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क्यों अधिकांश ब्रास खिलाड़ी बैलेंस Wrong प्राप्त करते हैं

किसी भी अभ्यास कक्ष में एक संगीत स्कूल में चलें और आप एक पूर्वानुमान पैटर्न सुनेंगे: पूर्ण मात्रा में तराजू, होंठ स्लर्स ने यंत्रवत् दोहराया, और उसी तकनीकी etude ने वाक्यांशों पर विचार करने के लिए एक एकल रोकें के बिना खत्म करना शुरू किया। यह कई पीतल के खिलाड़ियों के लिए डिफ़ॉल्ट मोड है, और यह एक पूर्वानुमान परिणाम पैदा करता है - तकनीकी रूप से पर्याप्त खेल जो दर्शकों को गायब नहीं छोड़ देता है। समस्या यह नहीं है कि तकनीकी ड्रिल बेकार हैं। समस्या यह है कि वे संगीत विकास की कीमत पर अभ्यास समय पर हावी हैं, जिससे उंगलियों और होंठ क्या कर सकते हैं और कान और दिल क्या व्यक्त करना चाहते हैं।

ऑर्केस्ट्रा में सबसे अधिक संपन्न पीतल के खिलाड़ी, जैज़ सेंसम्बल और स्टूडियो सेटिंग्स अलग श्रेणियों के रूप में तकनीक और संगीत के बारे में नहीं सोचते हैं। उन्होंने कनेक्शन को इतना गहराई से आंतरिक रूप से बताया है कि हर तकनीकी व्यायाम एक संगीत संकेत बन जाता है, और हर संगीत वाक्यांश तकनीकी नियंत्रण को मजबूत करता है। यह एकीकरण एक प्रतिभा नहीं है जो आप पैदा हुए हैं। यह एक कौशल है जिसे आप जानबूझकर अभ्यास डिजाइन के माध्यम से बनाया गया है। यह लेख आपके दैनिक दिनचर्या में उस एकीकरण के निर्माण के लिए एक विस्तृत रूपरेखा प्रदान करता है, चाहे आप ऑडिशन के लिए तैयार हो या पेशेवर हैं जो आपके दृष्टिकोण को ताज़ा करने की तलाश में हैं।

तकनीकी ड्रिल की भूमिका को समझना

तकनीकी अभ्यास एक पीतल खिलाड़ी के विकास की रीढ़ की हड्डी बनाते हैं। वे विशिष्ट कौशल जैसे कि embouchure नियंत्रण, सांस समर्थन, उंगली की गति और स्पष्टता को लक्षित करते हैं। लंबे स्वर, पैमाने पैटर्न, होंठ स्लर्स और टनगिंग ड्रिल जैसे व्यायाम सिर्फ वार्म-अप नहीं हैं - वे कच्ची सामग्री हैं जिनसे अभिव्यक्तित्मक खेल बनाया गया है। इन मूल सिद्धांतों को मास्टर करने से आप आसानी से जटिल मार्गों को निष्पादित कर सकते हैं, जिससे व्याख्या और भावनात्मक वितरण के लिए मानसिक बैंडविड्थ मुक्त हो जाती है।

लेकिन तकनीकी अभ्यास जानबूझकर होना चाहिए। माइंडलेस दोहराव खराब आदतों को आकर्षित कर सकता है। इसके बजाय, प्रत्येक ड्रिल को ध्यान में रखते हुए दृष्टिकोण दें: सत्र के लिए एक स्पष्ट लक्ष्य निर्धारित करें, अपनी ध्वनि की गुणवत्ता की निगरानी करें, और धीरे-धीरे कठिनाई को बढ़ा दें। यह का सार है डेलिरेट अभ्यास - एक अवधारणा व्यापक रूप से कौशल अधिग्रहण अनुसंधान में अध्ययन किया। पीतल के खिलाड़ियों के लिए, इसका मतलब है कि प्रत्येक नोट का मूल्यांकन करना, बल्कि केवल पैटर्न के माध्यम से चल रहा है। समय के साथ, इस तरह के अनुशासन विश्वसनीय मांसपेशी स्मृति का निर्माण करता है जो संगीत अभिव्यक्ति के लिए एक स्थिर मंच के रूप में कार्य करता है।

एक तंत्रिका संबंधी कारण भी है कि जानबूझकर अभ्यास क्यों काम करता है। जब आप ध्यान केंद्रित करने के साथ तकनीकी ड्रिल करते हैं - प्रत्येक हमले की गुणवत्ता को सूचीबद्ध करते हैं, तो हवा की गति महसूस करते हैं, वास्तविक समय में अपने उत्साह को समायोजित करते हैं - आप तंत्रिका पथ को मजबूत करते हैं जो ठीक मोटर समन्वय को नियंत्रित करते हैं। इसे myelination] कहा जाता है, जिसके द्वारा तंत्रिका फाइबर संकेत गति और सटीकता को बढ़ाने के लिए इन्सुलेट किए जाते हैं। हर केंद्रित पुनरावृत्ति उस इन्सुलेशन का निर्माण करती है। हर विचलित पुनरावृत्ति लगभग कुछ नहीं होती है। यही कारण है कि केंद्रित तकनीकी कार्य के पंद्रह मिनट ऑटोपिलॉट अभ्यास के एक घंटे की तुलना में अधिक प्रगति पैदा करते हैं।

ओवर-एम्फेसिंग तकनीक का खतरा

जब तकनीक एकमात्र फोकस बन जाती है, तो आपका खेल यांत्रिक हो सकता है। आप हर नोट को हिट कर सकते हैं लेकिन संवाद करने में विफल हो जाते हैं। दर्शकों की सटीकता सुनती है लेकिन कुछ भी नहीं लगता है। कई पीतल के खिलाड़ी अपने शुरुआती वर्षों के दौरान इस जाल में आते हैं, तराजू के घंटों और अर्पेगियोस कभी भी उन्हें संगीत में कैसे आकार देने के लिए पूछते हैं। परिणाम एक विरोधाभास है: जितना अधिक तकनीकी रूप से सुरक्षित आप बन जाते हैं, उतना ही आपका खेल कलात्मक पक्ष की उपेक्षा करते हैं। यही कारण है कि शुरुआत से संतुलन आवश्यक है।

एक और खतरा है ] तकनीकी पठार संगीत साम्राज्य के कारण । जब आप केवल अभ्यास करते हैं, तो आपका मस्तिष्क उन्हें शुद्ध यांत्रिक कार्यों के रूप में वर्गीकृत करता है। महीनों और वर्षों से, यह एक मानसिक अलगाव पैदा कर सकता है जहां तकनीक और अभिव्यक्ति विभिन्न डिब्बों में रहती है। जब आप स्पष्ट रूप से खेलने की कोशिश करते हैं, तो आपकी तकनीकी आदतें आपके संगीत इरादों से वियोग करती हैं। आप कृत्रिम विब्राटो को जोड़कर या गतिशील परिवर्तन को मजबूर कर सकते हैं जो ध्वनि को असंबद्ध कर सकते हैं। समाधान तकनीकी कार्य को खत्म करने के लिए नहीं है लेकिन इसे अपने गर्म-अप के पहले नोट से संगीत इरादे से निकालने के लिए प्रेरित किया जाता है।

क्यों व्यवहार में संगीतमयता के मामले

संगीत प्रदर्शन की आत्मा है। इसमें ग्रसिंग, गतिशील बारीकी, वाइब्रैटो, आर्टिकुलेशन विविधता और सूक्ष्म समय शामिल है जो एक लाइन साँस बनाता है। इसके बिना, एक प्रदर्शन सिर्फ सही नोट्स की एक श्रृंखला है। संगीतता तकनीक को कला में बदल देती है - यह वह है जो श्रोता को भावनाओं को महसूस करता है और उस क्षण को याद करता है।

फिर भी संगीत को अक्सर तकनीक के बाद जोड़ा जाने वाला एक अलग "परत" के रूप में माना जाता है। यह एक गलती है। संगीत को हर अभ्यास सत्र में एम्बेडेड होना चाहिए, यहां तक कि सबसे बुनियादी अभ्यास के दौरान भी। एक crescendo और decrescendo के साथ एक पैमाने पर खेलना, विभिन्न vibrato चौड़ाई के साथ प्रयोग करना, या अभिव्यक्ति में एक लघु étude में एक तकनीकी व्यायाम बदल जाता है। यह दृष्टिकोण केवल इसे बनाने के बजाय ध्वनि सुनने और आकार देने की आदत बनाता है।

विचार करें कि अतीत के महान पीतल के खिलाड़ी अपने शिल्प से कैसे संपर्क करते हैं। पांच दशकों से शिकागो सिम्फनी के प्रमुख तुरही, एडोल्फ हेर्सेथ को लंबे स्वरों का अभ्यास करने के लिए जाना जाता था, न कि स्थिर धीरज अभ्यास के रूप में बल्कि यह साबित करने के अवसर के रूप में कि उन्होंने "ध्वनि का केंद्र" कहा - अनुनाद कोर जो हर ध्यान को शक्ति और सुंदरता प्रदान करता है। उन्होंने टोन रंग और अवतार को आकार देने का मौका दिया। यह मानसिकता एक तकनीशियन और एक कलाकार के बीच का अंतर है।

सक्रिय श्रवण की भूमिका

संगीत को विकसित करने के लिए, आपको एक सक्रिय श्रोता बनना चाहिए। इसका मतलब है कि आप अपने स्वयं के ध्वनि का विश्लेषण करते हुए खेलना - सिर्फ यह सुनने के लिए कि क्या आप सही नोट्स को हिट करते हैं, लेकिन स्वर रंग, स्वर-विचार, वाक्यांश-विकृति-विकृति और भावनात्मक प्रभाव का आकलन करते हैं। रिकॉर्डिंग स्वयं सबसे शक्तिशाली उपकरणों में से एक है। एक मार्ग वापस चलाएं और पूछो: क्या इस वाक्यांश को गायन करता है? ] ] गतिशील आकार स्पष्ट है? ] संगीत चरित्र से मेल खाने वाले मेरे आर्टिकुलेशन?

एक विशिष्ट तकनीक है comparative रिकॉर्डिंग[. अपने प्रदर्शन से एक लघु वाक्यांश रिकॉर्ड, फिर तुरंत अपने आप को एक ही मार्ग की एक पेशेवर रिकॉर्डिंग की नकल करने की कोशिश रिकॉर्ड. दोनों की तुलना करें. आप समय, गतिशील आकार देने और कलाबद्धता में मतभेदों को नोटिस करेंगे जो खेलते समय सुनने के लिए लगभग असंभव हैं. यह अंतर आपके इरादे और आपके निष्पादन के बीच है जहां विकास होता है. वाक्यांश द्वारा उस अंतर वाक्यांश को बंद करें, और आपकी संगीतता किसी भी अमूर्त व्यायाम की तुलना में तेज़ी से विकसित होगी.

तकनीकी अभ्यास और संगीत की अखंडता को संतुलित करने के लिए रणनीतियाँ

इंटीग्रेटिंग तकनीक और संगीत की आवश्यकता नहीं है अपने अभ्यास दिनचर्या का पूरा ओवरहाल - यह मानसिकता और आदत में छोटे बदलाव के साथ शुरू होता है। नीचे विस्तार रणनीतियों कि किसी भी पीतल के साधन के लिए तैयार किया जा सकता है, साथ ही तुरही, सींग, ट्रॉम्बा और टबा जहां प्रासंगिक के लिए विशिष्ट उदाहरणों के साथ।

1. संगीतमय लंबे टोन के साथ गर्म

लंबे स्वर पीतल के गर्म-अप के लिए मानक हैं, लेकिन उन्हें शायद ही कभी संगीतमय रूप से इलाज किया जाता है। बस एक निर्धारित अवधि के लिए एक नोट रखने के बजाय, गतिशील समोच्च के साथ प्रयोग करें। शुरू करें pianissimo, crescendo fortissimo, फिर decrescendo वापस। अपने स्वर रंग बदलें: एक उज्ज्वल, केंद्रित ध्वनि की कोशिश करें, फिर एक अंधेरा, एक कवर किया। विभिन्न गति पर विब्राटो जोड़ें। लंबी स्वरों को मिनी ध्वनि अध्ययन में बदलकर, आप दोनों सांस नियंत्रण और अभिव्यक्तिपूर्ण लचीलापन विकसित करते हैं।

तुरही खिलाड़ियों के लिए, इसे मध्य जी पर और फिर उच्च सी पर कोशिश करें, यह देखते हुए कि रजिस्टर के लिए embouchure समायोजन गतिशीलता को आकार देने की आपकी क्षमता को प्रभावित करता है। सींग खिलाड़ियों के लिए, लंबे स्वर स्वर स्वर रंग में हाथ से बंद होने वाले परिवर्तनों का अभ्यास करने के लिए विशेष रूप से प्रभावी हैं। ट्रॉम्बोनिस्टर के लिए, प्रत्येक स्लाइड स्थिति पर लंबी स्वर उपकरण के स्वाभाविक रूप से असमान प्रतिक्रिया के दौरान स्थिरता का निर्माण करने में मदद करते हैं। टब खिलाड़ियों के लिए, सांस प्रबंधन पर ध्यान केंद्रित करें: उपकरण जितना बड़ा होगा, उतना ही महत्वपूर्ण है गतिशील बदलाव के माध्यम से हवा की गति को नियंत्रित करना।

2. आकार स्केल और Arpeggios की तरह Melodies

एक स्केल सिर्फ नोटों का एक पैटर्न नहीं है - यह एक ऐसी रेखा है जो भावनाओं के साथ बढ़ सकती है और गिर सकती है। एक स्पष्ट वाक्यांश चाप के साथ अभ्यास पैमाने: धीरे शुरू करें, शीर्ष पर एक चरमोत्कर्ष का निर्माण करें, और वापस टेंडर करें। विभिन्न अभिव्यक्तियों का उपयोग करें: लेटो, स्टेकाटो, मार्काटो। वीरता लय। यह आपके कान को यांत्रिक अभ्यास के बजाय संगीत निर्माण ब्लॉक के रूप में सुनने के लिए प्रशिक्षित करता है। यह आपको वास्तविक प्रतिद्वंद्विता के लिए इन आकारों को लागू करने के लिए भी तैयार करता है।

एक विशिष्ट विधि एक स्केल लेने के लिए है और इसे तीन बार खेलना है: पहली बार एक शांत, बहने वाली रेखा (एक धीमी गति से बैलाड की गुंजाइश) के रूप में, फिर एक ऊर्जावान, लयबद्ध पैटर्न (एक जैज़ सोलो लाइन की गुंजाइश) के रूप में, फिर एक नाटकीय, तीव्र बयान (एक प्रशंसक के गुंजाइश) के रूप में। प्रत्येक चरित्र अलग सांस समर्थन, उत्साह दृढ़ता और अभिव्यक्ति की मांग करता है। एक सप्ताह के लिए ऐसा करने के बाद, आप देखेंगे कि स्केल अब ड्रिल की तरह महसूस नहीं करते हैं - वे कच्चे संगीत की तरह महसूस करते हैं।

3. वैकल्पिक तकनीकी और रिपरटोयर सेगमेंट

एक संतुलित अभ्यास सत्र शुद्ध तकनीक और लागू संगीत के बीच फ्लिप करता है। उदाहरण के लिए, 10 मिनट के होंठ स्लर्स के बाद चिकनी संक्रमण पर ध्यान केंद्रित करते हुए, अपने वर्तमान टुकड़े से एक अभिव्यक्तिपूर्ण गीतात्मक मार्ग पर 10 मिनट खर्च करते हैं। इसके विपरीत आपके मस्तिष्क को व्यस्त रखता है और एकरसता को रोकता है जो जलते हुए पैदा कर सकता है। यह ड्रिल और कला के बीच संबंध को भी मजबूत करता है: आप यह सुनकर शुरू करेंगे कि कैसे होंठ स्लर्स आपके अकेले में त्वरित मार्ग के लिए आवश्यक लचीलेपन को सूचित करते हैं।

एक प्रभावी संरचना sandwich विधि : एक तकनीकी ड्रिल के साथ शुरू करें जो एक विशिष्ट कमजोरी (जैसे ऊपरी रजिस्टर में स्लर्टेड अंतराल) को लक्षित करता है, फिर उस तरह के कौशल का उपयोग करने वाले रिपर्टोयर का एक टुकड़ा खेलते हैं, फिर ड्रिल को ताजा जागरूकता के साथ वापस लौटें कि यह कैसे संगीतमय रूप से लागू होता है। ड्रिल-अनुपयुक्त-रिफाइन त्वरित सीखने का यह लूप क्योंकि यह कौशल को प्रासंगिक रूप से ग्राउंड रखता है।

4. एक मॉडल के रूप में रिकॉर्डिंग का उपयोग करें

पेशेवर पीतल के खिलाड़ी पहले से ही कई संगीत और तकनीकी चुनौतियों को हल कर चुके हैं। उसी टुकड़े की कई रिकॉर्डिंग सुनें। ध्यान दें कि विभिन्न कलाकारों ने उसी रेखा को वाक्यांश दिया है, जहां वे सांस लेते हैं, वे कैसे गतिशीलता को बदलते हैं, और वे कैसे वाइब्रैटो का उपयोग करते हैं। अपने अभ्यास में इन विकल्पों की नकल करने की कोशिश करें - बिल्कुल कॉपी नहीं करना, बल्कि संभावनाओं की ]] की व्यवस्था को आंतरिक रूप से आंतरिक रूप से आंतरिक करने के लिए। यह व्यायाम आपके संगीत शब्दावली को तेज करता है और आपको अपनी आवाज़ विकसित करने में मदद करता है।

छोटे खिलाड़ियों के लिए, एक सहायक दृष्टिकोण है Cal-and-response रिकॉर्डिंग के साथ . एक रिकॉर्डिंग से एक वाक्यांश चलायें (इससे स्पष्ट रूप से सुनने के लिए हेडफोन का उपयोग करना), रिकॉर्डिंग रोकें, और फिर उस वाक्यांश को खुद को खेलते हैं, जो वाक्यांश, ग्रसिंग, गतिशीलता और समय से मिलान करने की कोशिश करते हैं। इस अभ्यास के एक सप्ताह के बाद, आपके कान को उन विचारों को सुनने के लिए प्रशिक्षित किया जाएगा जिन्हें आप पहले याद करते हैं, और आपका खेल उस जागरूकता को प्रतिबिंबित करना शुरू कर देगा।

5. प्रत्येक सेगमेंट के लिए विशिष्ट लक्ष्य निर्धारित करें

वैगूवर अभ्यास अस्पष्ट प्रगति की ओर जाता है। "तकनीकी पर काम" के बजाय निर्णय: "अगले 15 मिनट के लिए, मैं अपने दोहरे जीभ को क्वार्टर नोट = 120 पर स्पष्टता में सुधार करूंगा। " फिर, तकनीकी ब्लॉक के बाद, एक संगीत लक्ष्य निर्धारित करें: "अगले 15 मिनट के लिए, मैं अपने etude के बी सेक्शन को तीन अलग-अलग गतिशील स्तरों और उच्च नोट में एक स्पष्ट crescendo के साथ आकार दूंगा।" विशिष्ट लक्ष्य आपको जवाबदेह रखते हैं और सुधार को नोटिस करना आसान बनाते हैं।

एक उपयोगी ढांचा है अभ्यास के लिए SMART लक्ष्य : विशिष्ट (क्या वास्तव में आप सुधार करेंगे?), Measurable (आप इसे कैसे बेहतर जानते हैं?), अचीवेबल (टेम्पो या रेंज यथार्थवादी है?), प्रासंगिक (क्या यह आपके उत्तराधिकार से जुड़ा है?), और समय-सीमा (आप कितने मिनट खर्च करेंगे?))। प्रत्येक खंड में तीस सेकंड से पहले अपने SMART लक्ष्य को लिखना लेकिन नाटकीय रूप से ध्यान आकर्षित करने से पहले।

नियमित रूप से रिकॉर्ड और प्रतिबिंबित करें

रिकॉर्डिंग पीतल के खिलाड़ी का दर्पण है। उसी लघु मार्ग के साप्ताहिक रिकॉर्डिंग आपको समय के साथ बदलावों को ट्रैक करने की अनुमति देती है। तकनीकी सटीकता और संगीत अभिव्यक्ति दोनों को सुनें। खुद से पूछो: क्या लय सटीक है? क्या वाक्यांश स्वाभाविक रूप से साँस लेना है? क्या मेरे आर्टिकुलेशन संगीत चरित्र का समर्थन करते हैं? इन प्रतिबिंबों का उपयोग करें कि अगले पर क्या ध्यान केंद्रित करना है। महीनों में, यह आदत स्वयं-जागरूकता बनाती है कि कुछ संगीतकार इसके बिना विकसित होते हैं।

इस आदत को छड़ी बनाने के लिए, एक महीने के लिए हर रविवार को एक एकल etude या अंश का चयन करें और इसे रिकॉर्ड करें। कई बार फिर से रिकॉर्ड न करें - उस दिन से अपने ईमानदार खेल को कैप्चर करें। एक बार फिर सुनें, सुधार करने के लिए तीन चीजें नोट करें, और रिकॉर्डिंग को दायर करें। चार सप्ताह के बाद, अनुक्रम में सभी चार रिकॉर्डिंग सुनें। प्रगति दिखाई देगी, और महत्वपूर्ण बात, आप देखेंगे कि कौन से अभ्यास रणनीतियां ने सुधार का उत्पादन किया। इस डेटा संचालित दृष्टिकोण का उपयोग प्रत्येक क्षेत्र में शीर्ष कलाकारों द्वारा किया जाता है।

7. मानसिक अभ्यास और विज़ुअलाइज़ेशन

मानसिक अभ्यास पीतल के खिलाड़ियों के लिए सबसे कम इस्तेमाल किए जाने वाले उपकरणों में से एक है। जब आप अपने आप को सही तकनीक और अभिव्यक्तिपूर्ण वाक्यांश के साथ एक मार्ग बजाते हैं, तो आप भौतिक अभ्यास के रूप में एक ही तंत्रिका मार्गों में से कई को सक्रिय करते हैं। यह तकनीक और संगीत को एकीकृत करने के लिए विशेष रूप से उपयोगी है क्योंकि आप मानसिक रूप से दोहराए गए उच्च नोट्स या फास्ट मार्गों के भौतिक तनाव के बिना वाक्यांश के अनुभव को फिर से सुन सकते हैं।

प्रत्येक अभ्यास सत्र से पहले पाँच मिनट खर्च करें अपने वार्म-अप को देखने के लिए। एक पूर्ण, समर्थित सांस की सनसनी की कल्पना करें। अपने उत्साह को पहले नोट बनाने की तस्वीर दें। अपने मन में ध्वनि को सटीक स्वर रंग के साथ सुनें। फिर अपने उपकरण को उठाएँ और उस मानसिक ध्वनि से मिलान करने की कोशिश करें। यह पूर्व-व्यावसायिक दृश्य आपके न्यूरोमस्कुलर सिस्टम को केंद्रित काम के लिए प्राइम करता है और एक एकल नोट खेलने से पहले एक संगीत मानक निर्धारित करता है।

8. साधन-विशिष्ट विचार

जबकि संतुलन के सिद्धांत सभी पीतल के उपकरणों पर लागू होते हैं, प्रत्येक उपकरण में अद्वितीय चुनौतियों की आवश्यकता होती है:

  • Trumpet: ऊपरी रजिस्टर अक्सर जहां तकनीक संगीतमयता को अभिभूत करती है। जब उच्च मार्ग का अभ्यास करते हैं, तो पिच को मजबूर करने के बजाय एक गायन टोन गुणवत्ता को बनाए रखने पर ध्यान केंद्रित करें। ऊपरी रजिस्टर में प्रभावी सांस समर्थन को मजबूर करने के लिए सॉफ्ट गतिशीलता का उपयोग करें। एक आम व्यायाम प्रसिद्ध ऑर्केस्ट्रल एक्सपर्ट्स (मालर 5 या पेट्रोचका के उद्घाटन के रूप में) से उच्च प्रवेश द्वार खेलना है।
  • फ्रांसीसी हॉर्न:] हॉर्न खिलाड़ियों को हाथ की स्थिति, ट्रांसपोजीशन और कवर टोन की ओर उपकरण की प्राकृतिक प्रवृत्ति के साथ अद्वितीय चुनौतियों का सामना करना पड़ता है। जानबूझकर हाथ से बंद होने वाले परिवर्तनों और गतिशील आकार के साथ अभ्यास पैमाने। हार्मोनिक श्रृंखला के पार स्वर रंग से मिलान करने पर काम - एक तकनीकी कौशल जो सीधे स्ट्रास या बीथहोवेन से मार्गों में संगीत की धड़कन को प्रभावित करता है।
  • Trombone:] स्लाइड सटीकता प्रमुख तकनीकी चुनौती है, और यह आसानी से अभ्यास समय पर हावी हो सकता है। संगीत को एकीकृत करने के लिए, एक ड्रोन पिच के साथ स्लाइड तकनीक अभ्यास का अभ्यास करें। इससे पहले कि आप आने से पहले लक्ष्य नोट सुन सकते हैं, दोनों को एक साथ प्रेरणा और उत्साह के साथ आगे बढ़ना। इसके अलावा, न्यूनतम स्लाइड शोर के साथ legato वाक्यांशों का अभ्यास करें, प्रत्येक ग्लिसांडो को एक यांत्रिक चाल के बजाय संगीत कनेक्शन के रूप में इलाज करें।
  • Tuba: tuba का बड़ा आकार सांस प्रबंधन केंद्रीय तकनीकी कौशल बनाता है। अत्यधिक गतिशील रेंज (Fff करने के लिए ppp) के साथ लंबे स्वर का अभ्यास करने के लिए नियंत्रण का निर्माण। संगीत के लिए, कम वाक्यांशों की दिशा पर ध्यान केंद्रित करें - कई tuba खिलाड़ी सूक्ष्म वृद्धि की उपेक्षा करते हैं और पिच और गतिशीलता के पतन की उपेक्षा करते हैं जो बास लाइन गाते हैं। कम उपकरण पर मेलोडी वाक्यांश के मॉडल के लिए महान जैज़ बेसिस्ट को सुनें।

एक गहरे नमूना अभ्यास दिनचर्या

नीचे एक विस्तारित 90 मिनट का अभ्यास दिनचर्या है जो व्यवस्थित रूप से संगीत के साथ तकनीकी ड्रिल को मिश्रित करता है। अपनी आवश्यकताओं और उपलब्ध शेड्यूल के आधार पर समय समायोजित करें। आप प्रत्येक सेगमेंट को छोटा करके इसे 60 मिनट में संपीड़ित कर सकते हैं, या इसे दूसरे स्थान पर जोड़कर 120 मिनट तक बढ़ा सकते हैं।

  1. Warm-Up (10 मिनट): साधन से धीमी गति से सांस लेने वाली शुरुआत (4 गिनती के लिए साँस, 4 के लिए पकड़ो, 8 के लिए साँस)। फिर एक आरामदायक नोट पर लंबे स्वर (जैसे, तुरही पर मध्य सी, एफ ऑन हॉर्न, बीबी ऑन ट्रॉम्बोन) पर प्रदर्शन करते हैं। प्रत्येक नोट को एक धीमी गति से गति से चलने के लिए चलाएं, ppp से fff और पीछे की गति को बदल दें। वाइब्रैट गति और चौड़ाई के साथ प्रयोग। इष्टतम, केंद्रित स्वर पर ध्यान दें। प्रत्येक लंबे स्वर के अंतिम नोट पर, यह आपके लक्ष्य के लिए जारी रखता है - यह प्राकृतिक लक्ष्य के लिए अपनी ध्वनि को बनाए रखता है।
  2. ]फ्लेक्सिबिलिटी ड्रिल (10 मिनट): होंठ स्लर्स या वाल्व स्लर्स चिकनी संक्रमण को लक्षित करते हैं। उन्हें एक मेट्रोनोम के साथ खेलते हैं, धीरे-धीरे शुरू करते हैं और धीरे-धीरे टेम्पो को बढ़ाते हैं। यहां तक कि व्यायाम को आकार देते हैं: उच्च नोट्स पर थोड़ा सा crescendo जोड़ें और अवरोही पर एक diminuendo जोड़ें। ट्राम्बोनिस्टर के लिए, एक ड्रोन पिच के साथ स्लाइड पदों पर लेटो स्लर्स का अभ्यास करें। तुरही और सींग खिलाड़ियों के लिए, प्रत्येक ओवरटोन अनुक्रम की प्राकृतिक हार्मोनिक श्रृंखला के माध्यम से slurring पर ध्यान केंद्रित करें।
  3. Scale and Arpeggio Work (15 मिनट): विविध अभिव्यक्ति पैटर्न (जैसे, legato, staccato, दो slurred/two जीभ) के साथ एक प्रमुख और एक मामूली पैमाने पर खेलते हैं। फिर संगीत समारोह लागू करें: एक स्पष्ट चरमोत्कर्ष के साथ एक मेलोडी के रूप में पैमाने का इलाज करें। अपने आप को रिकॉर्ड करें और समायोजित करें। इसके बाद, प्रत्येक पैमाने के arpeggio को एक टूटी हुई तार के रूप में खेलते हैं, इसे एक प्रशंसक या एक गीतात्मक रेखा की तरह आकार देते हैं। यह तकनीकी पैटर्न के भीतर सुनवाई सद्भाव की आदत बनाता है।
  4. Technical फोकस ब्लॉक (15 मिनट): एक विशिष्ट चुनौती पर ध्यान केंद्रित करें (उदाहरण के लिए, अंतराल छलांग, तेजी से जीभ, उच्च रजिस्टर)। विधि पुस्तकों (अरबन, श्लोसबर्ग, कोपरैश, रोचुट) से पैटर्न का उपयोग करें लेकिन ध्यान में संगीत की इच्छा रखते हैं। उदाहरण के लिए, जब ट्रंप पर अंतराल छलांग का अभ्यास करते हैं, तो प्रत्येक अंतराल को एक मिनी वाक्यांश के रूप में आकार देते हैं। तेजी से स्लाइड परिवर्तनों पर काम करने वाले लोगों के लिए, एक लयबद्ध विविधता के साथ मार्ग का अभ्यास करें जो चिकनी कनेक्शन को मजबूर करता है। कुंजी आपके कानों को व्यस्त रखने के लिए है, न सिर्फ आपकी उंगलियों पर।
  5. ]Lyrical Repertoire (20 मिनट): एक धीमी गति से टुकड़ा चुनें या etude. अकेले ग्रस पर 10 मिनट खर्च करें: प्रत्येक वाक्यांश की सांस, गतिशीलता और दिशा. कर्मचारियों पर वाक्यांश चाप आकर्षित करने के लिए एक पेंसिल का उपयोग करें. फिर 10 मिनट के माध्यम से खेलें, जिसका उद्देश्य भावनात्मक सामग्री को व्यक्त करना है। रिकॉर्ड और तुलना करें। यदि आप अपने आप को यांत्रिक खेल, स्टॉप और पूछते हैं: "यह वाक्यांश क्या कहना है?? यह सवाल पहले कि आप जारी रखने से पहले है।
  6. ]Repertoire (10 मिनट) से तकनीकी चुनौती: अपने वर्तमान टुकड़े से तेजी से या तकनीकी रूप से मांग मार्ग चुनें। पैटर्न (पैमाने, arpeggios, अंतराल) का विश्लेषण करें और धीरे-धीरे ताल और विविधताओं का उपयोग करके इसे ड्रिल करें। धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे धीरे ध्वनि गुणवत्ता की निगरानी। एक ]]loop ड्रिल लागू करें: समस्या को एक पंक्ति में चार बार खेलते हैं, स्थिरता के लिए सुनते हैं। यदि तीसरे या चौथे दोहराव गिरावट, तो सभी चार साफ और संगीतमय हैं।
  7. Cool-Down and Creative Play (5 मिनट): कम नोटों पर नरम लंबे स्वर, विश्राम और अभिव्यक्तिपूर्ण स्वर के साथ। फिर एक सरल कॉर्ड प्रगति (जैसे, 12-bar blues या एक बुनियादी ii-V-I पैटर्न) पर सुधार, जिससे संगीत बनाने पर पूरी तरह ध्यान केंद्रित करने के लिए तकनीकी चिंताओं का सामना करना पड़ता है। यह अंतिम खंड आपको याद दिलाता है कि आपने पहली जगह में पीतल क्यों खेलना शुरू किया: ध्वनि बनाने की खुशी के लिए।

Them से बचने के लिए कैसे

सबसे अच्छा इरादे के साथ भी, शेष राशि बहुत बढ़िया हो सकती है। यहां अक्सर गलतियां और समाधान हैं जो सतह-स्तर की सलाह से परे हैं:

  • Pitfall: तकनीकी अभ्यास पर बहुत ज्यादा समय बिताना गलतियों के डर से बाहर। समाधान: प्रत्येक खंड के लिए एक सख्त टाइमर सेट करें। जब टाइमर समाप्त होता है, तो संगीत कार्य पर कदम - यहां तक कि अगर आपको लगता है कि आपने ड्रिल को "मास्टर" नहीं किया है। प्रगति संचयी है। अपूर्णता का डर संगीत विकास का दुश्मन है। उस तकनीक को धीरे-धीरे विकसित करने के लिए स्वीकार करें और उस संगीत अभ्यास ने भी तकनीक का निर्माण किया।
  • Pitfall: Ignoring तकनीक क्योंकि आप "अन्य प्ले संगीत" चाहते हैं। समाधान: यह पहचानें कि तकनीक संगीत स्वतंत्रता को सक्षम बनाती है। मूल सिद्धांतों पर कम से कम 30% अभ्यास खर्च करें। उनके बिना, संगीत विचारों को सही ढंग से महसूस नहीं किया जा सकता। इस तरह से सोचें: यदि आपकी उंगलियों को एक सुंदर वाक्यांश के दौरान ठहरने लगे, तो अभिव्यक्तिपूर्ण इरादे पतन। स्वच्छ तकनीक संगीत के नौकर है, न कि इसके दुश्मन।
  • Pitfall: केवल मार्गों को प्रैक्टिस करना जो आप पहले से ही अच्छी तरह से खेलते हैं। समाधान: Deliberately अपनी कमजोरियों को लक्षित करें। यदि ऊपरी रजिस्टर में प्रवेश एक मुद्दा है, तो शॉर्ट ड्रिल बनाएं जो इसे संबोधित करते हैं, लेकिन यह भी अभ्यास करते हैं कि वह चुनौती है कि वह संगीतमय रूप से रजिस्टर करे। अपने अभ्यास जर्नल में "कमजोर सूची" रखें और साप्ताहिक रूप से इसके माध्यम से घूमें। यह सुनिश्चित करता है कि आप हमेशा बढ़ रहे हैं, न कि सिर्फ बनाए रखें।
  • Pitfall: अपने आप की रिकॉर्डिंग के लिए गंभीर रूप से नहीं सुनना ] समाधान: अभ्यास का एक गैर-नकली हिस्सा रिकॉर्डिंग करें। एक साधारण ऐप या रिकॉर्डर का उपयोग करें। एक चेकलिस्ट के साथ वापस सुनें: तकनीक, संगीत, स्वर, लय। इससे भी बेहतर: अपने अभ्यास सत्र को अनुभूत किए बिना रिकॉर्ड करें। बाद में सुनें और जब आप ऑटोपिलॉट में फिसल जाते हैं तो ध्यान दें। जागरूकता परिवर्तन का पहला कदम है।
  • Pitfall: हर ड्रिल के लिए मेट्रोनोम पर निर्भर करता है। समाधान: मेट्रोनोम लयबद्ध परिशुद्धता का एक उपकरण है, लेकिन यह वाक्यांश को मार सकता है यदि एक क्रंच के रूप में इस्तेमाल किया जाता है। कम से कम 20% समय के बिना अभ्यास करें, प्राकृतिक एब और संगीत समय के प्रवाह पर ध्यान केंद्रित करें। फिर अपने मेट्रोनोम के खिलाफ खुद को जांचें कि आपका रूबाटो जानबूझकर या मैला है। यह संतुलन लयबद्ध सटीकता और अभिव्यक्तिपूर्ण समय दोनों को प्रशिक्षित करता है।
  • Pitfall: खेलने से पहले मानसिक और शारीरिक वार्म-अप को नेविगेट करना। समाधान: 5 मिनट तक सांस लेने में मदद करें और अपने कंधों, गर्दन और जबड़े को खींचने से पहले आपको इंस्ट्रूमेंट को स्पर्श करना होगा। टेंस प्लेइंग टेंशन साउंड का उत्पादन करता है। एक आरामदेह शरीर तकनीकी आसानी और संगीत अभिव्यक्ति दोनों के लिए नींव है।

प्रेरणा और बर्नाउट से बचना

अभ्यास और संगीत की संतुलन का रास्ता एक दीर्घकालिक यात्रा है। प्रेरणा को बनाए रखने के लिए, अपने अभ्यास को अलग रखें और अपने संगीत लक्ष्यों से जुड़े रहें। छोटी जीत को अलग करें - जैसे कि क्लीनर डबल-टंग या अधिक अभिव्यक्तिपूर्ण वाक्यांश। एक शिक्षक के साथ काम करें जो उद्देश्य प्रतिक्रिया प्रदान कर सकते हैं और आपको असंतुलन स्पॉट करने में मदद कर सकते हैं। साथियों के साथ अभ्यास: युगल, चैम्बर संगीत, या तात्कालिक संगीत निर्णयों के साथ संयोजन तकनीक को सुनने और अनुकूलित करने के लिए आपको मजबूर करता है।

एक अभ्यास पत्रिका को रखने पर विचार करें। प्रत्येक सत्र में आप जो कुछ ध्यान केंद्रित करते हैं, वह क्या काम करता है और क्या महसूस किया गया है। समय के साथ, पैटर्न उभरते हैं: आप थक गए होने पर आर्टिकुलेशन की उपेक्षा कर सकते हैं, या तकनीकी वार्म-अप के बाद आपकी म्यूजिकलिटी चोटियों को दूर कर सकते हैं। अपनी दिनचर्या को समायोजित करने के लिए इन अंतर्दृष्टि का उपयोग करें। एक अभ्यास पत्रिका भी अवधि के दौरान प्रगति के रिकॉर्ड के रूप में कार्य करती है जब सुधार धीमी महसूस करता है। छह महीने पहले से प्रविष्टियों पर वापस देख नाटकीय विकास को प्रकट कर सकता है जिसे आप दिन-प्रतिदिन के पीस में याद करते हैं।

एक और शक्तिशाली प्रेरक है प्रदर्शन उन्मुख अभ्यास. एक बार एक सप्ताह में, एक "मॉक प्रदर्शन" के रूप में अपने प्रदर्शन के एक रन-थ्रू नामित किया। इसे रोक के बिना चलायें, गलतियों को ठीक किए बिना, और एक काल्पनिक दर्शकों के लिए संवाद करने के इरादे से। यह आपके मस्तिष्क को ड्रिल मोड से बाहर और प्रदर्शन मोड में बदल देता है, आपको याद दिलाता है कि तकनीक अंततः संचार की सेवा में है। नकली प्रदर्शन के बाद, नोट करें कि अगले सप्ताह के लिए अभ्यास लक्ष्य के रूप में उन क्षणों को क्या टूट गया है और उनका उपयोग किया गया है।

अंत में, अपने आप को जीवित पीतल के रूप में संभव के रूप में खेल रहे हैं को उजागर करें। ऑर्केस्ट्रा कॉन्सर्ट, जैज़ क्लब, पीतल के गाना प्रदर्शन, या मास्टरक्लास में भाग लें। वास्तविक समय में महान संगीतकार संतुलन तकनीक और अभिव्यक्ति को देखते हुए क्या संभव है आंतरिक रूप से आंतरिक रूप से करने के लिए सबसे प्रभावी तरीके से एक है। आप प्रेरित छोड़ देंगे और क्या आप चाहते हैं की एक स्पष्ट भावना के साथ अपनी तरह ध्वनि करने के लिए अपने खुद के खेल रहे हैं।

एक्सटर्नल रिसोर्सेस फॉर डीपेर लर्निंग

अपनी ड्रिल और संगीत की शेष राशि को आगे बढ़ाने के लिए इन संसाधनों का पता लगाएं:

  • बुलेटप्रूफ संगीतकार: कैसे डेलिरेट प्रैक्टिस में बेहतर हो - ध्यान केंद्रित अभ्यास के पीछे विज्ञान की व्याख्या करता है और इसे अपने उपकरण पर कैसे लागू किया जाए। इस लेख में रिक्ति प्रभाव, इंटरलीविंग और कौशल अधिग्रहण में फीडबैक लूप्स के महत्व को शामिल किया गया है।
  • तकनीकी विकास में संगीत की भूमिका: A Researchview] – तकनीकी ड्रिल में संगीत लक्ष्यों को कैसे एकीकृत करने पर एक अकादमिक परिप्रेक्ष्य सीखने में तेजी लाती है (जेएसटीओआर के माध्यम से उपलब्ध)।
  • IYER Music: Musical Phrasing Basics - गतिशीलता और बारीकियों के साथ वाक्यांशों को आकार देने के लिए एक गाइड, उदाहरण के साथ सभी पवन उपकरणों पर लागू होता है।
  • ]]] – विश्व स्तरीय तुरही खिलाड़ियों से सुविधाओं के मास्टरक्लास और प्रदर्शन, वास्तविक प्रतिवर्त में तकनीक और संगीत के एकीकरण का प्रदर्शन किया।
  • Horn Matters] – अभ्यास रणनीतियों, embouchure यांत्रिकी, और संगीत व्याख्या पर लेख के साथ सींग खिलाड़ियों के लिए एक व्यापक संसाधन।
  • ]Trombone.org – अभ्यास विधियों, उपकरणों और ट्रॉम्बोनिस्टों के लिए संगीत विकास पर लेखों के साथ एक सामुदायिक संसाधन।

अंतिम विचार

सबसे अच्छा पीतल खिलाड़ी अकेले सही तकनीक वाले नहीं हैं, न ही केवल कच्चे भावनाओं वाले। वे संगीतकार हैं जिन्होंने अपनी तकनीकी सुविधा को अदृश्य होने की अनुमति देने के लिए सीखा है, ताकि उनकी संगीतमयता चमक सके। हर अभ्यास सत्र इन दो दुनिया को पुल करने का अवसर है। ड्रिल के साथ शुरू करें, लेकिन हमेशा पूछो: मैं इस ध्वनि को सुंदर कैसे बना सकता हूं? उस सवाल को व्यक्त करने वाले इरादे के साथ तकनीकी परिशुद्धता बुनाई करके, आप एक अभ्यास दिनचर्या बनाते हैं जो न केवल प्रभावी बल्कि गहराई से पूरा हो रहा है। अंत में, आपके दर्शकों को होंठ स्लर्स या स्केल को याद नहीं होगा - वे आपके द्वारा किए गए संगीत को याद करेंगे।

यात्रा ड्रिल को नष्ट करने या विशेष रूप से संगीत प्रेरणा का पीछा करने के बारे में नहीं है। यह उन्हें पूरी तरह से एकीकृत करने के बारे में है कि अब आप उनके बारे में अलग-अलग नहीं सोचते हैं। जब आप उस चरण तक पहुंचते हैं, तो हर ध्यान में आप जिस इरादे का वजन और महारत की स्वतंत्रता रखते हैं। यही लक्ष्य है। यही कारण है कि एक पीतल के खिलाड़ी को संगीतकार में बनाता है। और यह अनुशासन और दिल दोनों के साथ अभ्यास करने के इच्छुक किसी भी व्यक्ति के लिए उपलब्ध है।