 당신은 가장 개선 된 전략을 생산하는 것을 볼 수 있습니다. 연습에 대한이 데이터 중심 접근은 모든 분야에서 최고 실행자가 사용됩니다.

7. 정신과 시각화

정신적 실천은 황동 선수를위한 가장 언더 틸트 도구 중 하나입니다. 완벽한 기술과 표현식 피라싱으로 패스를 시각화 할 때 신체적 연습으로 동일한 신경 통로를 활성화합니다. 이것은 특히 정신적으로 반복 된 높은 노트 또는 빠른 구절의 물리적 긴장없이 구문의 느낌을 다시 할 수 있기 때문에 기술 및 음악에 대한 유용한 것입니다.

각 연습 세션이 따뜻하게 시각화되기 전에 5 분을 지출하십시오. 전체의 감각을 상상하고, 지원 숨을 지원했습니다. 첫 번째 메모를 형성하는 당신의 embouchure를 그림하십시오. 원하는 정확한 음색으로 당신의 마음을 소리를 깎아줍니다. 그런 다음 악기를 선택하고 정신적 소리와 일치하려고합니다. 이 전 연습 시각화는 집중된 일을 위한 신경계 시스템을 뇌하게하고 하나의 메모를 재생하기 전에 음악 표준을 설정합니다.

8. 계기 특정 고려

균형의 원리는 모든 황동 악기에 적용하는 동안, 각 계기는 꼬리 접근을 요구하는 유일한 도전이 있습니다:

Trumpet: 상단의 등록은 기술이 뮤지컬을 압도하는 곳이다. 높은 통과를 연습할 때, 피치를 강제로보다는 음질을 유지에 초점을 맞추고 있다. 의 일반적인 운동은 유명한 오케스트라 발췌에서 높은 입구를 재생하는 것입니다 (Maler 5 또는 Petrouchka의 오프닝) pianissimo 모양과 같은 해부학.
프랑스 Horn: Horn players face unique challenge with hand position, transposition, and instrument's natural 추세 tone. 연습 규모와 의도적인 손 정지 변화와 동적 형성. 조화 시리즈 전반에 걸쳐 톤 색상을 작업-우리의 기술 기술 기술 기술 기술 기술 기술 기술 기술 기술에 대한 음악을 자극하는 폭풍이나 비토벤에서 통행.
Trombone:[ 슬라이드 정확도는 지배적인 기술적인 도전이며, 쉽게 연습 시간을 할 수 있습니다. 뮤지컬을 통합하기 위해, 드론 피치 아래에서 슬라이드 기술 운동을 연습하십시오. 이 힘은 당신이 도착하기 전에 표적주의를 듣고, 동시에 포화와 피라싱 인식을 구축 할 수 있습니다. 또한 최소한의 슬라이드 소음을 가진 레다토 구문을 연습하고, 기계 이동보다 오히려 음악 연결으로 각 glissando를 치료합니다.
Tuba:Tuba의 대형 사이즈는 중앙 기술 기술을 관리합니다. 제어를 구축하기 위해 극한의 역동적 범위 (ppp to fff)와 긴 톤을 연습하십시오. 뮤지컬을 위해, 낮은 구문 방향에 초점 - Many tuba 선수는 저음 선을 만드는 피치와 역동적의 상승과 가을을 강조합니다. 낮은 악기에 melodicing의 모델에 대한 큰 재즈베이스를 들어보십시오.

Deeper 샘플 연습 루틴

아래는 90 분 연습 루틴이 확장되어 뮤지컬과 기술적인 드릴을 체계적으로 혼합합니다. 자신의 필요와 유효한 일정을 기준으로 시간을 조정하십시오. 당신은 각 세그먼트를 단축해서 60 분으로 압축하거나, 두 번째 레퍼토리 블록을 추가해서 120 분으로 확장할 수 있습니다.

Warm-Up (10 분): 기기에서 느리고 깊은 숨을 쉴 수 있는 시작 (4 개를 들어, 8 대 exhale 4를 붙들). 그런 다음 편안한 노트에 긴 톤을 수행 (예: , trumpet에 중간 C, 뿔에 Bb, trombone에 Bb). 느린 tempo에서 8 개 카운트에 대한 각 메모를 재생, 각 단계별의 속도에 대한 역학을 조정하는 것은 자연적인 감각을 갖는 것입니다.
Flexibility Drills (10 분): 립 슬러브 또는 밸브 슬러브를 타겟팅 부드러운 전환. 저스트로움으로 재생, 천천히 시작, 그리고 점차적으로 증가. 심지어 여기, 운동을 형성: 더 높은 노트에 약간의 크레센도를 추가하고 하향에 디미누엔도. trombonists에 대 한, 트라파돈 피치와 슬라이드 위치에 걸쳐 레토 슬러브 연습. 엄밀한 스릴 넘치는 플레이어를 통해 각 시리즈의 뿔 시리즈를 통해 뿔 시리즈의 뿔 시리즈를 통해.
Scale와 Arpeggio Work (15 분):] 다양한 예술 패턴 (예: Legato, staccato, 2 slurred/two Tiltd)와 함께 하나의 주요 및 하나 미성년자 스케일을 재생합니다. 그런 다음 음악 파편을 적용하십시오. 명확하게 climax와 멜로디로 바꾸십시오. 자신을 기록하고 조정하십시오. 다음, 각 스케일의 arpeggio를 끊긴 chord, 기술적인 패턴 내에서. 이 패턴의 조합은 기술적인 패턴을 형성합니다.
Technical Focus Block (15 분): 특정 도전에 집중 (예를들면, 간격이 급성장, 높은 등록). 방법 책 (Arban, Schlossberg, Kopprasch, Rochut)에서 패턴을 사용하지만 마음에서 음악 의도를 유지. 예를 들어, trumpet에 간격이 떨어질 때, 각 간격을 미니 구문으로 형성합니다. trombon의 변화에 대한 빠른 연결은, 턴키와 함께 턴키를 통해, 턴키를 통해 턴키를 통해 턴키를 확립하는 것이 중요합니다.
Lyrical Repertoire (20 분): 느슨한 조각 또는 에메랄드를 선택하십시오. 혼자서 10 분을 붓는다: 숨, 역동적, 각 구문의 방향을 표시하십시오. 연필을 사용하여 직원을 통해 구문 아크를 그리십시오. 그런 다음 10 분을 통해 재생하고, 감정적인 내용을 전달하는 것을 목표로합니다. 기록과 비교. 당신이 기계 연주에 직접 돌아보고, 중지하고 물어 : "이 질문에 대한 답변은 계속됩니다."
Repertoire (10 분)의 기술적인 도전:] 당신의 현재 조각에서 빠르고 기술적으로 수요가 많은 통행을 선택합니다. 본 (규격, arpeggios, 간격)을 분석하고 리듬과 변이를 사용하여 천천히 교련하십시오. 점차적으로 tempo에 가져가면 항상 음질을 모니터링합니다. loop drill: 4번의 반복 문제, 4번의 반복 문제, 4번의 반복 문제, 4번의 반복 문제, 4번의 반복 문제.
Cool-Down and Creative Play (5 분):] 부드러운 긴 톤에 낮은 노트, 휴식과 표현 톤. 그런 다음 간단한 chord 진행 (예를 들어, 12-bar 파란색 또는 기본 ii-V-I 패턴)을 통해 개선, 음악을 만들기에 순수하게 초점을 맞추는 기술적인 우려의 이동을하자. 이 최종 세그먼트는 당신이 처음에 황동을 재생하는 이유를 상기시킵니다: 사운드의 즐거움을 만들기 위해.

일반적인 Pitfalls 및 Them을 방지하는 방법

최고의 의도와 균형은 유창할 수 있습니다. 여기에 종종 실수와 표면 수준의 조언 넘어가는 솔루션입니다.

Pitfall: 실수를 두려워하는 기술적인 드릴에 너무 많은 시간을 구부리고.] 해결책: 각 세그먼트에 대한 엄격한 타이머를 설정합니다. 타이머가 종료되면, 당신이 "마스터"를 드릴하지 않는 경우 심지어 음악 작업에 이동. 진행은 누적이다. 불완전의 두려움은 음악의 적이다. 그 기술을 천천히 개발하고 그 음악 연습은 또한 기술을 구축.
Pitfall: Ignoring technology because you want to "just play music."] 해결책: 기술이 음악 자유를 가능하게 하는 인식. 기본 연습의 적어도 30%를 지출. 그들 없이, 음악 아이디어는 정확하게 깨달을 수 없습니다. 이 방법의 생각: 당신의 손가락이 아름다운 구문 동안 stumble, 표현적인 무결성 붕괴. 깨끗한 기술은 음악의 종, 적 적.
Pitfall: 이미 잘 재생하는 유일한 통행.] 해결책: 약점을 표적으로 하는 결정. 상부 등록에 있는 화가가 문제점인 경우에, 주소가 짧은 교련을 창조하고, 또한 음악으로 등록하는 도전하는 etudes를 연습합니다. 당신의 연습 저널에 있는 "경찰 목록"을 지키고 주간을 통해 자전하십시오. 이것은 당신이 유지하지 않는 항상 성장하고, 유지하고 있습니다.
Pitfall: 자신을 녹음하기 위해 중요한 것을 듣지 않습니다.] 해결책: 연습의 비 협상 가능한 부분을 기록하십시오. 간단한 앱 또는 레코더를 사용하십시오. 체크리스트와 다시 듣기: 기술, 뮤지컬, 음색, 리듬. 더 나은: 그것을 무결하지 않고 연습 세션을 기록하십시오. 나중에 그리고 메모 순간을 듣는 것은 autopilot로 움직입니다. 인식은 첫 단계로 바뀌는 것입니다.
Pitfall: 각 드릴에 대한 metronome에 지나치게.] 해결책: metronome는 리듬 정밀도를 위한 공구입니다, 그러나 그것은 도래로 이용된 경우에 phrasing를 죽이는 수 있습니다. 시간의 metronome 없이 연습, 자연적인 ebb에 집중하고 음악 시간의 교류. 다음 당신의 루토가 의도적 또는 긍정적 인 경우에 보게 metronome에 대하여 자신을 검사하십시오. 이 둘 다 균형과 균형 둘 다.
Pitfall: 흥행하기 전에 정신과 신체의 따뜻함을 강조합니다. 해결책: 5 분을 깊이 숨기고 어깨, 목, 그리고 턱을 펴고 악기를 터치하기 전에. 센스 재생은 긴장 소리를 생성합니다. 이완된 몸은 기술적인 용이성과 음악 표현 모두를 위한 기초입니다.

퇴직 및 퇴출 방지

숙련된 드릴과 뮤지컬은 장기적인 여행입니다. 동기를 유지하려면, 당신의 연습을 다양하고 음악 목표에 연결하십시오. 클리너 더블 퉁우 또는 더 표현적인 구문과 같은 작은 승리를 축하하십시오. 목표 피드백을 제공 할 수있는 교사와 함께 일하고 불균형을 돕습니다. 동료와 연습 : duets, 챔버 음악, 또는 임의 세션은 실시간 음악과 함께 듣고 적응하고 혼합 기술을 배우게됩니다.

또 다른 강력한 동기 부여자는 성능 중심의 연습입니다. 일주일에 한 번, 당신의 재퍼토리의 한 실행을 "mock performance"로 지정합니다. 실수를 고치지 않고, 실수를 고치지 않고, 상상력 관객에게 기념하는 의도를 사용하여 재생합니다. 이 드릴 모드를 밖으로 뇌를 이동하고 성능 모드로, 기술이 궁극적으로 통신의 서비스에 있습니다. 다음 주에 대한 작업이 시작되면, 그 다음 주에 대한 작업이 중단되고 그 순간의 순간을 위해 어떤 작업을 수행 할 수 있는지.

마지막으로, 가능한 한 종종 황동을 살고 자신을 노출. 관현악 콘서트, 재즈 클럽, 황동 합창 공연, 또는 마스터 클래스. 멋진 음악가 균형 기술보고 실제 시간에 표현은 가능한 가장 효과적인 방법 중 하나입니다. 당신은 영감을 남겨두고 당신이 좋아하는 소리로 자신의 연주를 원하는 것을 명확하게 감각.

Deeper Learning에 대한 외부 리소스

드릴과 뮤지컬의 균형을 더욱 개선하려면, 이러한 리소스를 탐구:

알파니티: Deliberate Practice에서 더 나은 얻는 방법 - 집중된 연습 뒤에 과학을 설명하고 당신의 악기에 적용하는 방법. 이 문서는 기술 취득에 있는 피드백 루프의 간격 효과, interleaving 및 중요성을 다룹니다.
기술 개발의 음악의 역할: 연구 개요 – 기술적인 드릴로 음악 목표를 통합하는 방법에 대한 학문적인 관점은 학습을 가속화합니다 (JSTOR를 통해 사용 가능).
IYER Music: Musical Phrasing Basics] – 동적과 nuance로 구문을 형성하는 가이드, 모든 바람 악기에 적용 가능한 예.
국제 Trumpet Guild YouTube Channel – 세계 수준의 trumpet 플레이어의 마스터 클래스와 성능을 제공하며, 실제 레퍼토리의 기술 및 뮤지컬의 통합을 민주화합니다.
Horn Matters – 연습 전략, embouchure 기계, 음악 해석에 대한 기사와 뿔 플레이어의 종합 자원.
Trombone.org – 연습 방법, 장비 및 음악 개발과 함께 커뮤니티 자원.

최종 사고

여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 를 진심으로 환영합니다. 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 진심으로 감사드립니다. 저희 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 진심으로 감사드립니다. 저희 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 여러분의 진심으로 감사드립니다.

이 여행은 법을 제거하거나 독점적으로 음악 영감에 대한 것입니다. 그것은 당신이 더 이상 다른 생각으로 생각하지 않는 그들에 대해 통합하는 것입니다. 당신이 그 단계를 도달 할 때, 모든 노트는 의도의 무게와 마스터의 자유를 운반합니다. 즉, 그것은 무엇 놋쇠 선수를 음악으로 만드는 것입니다. 그리고 모든 사람이 훈련과 심장으로 연습 할 수 있습니다.