Pourquoi collaborer avec les compositeurs compte pour les joueurs de laiton

Pour les joueurs de cuivre, le canon du répertoire standard est relativement petit par rapport aux cordes ou au piano. Alors que les œuvres de Hindemith, les Extraits Orchestrals de Wagner et Strauss, et les pièces solos d'Eugène Bozza et Paul Hindemith font partie de la colonne vertébrale en laiton, le répertoire contemporain est encore en cours d'écriture. Chaque collaboration avec un compositeur vivant a le potentiel de produire une pièce qui devient une pièce de base pour les générations futures. De plus, travailler directement avec un compositeur vous force à passer au-delà de l'interprétation et à la création.

Ce changement d'état d'esprit peut transformer votre approche de la pratique et de la performance. Lorsque vous vous êtes assis dans une pièce avec un compositeur, en discutant pourquoi une certaine articulation fonctionne ou pourquoi un passage se sent maladroit, vous développez une compréhension plus approfondie du fonctionnement de l'écriture en laiton.

Début de la conversation : trouver des compositeurs pour travailler avec

Avant de pouvoir collaborer, vous avez besoin d'un compositeur. Beaucoup de joueurs de cuivre supposent que la mise en service d'une nouvelle pièce n'est que pour des solistes de premier plan avec financement. En réalité, des opportunités existent à tous les niveaux. Nouvelle musique USA les réseaux sociaux, et même les groupes de médias sociaux dédiés à la musique classique contemporaine peuvent vous mettre en contact avec des partenaires volontaires.

En vous approchant d'un compositeur, soyez clair sur ce que vous offrez. Vous recherchez une courte étude pour améliorer vos propres compétences, une pièce pour un récital ou un concerto complet pour la performance avec un ensemble? Les compositeurs apprécient la spécificité car elle les aide à comprendre la portée du projet. Mentionnez votre instrument, votre niveau de compétence approximatif, et toutes les préférences stylistiques que vous avez. Si vous êtes un joueur avancé qui aime les défis techniques, dites-le.

Si vous préférez lyrique, l'écriture tonale, communiquez-le aussi. Plus le compositeur comprend votre jeu, plus la collaboration sera réussie.

Les premières étapes : construire un mémoire créatif

Une fois que vous avez trouvé un compositeur et que vous avez accepté de travailler ensemble, la prochaine étape consiste à créer un mémoire créatif. Ce document n'a pas besoin d'être formel ou long, mais il devrait décrire les paramètres de la pièce. Inclure les éléments suivants:

  • Instrumentation: Précisez si la pièce est en solo, en duo ou pour un ensemble de cuivres. Si elle est avec piano, examinez si la partie de piano doit être réduite pour les besoins de répétition.
  • Durée: Une longueur cible claire aide le compositeur à structurer la pièce. Si vous avez besoin d'une pièce de cinq minutes pour une compétition, dites-le. Si vous construisez un programme de récital complet, vous pourriez vouloir quelque chose dans la gamme 10-15 minutes.
  • Style et influences: Donnez des exemples de pièces que vous admirez. Partagez des enregistrements de cuivres que vous aimez, ou décrivez la qualité émotionnelle que vous recherchez – lyrique, dramatique, ludique, méditative.
  • Considérations techniques: Soyez honnête sur vos limites. Si vous êtes mal à l'aise avec l'altissimo registre, dites-le dès le départ. Si vous n'avez jamais effectué de multiphonie, mentionnez que vous êtes prêt à apprendre mais besoin de temps.
  • Délais et budget: Pour les collaborations professionnelles, convenir d'un calendrier qui comprend les soumissions provisoires, les périodes de révision et la date finale de la performance. Si le compositeur facture des frais de commission, régler qu'avant toute note est écrite.

Créer un brief ne freine pas la créativité, il fournit un contenant dans lequel le compositeur peut travailler librement. Avoir des garde-corps signifie moins d'efforts gaspillés et une pièce qui correspond à vos besoins.

Plonger profondément dans l'étude de notation et de notation

Une fois que le compositeur commence à écrire, demandez un brouillon le plus tôt possible. N'attendez pas une version finale polie. La lecture de la pièce en cours vous permet de faire des commentaires quand il est plus facile d'incorporer. Lorsque vous regardez d'abord un brouillon, concentrez-vous sur le grand tableau plutôt que sur de petits détails.

Faites attention à la notation. Les compositeurs contemporains utilisent parfois des symboles non conventionnels qui ne font pas partie de la littérature en laiton standard. Par exemple, vous pouvez voir une notation pour "rip" (une diapositive rapide, non-piquée), "smaire" (une glissando à moitié-valve), ou "doit" (une note qui se penche vers le haut à la fin). Si vous ne savez pas ce qu'un symbole signifie, demandez. Oxford Music en ligne La base de données offre des conseils sur la notation moderne, mais rien ne remplace la communication directe avec le compositeur.

La notation précise tôt empêche la confusion pendant les répétitions et assure que l'effet prévu est réalisé.

Le compositeur utilise-t-il des marques de tenuto pour désigner un léger accent ou une durée complète? Les trilles sont-ils marqués d'incisions? Ces subtilités comptent en performance et devraient être normalisées avant la gravure finale.

Travailler ensemble à travers les défis techniques

Un piège commun dans les collaborations compositeur-brassiste est que le compositeur écrit quelque chose qui semble bien sur la page mais est peu pratique à jouer. Les instruments en laiton ont des exigences physiques uniques : fatigue des lèvres, gestion de l'air et la réalité mécanique des vannes et des diapositives. Une ligne qui se déplace dans le mouvement progressif peut être simple, mais une série de grands sauts dans le registre supérieur peut être épuisante. Ne présumez pas que le compositeur connaît ces contraintes.

Registre et endurance

Si la pièce place des passages prolongés dans le haut registre, en particulier pour trompette ou corne, discuter comment gérer la fatigue. Suggérer briser la ligne avec des repos, ou déplacer certains passages vers le bas d'une octave avec une instruction de jouer "col 8va" lorsque l'énergie le permet. Inversement, le registre extrême bas sur tuba ou trombone basse nécessite également un soutien aérien important; les notes longues soutenues dans le registre de pédale doivent être équilibrées avec des possibilités de respirer.

Articulations rapides et travaux de vanne

Les instruments en laiton ne sont pas des pianos, des notes rapidement répétées nécessitent une articulation qui peut être taxée sur la langue. Pour les passages marqués staccato à un tempo très rapide, envisager de demander au compositeur d'écrire des groupes luxurés ou de réduire le nombre de notes répétées. De même, les passages qui nécessitent des changements constants de valve, en particulier sur la corne française (où les parties sont plus rapprochées à des emplacements élevés), peuvent causer des fissures ou des notes manquées.

Technique de diapositive sur trombone

Pour les trombonistes, les changements de position sont un facteur important. Une ligne qui saute de première à septième position et qui revient à un rythme rapide est rarement fiable. Le compositeur peut ne pas le réaliser. Montrez-leur les positions de la diapositive et suggérez des modifications – peut-être déplacer une note vers une position alternative ou réécrire la ligne pour rester dans une gamme de diapositives plus petite.

Extension de la palette en laiton : Techniques étendues

L'écriture moderne en laiton intègre souvent des techniques étendues. Bien que certains joueurs évitent ces méthodes, elles peuvent être incroyablement expressives lorsqu'elles sont utilisées bien. Les techniques étendues courantes comprennent la multiphonie (chantage en jouant pour produire des accords), le tongue flutter, le grognement, les effets à demi-valve, les clics clés, les sons d'air et les virages de terrain.

Démonstration des techniques

Ne vous attendez pas à ce qu'un compositeur sache comment la multiphonie fonctionne sur une trompette contre un trombone. Enregistrez de courts exemples des techniques que vous pouvez produire et partager. Expliquez le niveau de difficulté : le tongue flutter est relativement facile à la dynamique modérée, mais devient difficile à des extrêmes très doux ou très bruyants. Les tons quarts sont possibles sur la plupart des instruments en laiton, mais nécessitent une formation attentive et peuvent ne pas être parfaitement cohérents dans tous les registres.

Normes de notation

Par exemple, les techniques étendues doivent être notées avec une tête de note en forme de diamant pour le pas chanté, ou avec une portée séparée. La tongue de flutter est généralement indiquée avec trois slashes à travers la tige ou un marquage "flt z". JW Pepper blog sur les techniques étendues de laiton fournit un excellent point de départ pour la notation standard.

Répétitions qui construisent la pièce

Les répétitions pendant le processus de composition sont fondamentalement différentes des répétitions d'une pièce existante. Il n'y a pas de version « correcte » – vous co-créez le produit final. Approchez ces séances avec ouverture et un esprit d'exploration.

La première lecture

Lorsque vous voyez un brouillon, ne vous inquiétez pas de la perfection. L'objectif est d'entendre comment la pièce sonne en temps réel. Enregistrez la session et marquez la partition avec des commentaires après. Notez où vous avez lutté, où le flux musical a été interrompu, et où vous avez senti que la pièce est venue en vie. Partagez ces observations avec le compositeur, mais évitez d'être trop critique.

Raffinement itératif

Attendez-vous à plusieurs tours de révisions. Le compositeur peut changer des notes, des rythmes, des dynamiques, voire des sections entières en fonction de vos commentaires. Soyez patient. Certaines des meilleures pièces passent par cinq ou six brouillons avant de se sentir bien. Pendant ce processus, gardez l'humeur collaborative et positive.

Compliment ce qui fonctionne. Si un passage se sent particulièrement idiomatique ou beau, dites-le.

Enregistrement de l'évolution

Documentez votre collaboration en gardant des enregistrements de chaque brouillon. Ces enregistrements sont précieux pour le portfolio du compositeur, mais ils servent aussi de document de l'évolution de la pièce. Si jamais vous donnez des masterclasss ou enseignez la pièce, vous pouvez partager le processus avec les étudiants, montrant comment une composition se développe par la collaboration.

Se préparer pour la première et au-delà

La première est l'aboutissement public de votre collaboration, mais elle ne devrait pas être la fin. Utilisez la première comme occasion de créer de l'élan pour la pièce. Écrivez des notes de programme qui racontent l'histoire de la collaboration – les auditeurs adorent entendre parler du processus créatif.

Enregistrement et promotion

Un enregistrement de haute qualité est essentiel pour la longévité de la pièce. Il permet au compositeur de soumettre l'œuvre à des concours, festivals et éditeurs. Il permet également aux autres joueurs de cuivre d'entendre la pièce et de la considérer pour leurs propres répertoires. Si vous le pouvez, faire un enregistrement professionnel en studio. Si cela n'est pas possible, un enregistrement en direct bien produit de la première peut encore être utile.

Enseignement et réalisation

Une fois la pièce publiée, enseignez-la à vos élèves. Inclure-la dans les récitals, les programmes d'audition et les masterclasses. Plus une pièce est jouée, plus elle est susceptible de faire partie du répertoire standard. Vous pourriez même écrire une édition avec des doigts suggérés, des positions de diapositives et des taches de respiration, ce qui facilite la tâche pour les futurs interprètes.

Enfin, restez en contact avec le compositeur. De nombreuses collaborations mènent à de multiples commandes. Si la première pièce a été réussie, discutez d'un suivi. L'établissement d'une relation à long terme avec un compositeur vous permet de développer un corpus d'œuvres qui est unique à votre voix. Pensez aux compositeurs comme collègues, pas seulement fournisseurs de services.

Les meilleures relations musicales sont des amitiés, basées sur le respect mutuel et un amour partagé pour la forme artistique.

Conseils pratiques pour différents instruments en laiton

Bien que bon nombre des principes susmentionnés s'appliquent de manière générale, chaque instrument de laiton a des considérations uniques qui méritent d'être prises en considération.

Trompette

Le son brillant et perçant de la trompette le rend idéal pour les lignes mélodiques et les fanfares, mais il expose aussi les problèmes d'intonation et d'articulation. Les compositeurs écrivent souvent pour la trompette dans le grand registre, ne sachant pas que le jeu prolongé au-dessus du haut C peut causer la fatigue des lèvres et le risque de blessure. Encouragez le compositeur à écrire avec variété – alternant les passages élevés avec du matériel plus bas et plus soutenu.

Corne française

La corne est connue pour son intonation imprévisible et la difficulté de jouer des notes arrêtées. Les compositeurs peuvent écrire des passages de corne arrêtés sans comprendre qu'ils abaisseront considérablement le pas et nécessiteront différents doigtages. Si la pièce utilise la corne arrêtée, assurez-vous que le compositeur écrit les emplacements de sonorisation réels ou fournit un graphique de doigtage.

Trombone

L'écriture du trombone implique des positions de diapositives, moins intuitives que les vannes. De larges sauts qui nécessitent des changements de position rapides peuvent être peu fiables, surtout dans le registre inférieur. Les compositeurs écrivent parfois du glissandi sans réaliser qu'un vrai glissando n'est possible qu'entre les positions adjacentes. Clarifier la différence entre un glissando (qui se déplace entre les positions) et un portamento (qui se penche en position).

Tuba

La gamme du tuba s'étend dans le registre des pédales, qui exige un support d'air massif. Les pédales longues et soutenues sont épuisantes et doivent être entrecoupées de pauses respiratoires. Les compositeurs écrivent souvent des pièces de tuba qui sont rythmiques simples, mais l'instrument est capable de lignes agiles et virtuoses. Si vous êtes un joueur avancé, poussez le compositeur à écrire des matériaux techniquement exigeants. Le son du tuba se marie bien avec d'autres instruments, de sorte qu'il peut aussi fonctionner comme une fondation harmonique dans les œuvres d'ensemble.

Pour tous les instruments en laiton, rappelez-vous que l'acoustique est importante. Une pièce qui sonne parfaite dans une salle de pratique peut être complètement différente dans une salle de concert. Si possible, programmez une répétition dans le lieu de la représentation avant la première pour vérifier l'équilibre et la projection.

Pensées finales : Les récompenses de la co-création

Collaborer avec des compositeurs est l'une des expériences les plus épanouissantes que peut vivre un joueur de cuivre. Il vous pousse à grandir techniquement, musicalement et interprétativement. Vous développez une appréciation plus profonde de l'artisanat de la composition et des défis auxquels les compositeurs font face. Et vous vous retrouvez avec un morceau de musique qui est unique à vous – un morceau que personne d'autre n'a joué exactement de la même manière.

Traitez chaque collaboration comme une opportunité d'apprentissage. Même si la pièce ne devient jamais une norme, le processus vous fera un meilleur musicien. Vous apprendrez à communiquer plus efficacement, à écouter plus attentivement et à faire confiance à vos instincts. Les relations que vous construisez avec les compositeurs enrichiront votre carrière pour les années à venir.

Prenez donc votre instrument, trouvez un compositeur qui vous excite et commencez une conversation. La prochaine grande œuvre de cuivre pourrait attendre d'être écrite – avec vous comme premier interprète.