Perché collaborare con Composers Matters per i Giocatori d'ottone

Per i musicisti di ottone, il canone del repertorio standard è relativamente piccolo rispetto alle corde o al pianoforte. Mentre le opere di Hindemith, gli Eccessi di Orchestra di Wagner e Strauss, e brani solisti di Eugène Bozza e Paul Hindemith fanno parte della colonna portante in ottone, il repertorio contemporaneo è ancora in fase di scrittura.

Quando si è seduti in una stanza con un compositore, discutendo perché una certa articolazione funziona o perché un passaggio si sente imbarazzante, si sviluppa una comprensione più profonda di come funzioni di scrittura in ottone. Questa conoscenza trasferisce direttamente a come interpretare le opere standard.

Avvio della conversazione: Trovare Compositori con cui lavorare

Molti musicisti di ottoni ritengono che commissionare un nuovo pezzo sia solo per solisti di alto profilo con fondi. In realtà esistono opportunità a ogni livello. I compositori di studenti a conservatori e università sono spesso desiderosi di scrivere per strumenti di ottone, soprattutto se non hanno lavorato con uno prima. Collettivi di compositori locali, organizzazioni come il New Music USA touch groups] network contemporaneo touch groups]

Quando si avvicina a un compositore, sii chiaro su ciò che si sta offrendo. Stai cercando una breve etude per migliorare le proprie abilità, un pezzo per un recital, o un concerto completo per le prestazioni con un ensemble? Composers apprezzare specificità perché li aiuta a capire la portata del progetto. Menzione vostro strumento, il vostro livello di abilità approssimativa, e qualsiasi preferenze stilistiche avete. Se siete un lettore avanzato che gode di buone sfide tecniche, dire così.

Le prime fasi: costruire un brief creativo

Una volta trovato un compositore e accettato di lavorare insieme, il passo successivo è quello di creare un breve creativo. Questo documento non deve essere formale o lungo, ma deve delineare i parametri del pezzo.

  • Instrumentazione:[] Specificare se il pezzo è solo, duetto o per ensemble di ottone. Se è con pianoforte, considerare se la parte del piano deve essere ridotta per scopi di prova.
  • Durata:[] Una lunghezza chiara di destinazione aiuta la struttura del compositore. Se avete bisogno di un pezzo di cinque minuti per una competizione, diciamo così. Se state costruendo un programma di recital completo, potreste desiderare qualcosa nella gamma 10-15 minuti.
  • Stile e influenze:[] Fornire esempi di pezzi che si ammirano. Condividi registrazioni di opere in ottone che si amano, o descrivere la qualità emotiva che si sta cercando –lyrical, drammatico, giocoso, meditativo.
  • Considerazioni tecniche:[] Siate onesti circa i vostri limiti. Se siete a disagio con il registro altissimo, ditelo in anticipo. Se non avete mai eseguito multifonici, vi ricordiamo che siete disposti a imparare ma avete bisogno di tempo.
  • Deadlines and budget:[ Per collaborazioni professionali, concordare su una linea temporale che include bozze di presentazione, periodi di revisione e la data finale di esecuzione. Se il compositore addebita una commissione, stabilirsi che prima che siano scritte note.

Creare un breve non soffoca la creatività – fornisce un contenitore all'interno del quale il compositore può lavorare liberamente. Avere guardrails significa meno sprechi di sforzi e un pezzo che si adatta alle vostre esigenze.

Immersione profonda in Notazione e Studio Score

Non aspettare una versione finale lucida. Vedendo il pezzo in corso, ti permette di offrire feedback quando è più facile da incorporare. Quando si guarda prima a un progetto, concentrati sul grande quadro piuttosto che piccoli dettagli. Chiediti: La forma generale ha senso? Le sezioni bilanciate? Il pezzo ha un chiaro arco emotivo?

I compositori contemporanei usano a volte simboli non convenzionali che non fanno parte della letteratura standard in ottone. Ad esempio, si potrebbe vedere una notazione per "rip" (una diapositiva veloce e non accoppiata), "smear" (un glissando semivalvola), o "doit" (una nota che si piega verso l'alto alla fine). Se si è sicuri di cosa significhi un simbolo, chiedere.

Inoltre, controlla la coerenza. Il compositore usa segni di frequenza per indicare un leggero accento o una durata completa? I trilli sono contrassegnati con gli accidentali? Queste sottigliezze si contano in prestazioni e devono essere standardizzati prima dell'incisione finale.

Lavorare attraverso sfide tecniche insieme

Una comune insidie nelle collaborazioni tra compositore e compositore è che il compositore scrive qualcosa che sembra bene sulla pagina ma non è pratico da giocare. Gli strumenti in ottone hanno esigenze fisiche uniche: fatica del labbro, gestione del flusso d'aria, e la realtà meccanica delle valvole e delle diapositive. Una linea che si muove in movimento passo potrebbe essere semplice, ma una serie di ampi salti nel registro superiore può essere esaurimento.

Registrazione e resistenza

Se il pezzo mette passaggi estesi nell'alto registro, soprattutto per tromba o corno, discutere come gestire la fatica. Suggerisci di rompere la linea con i riposa, o spostando alcuni passaggi giù un'ottava con un'istruzione per giocare "col 8va" quando l'energia permette.

Articulazioni rapide e lavoro di valvola

Gli strumenti in ottone non sono piani, ma le note ripetute richiedono articolazioni che possono essere tassate sulla lingua. Per i passaggi segnati staccato a un ritmo molto veloce, si prega di chiedere al compositore di scrivere gruppi snelle o di ridurre il numero di note ripetute. Allo stesso modo, i passaggi che richiedono cambi di valvola costanti, in particolare sul corno francese (dove i parziali sono più vicini insieme ad alti campi), possono causare screpolature o note mancate.

Tecnica di scorrimento sul Trombone

Per i trombonisti, i cambiamenti di posizione sono un fattore importante. Una linea che salta da prima a settima posizione e di nuovo a un ritmo rapido è raramente affidabile. Il compositore non può rendersi conto di questo. Mostra loro le posizioni di scorrimento e suggerisce modifiche -forse spostando una nota a una posizione alternativa o riscrivendo la linea per rimanere all'interno di una gamma di di diapositivi più piccola.

Estendere la Palette d'ottone: Tecniche Estese

La scrittura moderna in ottone incorpora spesso tecniche estese. Mentre alcuni giocatori evitano questi metodi, possono essere incredibilmente espressivi quando usati bene. Le tecniche estese comuni includono multifonici (che si cantano durante la riproduzione per produrre accordi), flauto tonguing, growling, effetti a metà valvole, clic chiave, suoni d'aria e curve di pitch. Se il compositore vuole includerli, il vostro lavoro è quello di guidarli verso ciò che è pratico ed efficace.

Dimostrare le tecniche

Non aspettatevi che un compositore sappia come la multifonia lavori su una tromba contro una trombona.Spiegare il livello di difficoltà: il tonguing del flauto è relativamente facile a dinamiche moderate, ma diventa impegnativo a estremi molto morbidi o molto rumorosi. I quarti sono possibili sulla maggior parte degli strumenti in ottone ma richiedono un'attenta formazione dell'orecchio e non possono essere perfettamente coerenti in tutti i registri.

Notazione standard

Per esempio, la multifonia può essere notata con una testa di nota a forma di diamante per il campo di canna, o con uno staff separato. Il tonguing Flutter è generalmente indicato con tre colpi attraverso il fusto o un segno "flt z". Lavorare con il compositore per adottare simboli standard in modo che i futuri interpreti possano leggere il pezzo senza un glossario.

Le prove che costruiscono il pezzo

Le prove durante il processo di composizione sono fondamentalmente diverse dalle prove per un pezzo esistente. Non esiste una versione "corretta": si sta co-creando il prodotto finale.

Il primo libro di lettura

Quando si legge un progetto, non si preoccupi della perfezione. L'obiettivo è quello di sentire come suona il brano in tempo reale. Registrare la sessione e segnare il punteggio con commenti dopo. Nota dove si è lottato, dove il flusso musicale è stato interrotto, e dove si sentiva il problema è venuto in vita. Condividi queste osservazioni con il compositore, ma evitare di essere eccessivamente critico.

Raffinazione iterativa

Sii paziente. Alcuni dei migliori pezzi passano attraverso cinque o sei bozze prima che si sentano a posto. Durante questo processo, mantenere l'umore collaborativo e positivo. Complimenti che funziona. Se un passaggio si sente particolarmente idiomatico o bello, dire così. Questo incoraggiamento alimenta la motivazione del compositore.

Registrazione dell'evoluzione

Documenta la tua collaborazione mantenendo le registrazioni di ogni bozza, che sono preziose per il portafoglio del compositore, ma servono anche come un record dell'evoluzione del pezzo. Se mai dai masterclass o insegni il pezzo, puoi condividere il processo con gli studenti, mostrando come una composizione cresce attraverso la collaborazione.

Prepararsi per la Premiere e l'Aldilà

La prima è il culmine pubblico della vostra collaborazione, ma non dovrebbe essere la fine. Utilizzare la prima come occasione per costruire slancio per il pezzo. Scrivere note programma che raccontano la storia della collaborazione - le autentiche amano sentire parlare del processo creativo.

Registrazione e promozione

Per la longevità del pezzo è essenziale una registrazione di alta qualità, che permette al compositore di presentare il lavoro a concorsi, festival e editori. Inoltre permette ad altri lettori di ottoni di ascoltare il pezzo e considerarlo per i propri repertorio. Se è possibile, fare una registrazione professionale in studio. Se non è possibile, una registrazione live ben prodotta dalla prima può essere ancora utile.

Insegnamento e Performazione

Una volta pubblicato il pezzo, insegnatelo ai vostri studenti. Includetelo in recitals, programmi di audizione e masterclass. Più un pezzo viene eseguito, più probabilmente è quello di diventare parte del repertorio standard. Si potrebbe anche scrivere un'edizione con dita, posizioni diapositiva e punti di respirazione, rendendo più facile per i futuri interpreti. Questo contributo diventa parte della vostra eredità come collaboratore.

Se il primo pezzo ha avuto successo, discutere di scrivere un follow-up. La costruzione di un rapporto a lungo termine con un compositore permette di sviluppare un corpo di lavoro che è unico per la vostra voce. Pensate ai compositori come colleghi, non solo ai fornitori di servizi. Le migliori relazioni musicali sono amicizie, costruite sul rispetto reciproco e un amore condiviso per la forma d'arte.

Consigli pratici per diversi strumenti in ottone

Mentre molti dei principi sopra si applicano in generale, ogni strumento in ottone ha considerazioni uniche che meritano attenzione.

Tromba

Il suono luminoso e piercing della tromba lo rende ideale per linee melodiche e fanfare, ma espone anche problemi di intonatura e articolazione. I compositori spesso scrivono per tromba nell'alto registro, non rendendosi conto che il lungo gioco sopra l'alto C può causare fatica e rischio di lesioni. Incoraggia il compositore a scrivere con varietà - alternando alti passaggi con tasti di materiale più basso e sostenuto.

Corno francese

Il clacson è noto per la sua intonazione imprevedibile e la difficoltà di suonare le note fermate. I compositori possono scrivere passaggi di corno fermati senza capire che abbassano drasticamente il campo e richiedono diverse ditatture. Se il pezzo usa il corno fermato, assicurarsi che il compositore scriva le vere altezze di suono o fornisce un grafico di diteggiatura. Il posizionamento della mano del corno influisce anche sul colore del tono; chiedere al compositore di notare il buio quando la mano per essere posizionatore in un suono più in avanti.

Trombone

La scrittura trombone coinvolge posizioni di scorrimento, meno intuitive delle valvole. I grandi salti che richiedono cambiamenti di posizione rapidi possono essere inaffidabili, soprattutto nel registro inferiore. I compositori a volte scrivono glissandi senza rendersi conto che un vero glissando è possibile solo tra posizioni adiacenti. Clarify la differenza tra un glissando (che si muove tra posizioni) e un portamento (che piega passo all'interno di una posizione).

Tuba

La gamma di tuba si estende nel registro dei pedali, che richiede un supporto aereo massiccio. I pedali lunghi e sostenuti sono estenuanti e dovrebbero essere intervallati da interruzioni di respirazione. I compositori spesso scrivono parti di tuba che sono ritmicamente semplici, ma lo strumento è capace di linee agili e virtuosistiche. Se sei un giocatore avanzato, spingono il compositore a scrivere materiale tecnicamente esigente.

Per tutti gli strumenti in ottone, ricordate che l'acustica è importante. Un pezzo perfetto in una sala pratica può essere completamente diverso in una sala da concerto. Se possibile, programmare una prova nel luogo di performance prima della prima per controllare l'equilibrio e la proiezione.

Pensieri finali: I premi della Co-Creazione

Collaborare con i compositori è una delle esperienze più soddisfacenti che un lettore di ottone può perseguire, spingendosi a crescere tecnicamente, musicalmente e interpretativamente.

Tratta ogni collaborazione come opportunità di apprendimento. Anche se il pezzo non diventa mai uno standard, il processo ti farà un musicista migliore. Imparerai a comunicare più efficacemente, ascoltare più attentamente e fidarti del tuo istinto. Le relazioni che costruirai con i compositori arricchiranno la tua carriera per anni a venire.

Quindi, prendi il tuo strumento, trova un compositore che ti eccita e inizia una conversazione. Il prossimo grande lavoro in ottone potrebbe essere in attesa di essere scritto, con te come primo interprete.