Miks enamik mängijaid on vales tasakaalus

Kõnni muusikakoolis ükskõik millisesse harjutusruumi ja kuuled ettearvatavat mustrit: täismahus kaalud, mehaaniliselt korduvad huuled ja sama tehniline etüüd hakkab lõppema ilma ühegi pausita, et fraseerimist kaaluda. See on paljude puhkpillimängijate jaoks vaikimisi režiim, mis annab ennustatava tulemuse – tehniliselt adekvaatne mängimine, mis jätab publiku liikumata. Probleem ei ole selles, et tehnilised harjutused on kasutud. Probleem on selles, et need domineerivad harjutamise aega muusikalise arengu arvelt, tekitades lõhet selle vahel, mida sõrmed ja huuled suudavad teha ning mida kõrvad ja süda soovivad väljendada.

Orkestrite, džässansamblite ja stuudioseadete kõige edukamad puhkpillimängijad ei mõtle tehnikast ja musikaalsusest eraldi kategooriatena. Nad on ühenduse nii sügavalt sisse lülitanud, et iga tehniline harjutus muutub muusikaliseks žestiks ja iga muusikaline fraas tugevdab tehnilist kontrolli. See integratsioon ei ole sinu sünnipärane talent. See on oskus, mida sa saad luua läbi tahtliku praktika kujundamise. See artikkel annab üksikasjaliku raamistiku selle lõimimiseks oma igapäevaellu, olgu sa siis keskkooliõpilane, kes valmistub proovies või professionaal, kes soovib oma lähenemist värskendada.

Tehniliste tööde rolli mõistmine

Tehnilised harjutused moodustavad puhkpillimängija arengu selgroo. Need on suunatud konkreetsetele oskustele, nagu näiteks kehahoid, hingamise tugi, sõrmede kiirus ja liigenduse selgus. Sellised harjutused nagu pikad toonid, skaalamustrid, huulte lüües ja keeleharjutused ei ole lihtsalt soojendused – need on toormaterjal, millest on ehitatud ekspressiivne mängimine. Nende põhialuste valdamine võimaldab hõlpsasti teostada keerulisi lõike, jättes vaimse ribalaiuse tõlgendamis- ja emotsionaalseks edastuseks vabaks.

Kuid tehniline praktika peab olema tahtlik. Mõistmatu kordamine võib kinnistada halbu harjumusi. Selle asemel lähene igale harjutusele keskendunult: sea seansile selge eesmärk, jälgi oma helikvaliteeti ja suurendab järk-järgult raskusi. See ongi ] sihilik praktika ] – kontseptsioon, mida on laialdaselt uuritud oskuste omandamise uurimisel. Messimängijate jaoks tähendab see, et kriitiliselt hinnatakse iga nooti, mida mängitakse, mitte lihtsalt mustrite läbijooksmist. Aja jooksul loob selline distsipliin usaldusväärse lihasmälu, mis on muusikalise väljenduse stabiilne platvorm.

Kaalutletud harjutamisel on ka neuroloogiline põhjus. Kui teed keskendunud tähelepanuga tehnilise harjutuse – kuulad iga rünnaku kvaliteeti, tunned õhukiirust, korrigeerid oma ründekindlust reaalajas – tugevdad närviradasid, mis kontrollivad peenmotoorset koordinatsiooni. Seda nimetatakse müelinatsiooniks, protsessiks, mille käigus närvikiud isoleeritakse, et suurendada signaali kiirust ja täpsust. Iga fokuseeritud kordus ehitab selle isolatsiooni. Iga häiritud kordus ei tee peaaegu midagi. Seetõttu annab viisteist minutit kontsentreeritud tehnilist tööd rohkem edu kui tund autopiloodi harjutamist.

Ülerõhutamise tehnika oht

Kui tehnika muutub ainsaks fookuseks, võib mäng muutuda mehaaniliseks. Sa võid tabada iga nooti, kuid ei suuda suhelda. Publik kuuleb küll täpsust, kuid ei tunne midagi. Paljud puhkpillimängijad satuvad sellesse lõksu juba algusaastatel, puurides tunde kaalusid ja arpeggiosid, küsimata, kuidas neid muusikaks kujundada. Tulemuseks on paradoks: mida tehniliselt turvalisemaks sa muutud, seda enam võib mängimine kõlada steriilselt, kui sa kunstilist poolt eiraks jääd. Seepärast on tasakaal algusest peale hädavajalik.

Teine oht on ] muusikalisest tühjusest põhjustatud tehnilised platood [ . Kui harjutad ainult harjutusi, liigitab aju need puhtalt mehaanilisteks ülesanneteks. Kuude ja aastate jooksul võib see tekitada vaimse eraldatuse, kus tehnika ja väljendus elavad erinevates sektsioonides. Kui proovid seejärel ekspressiivselt mängida, siis tunned, et su tehnilised harjumused on sinu muusikalistest kavatsustest lahti ühendatud. Võiksid üle korrekteerida kunstlike vibrato või sunnitud dünaamiliste muutuste lisamisega, mis kõlavad ebaveenvalt. Lahenduseks ei ole tehnilise töö kõrvaldamine, vaid muusikalise kavatsusega sisestamine soojenduse esimesest noodist.

Miks muusika on praktikas oluline

Muusikalisus on esituse hing. See hõlmab fraseerimist, dünaamilist nüanssi, vibratot, liigenduslikku mitmekesisust ja peenet ajastust, mis paneb joone hingama. Ilma selleta on etendus lihtsalt rida õigeid noote. Muusikalisus muudab tehnika kunstiks – see paneb kuulajad sisse torkama, tunnetama emotsioone ja mäletama hetke.

Ometi käsitletakse muusikalisust sageli eraldi "kihina", mis lisatakse pärast tehnika õppimist. See on viga. Muusikalisus peaks olema põimitud igasse harjutusse, isegi kõige elementaarsemate harjutuste ajal. Skaala mängimine crescendo ja decrescendoga, erinevate vibratolaiustega eksperimenteerimine või liigendusmustri muutmine muudab tehnilise harjutuse miniatuurseks ekspressiooniks. See lähenemine loob pigem kuulamise ja heli kujundamise harjumuse kui lihtsalt heli tekitamise.

Mõelge, kuidas mineviku suured messingist mängijad oma käsitööle lähenesid. Üle viie aastakümne Chicago sümfoonia peaspasme Adolph Herseth oli tuntud pikkade toonide harjutamise poolest, mitte kui staatilisi vastupidavusharjutusi, vaid kui võimalusi täpsustada seda, mida ta nimetas "heli keskmeks" – resonantsi tuum, mis annab igale noodile jõudu ja ilu. Ta käsitles iga püsivat nooti kui võimalust kujundada tooni värvi ja intonatsiooni. See mõtteviis on tehniku ja kunstniku erinevus.

Aktiivse kuulamise roll

Muusikalisuse arendamiseks peab sinust saama aktiivne kuulaja. See tähendab, et sa pead mängima teadlikult omaenda heli analüüsima – mitte ainult kuuldes, kas tabad õigeid noote, vaid hinnates tooni värvi, intonatsiooni, fraseerimiskuju ja emotsionaalset mõju. Enda salvestamine on üks võimsamaid vahendeid. Mängi tagasi lõik ja küsi: ] Kas see fraas laulab? ] Kas dünaamiline kuju on selge? [ [ ] Kas minu artikulatsioonid sobivad muusikalise iseloomuga? [[[ FLT:5]] Üle aja teravdavad sinu intuitiivseid muusikalisi otsuseid.

Üks konkreetne tehnika on võrdlev salvestamine [[ FLT:1]]. Salvesta lühike fraas oma repertuaarist ja salvesta kohe, püüdes jäljendada sama lõigu professionaalset salvestust. Võrdle neid kahte. Sa märkad erinevusi ajas, dünaamilises kujundamises ja liigenduses, mida mängimise ajal on peaaegu võimatu kuulda. See lõhe sinu kavatsuse ja teostuse vahel on koht, kus toimub kasv. Sulge see lõhefraas fraasi võrra ja su muusikalisus areneb kiiremini kui mis tahes abstraktse harjutuse kaudu.

Tehnikapuuride ja muusikalisuse tasakaalustamise strateegiad

Tehnika ja musikaalsuse integreerimine ei nõua sinu praktikarutiini täielikku uuendamist – see algab väikeste mõtteviisi ja harjumuse muutustega. Allpool on toodud laiendatud strateegiad, mida saab kohandada mis tahes messingist instrumendile, ning konkreetsed näited trompeti, sarve, trombooni ja tuuba kohta, kui see on asjakohane.

1. Soojendage muusikaliste pikkade toonidega

Pikad toonid on puhkpillisoojendustele standardne, kuid neid käsitletakse harva muusikaliselt. Selle asemel, et lihtsalt hoida nooti kindla aja jooksul, katseta dünaamilisi kontuure. Käivita pianissimo, crescendo fortissimo' le, seejärel Decrescendo tagasi. Muuda tooni värvi: proovi hele, fokuseeritud, siis tume, kaetud. Lisa vibrato erinevatel kiirustel. Pöörates pikki toone minihelilisteks, arendad nii hingamise kontrolli kui ka ekspressiivset paindlikkust.

Trompetimängijate puhul proovi seda keskmisel G- l ja seejärel kõrgel C- l, märkides, kuidas mõjutavad registris kasutatavad rebendid sinu võimet dünaamikat kujundada. Sarvemängijate jaoks on pikad toonid eriti tõhusad toonide värvimuutuste harjutamiseks. Trombonistide jaoks aitavad pikad toonid igal slaidipositsioonil luua kooskõla instrumendi loomuliku ebaühtlase reaktsiooniga. Tubamängijate jaoks keskendu hingamise juhtimisele: mida suurem on instrument, seda kriitilisem on õhukiiruse reguleerimine dünaamiliste muutuste kaudu.

2. Kuju skaalad ja arpeggios nagu meloodiad

Skaala ei ole lihtsalt nootide muster, vaid joon, mis võib emotsioonidega tõusta ja langeda. Harjuta selge fraasi kaarega skaalasid: alusta pehmelt, ehita tipus haripunktini ja koonerda tagasi. Kasuta erinevaid liigendusi: legato, staccato, marcato. Rütm on erinev. See treenib kõrva kuulma skaalasid pigem muusikaliste ehitusplokkide kui mehaaniliste harjutustena. Samuti valmistab see ette nende kujundite rakendamist reaalses repertuaaris.

Konkreetne meetod on võtta üks skaala ja mängida seda kolm korda: esmalt rahuliku voolava joonena (mõelda aeglasele ballaadile), siis energilise rütmilise mustrina (mõelda džässsoolojoonele), siis dramaatilise, intensiivse avaldusena (mõeldakse fännimängule). Iga tegelane nõuab erinevat hingamistuge, reputatsioonikindlust ja liigendust. Pärast seda, kui oled nädal aega teinud, märkad, et kaalud ei tundu enam puuridena – nad tunnevad end vormimist ootava toormuusikana.

3. Alternatiivne tehniline ja repertuaari segment

Tasakaalustatud harjutusseanss klapib puhta tehnika ja rakendusmuusika vahel. Näiteks, kui sujuvatele üleminekutele on keskendutud 10 minutit, veeda 10 minutit aktiivsest teosest ekspressiivse lüürilise lõigu peale. Kontrast hoiab aju hõivatud ja hoiab ära monotoonsuse, mis võib viia läbipõlemiseni. Samuti tugevdab see puuri ja kunsti vahelist seost: hakkad kuulma, kuidas huulte lüüsid annavad märku soolo kiireks läbimiseks vajalikust paindlikkusest.

Üks tõhus struktuur on ]võileivameetod ]: alustage tehnilisest harjutusest, mis on suunatud konkreetsele nõrkusele (nt ülemises registris loiud intervallid), seejärel mängige repertuaari, mis kasutab seda sama oskust, seejärel pöörduge tagasi harjutusele värske teadlikkusega sellest, kuidas see muusikaliselt rakendub. See puuri-rakendus-rafineerimise silmus kiirendab õppimist, sest see hoiab oskuse kontekstiliselt maandatud.

4. Salvestuste kasutamine mudelina

Professionaalsed puhkpillimängijad on juba lahendanud paljud sinu ees seisvad muusikalised ja tehnilised väljakutsed. Kuula sama teose mitut salvestust. Pane tähele, kuidas erinevad artistid sama rida sõnastavad, kus nad hingavad, kuidas nad dünaamikat muudavad ja kuidas nad vibratot kasutavad. Proovi neid valikuid oma praktikas imiteerida – mitte kopeerida täpselt, vaid sisestada ] võimaluste vahemik . See harjutus teravdab sinu muusikalist sõnavara ja aitab sul oma häält arendada.

Noorematele mängijatele on kasulik lähenemine ] kõne ja vastus salvestustega . Esitage salvestusest fraas (kasutades selle selgeks kuulmiseks kõrvaklappe), peatage salvestus ja mängige seda fraasi ise, püüdes leida fraasi, dünaamikat ja ajastust. Korrake seda viis korda ühe fraasi jaoks. Pärast nädala pikkust harjutamist õpetatakse kõrva kuulma nüansse, millest varem mööda olete jäänud, ja teie mäng hakkab seda teadmist peegeldama.

5. Seadke igale segmendile konkreetsed eesmärgid

Ebamäärane praktika viib ebamäärase progressini. "Tehnoloogia kallal töötamise" asemel otsusta: "Järgmise 15 minuti jooksul parandan oma topeltkeele selgust veerandmärkuses = 120." Siis seadke pärast tehnilist blokeerimist muusikaline eesmärk: "Järgmise 15 minuti jooksul kujundan oma etüüdi B-osa kolme erineva dünaamilise tasemega ja selge crescendo kõrgesse noodisse. Konkreetsed eesmärgid hoiavad teid vastutavana ja muudavad paranemise märkamise lihtsamaks.

Kasulik raamistik on SMART-eesmärgid praktikas [FLT: 1]]: konkreetsed (mida täpselt sa parandad?), mõõdetavad (kuidas sa tead, et see paraneb?), saavutatavad (kas tempo või ulatus on realistlik?), asjakohased (kas see on seotud teie repertuaariga?) ja ajaline (mitu minutit kulutad?).

6. Registreeri ja peegelda regulaarselt

Salvestamine on puhkpillimängija peegel. Sama lühikese läbilõike iganädalased salvestused võimaldavad jälgida ajas toimuvaid muutusi. Kuula nii tehnilist täpsust kui ka muusikalist väljendust. Küsi endalt: kas rütm on täpne? Kas fraas hingab loomulikult? Kas minu artikulatsioonid toetavad muusikalist iseloomu? Kasuta neid peegeldusi, et otsustada, millele keskenduda. Kuude jooksul ehitab see harjumus eneseteadvust, mida vähesed muusikud ilma selleta arendavad.

Harjumuse kinnipanemiseks vali üks etüüd või väljavõte ja salvesta see iga pühapäev kuu aega. Ära salvesta seda mitu korda – salvesta sellest päevast alates oma ausat mängimist. Kuula üks kord, pane kirja kolm asja, mida parandada, ja salvesta salvesta. Nelja nädala pärast kuula kõiki nelja salvestust järjest. Edusammud on nähtavad ja mis veelgi tähtsam, näed, millised praktikastrateegiad on kõige rohkem paremaks osutunud. Seda andmepõhist praktikat kasutavad igas valdkonnas tipptegijad.

7. vaimne praktika ja visualiseerimine

Vaimne praktika on puhkpillimängijate jaoks üks alakasutatumaid vahendeid. Kui visualiseerida ennast täiusliku tehnika ja väljendusrikka fraasiga läbipääsu mängides, aktiveerid paljud samad närvirajad nagu füüsiline praktika. See on eriti kasulik tehnika ja musikaalsuse integreerimisel, sest lause tunnet saab vaimselt harjutada ilma korduvate kõrgete nootide või kiirete lõikude füüsilise pingeta.

Veeda viis minutit enne iga harjutusseanssi, et näha oma soojendust. Kujuta ette, kui tunnetad täisväärtuslikku, toetatud hingamist. Kujuta ette, et su embušüür moodustab esimese noodi. Kuula oma meeles just seda heli, mida soovid. Seejärel võta oma instrument ja püüa sellele meelelisele helile vastu tulla. See harjutamise eelne visualiseerimine seab sinu neuromuskulaarse süsteemi fookusega tööle ja seab muusikalise standardi enne, kui sa mängid ühe noodi.

8. Instrumentidepõhised kaalutlused

Kuigi tasakaalu põhimõtted kehtivad kõigi messingist instrumentide suhtes, on igal vahendil ainulaadsed väljakutsed, mis nõuavad kohandatud lähenemisviise:

  • Trumpet: Ülemine register on sageli koht, kus tehnika musikaalsuse ületab. Kõrgeid lõike harjutades keskendu pigem laulutooni kvaliteedi säilitamisele kui väljaku sundimisele. Kasuta ülemises registris pehmet dünaamikat, et sundida tõhusat hingamist toetama. Tavaline harjutus on mängida pianissimos kuulsate orkestrilõikude (nagu Mahler 5 või Petrouchka avamine) kõrgeid sissepääse, säilitades samal ajal fraasikuju.
  • ]Prantsuse sarvemängijad seisavad silmitsi ainulaadsete väljakutsetega, mis on seotud käe asendi, ülevõtmise ja pilli loomuliku kalduvusega kaetud toonile.Praktika kaalud, mis hõlmavad tahtlikuid käsitsi peatamist ja dünaamilist vormimist.Töö tooni värvi sobitamiseks kogu harmoonilise seeria ulatuses - tehniline oskus, mis mõjutab otseselt Straussi või Beethoveni lõikudes muusikalist fraseerimist.
  • Tromboon: ] Slaidtäpsus on domineeriv tehniline väljakutse ja see võib harjutamise ajas kergesti domineerida. Musikaalsuse integreerimiseks harjuta slaidtehnika harjutusi, mille all on droonikõrgus. See sunnib sind enne saabumist märkmeid kuulma, ehitades samaaegselt nii intonatsiooni kui ka sõnastamisteadlikkust. Samuti harjutage minimaalse slaidimüraga legatofraase, käsitledes iga glissandot pigem muusikalise ühenduse kui mehaanilise käiguna.
  • Tuba: Tuuba suur suurus muudab hinge juhtimise keskseks tehniliseks oskuseks. Harjuta kontrolli saavutamiseks pikki toonisid, millel on äärmuslikud dünaamilised vahemikud (ppp kuni fff). Musikaalsuse puhul keskendu madalate fraaside suunale – paljud tuubimängijad eiravad helikõrguse ja dünaamika peent tõusu ja langust, mis paneb bassijooned laulma. Kuula suurepäraseid džässsbasiste meloodilise fraasi mudelite jaoks madalal instrumendil.

Sügavama proovi võtmise rutiin

Allpool on toodud laiendatud 90- minutiline harjutamisrutiin, mis süstemaatiliselt ühendab tehnilised harjutused musikaalsusega. Ajad saab kohandada vastavalt oma vajadustele ja olemasolevale ajakavale. Seda saab tihendada 60 minutiks, lühendades iga segmenti või laiendades seda 120 minutile, lisades teise repertuaariploki.

  1. ] Soojusüles (10 minutit): [ ] Alustage aeglast, sügavat hingamist instrumendist eemal (sissehingata 4 arvu, hoida 4 väljahingamist 8- le). Seejärel sooritage mugaval noodil pikad toonid (nt keskmine C trompetil, F sarvel, Bb tromboonil). Mängige iga nooti 8 korda aeglase tempoga, muutudes dünaamikat ppp- st fff- ni ja tagasi. Katsetage vibratokiirust ja laiust. Keskenduge resonandile, keske toonile. Iga pika tooni viimasel noodil hoidke seda alles ja kuulake oma instrumendi loomulikku – see on teie jaoks optimaalne eesmärk.
  2. Paindlikkus Puurid (10 minutit): Lipud või klapid, mis sihivad sujuvaid üleminekuid. Mängi neid metronoomiga, alustades aeglaselt ja suurendades tempot järk-järgult. Isegi siin kujunda harjutus: lisage kõrgematele nootidele väike crescendo ja laskuvale diminuendo. Tromponistidel harjutage legato- lüüsi droonikõrgusega slaidide kohal. Trompeti- ja sarvemängijatel keskenduge iga ületoonjärjestuse loomuliku harmoonilise seeria läbimisele.
  3. Scale and Arpeggio Work (15 minutit): ] Mängi üks suur ja üks väike skaala, millel on erinevad liigendusmustrid (nt legato, staccato, kaks loksutavat/ kaks keelt). Seejärel rakenda muusikafraasi: käsitle skaalat selge haripunktiga meloodiana. Salvesta ennast ja kohanda. Seejärel mängi iga skaala arpeggio katkise akordina, kujundades seda nagu fanfaari või lüürilist joont. See loob harjumuse kuulda harmooniat tehnilistes mustrites.
  4. Tehniline fookusplokk (15 minutit): [ ] Keskendu konkreetsele väljakutsele (nt intervallhüpped, kiire keelekasutus, kõrgregister). Kasuta mustreid meetodiraamatutest (Arban, Schlossberg, Kopprasch, Rochut), kuid pea meeles muusikalist kavatsust. Näiteks trompetil intervallihüppe harjutades kujunda iga intervall minifraasiks. Kiirete liugide muutustega töötavate trombonistide jaoks harjutage läbipääsu rütmilise variatsiooniga, mis sunnib sujuvaid ühendusi. Võti on hoida kõrvad kinni, mitte ainult sõrmed.
  5. Lüüriline repertuaar (20 minutit): [ ] Vali aeglane tükk või etüüt. Kuluta 10 minutit ainult fraasi peale: märgi hingetõmbed, dünaamika ja iga fraasi suund. Kasuta pliiatsit, et tõmmata fraasi kaared üle personali. Seejärel veeda 10 minutit mängides, et edastada emotsionaalne sisu. Salvesta ja võrdle. Kui leiad end taas mehaanilisele mängimisele, peata ja küsi: "Mis see fraas üritab öelda?" Vasta sellele küsimusele enne jätkamist.
  6. Tehniline väljakutse repertuaarist (10 minutit): ] Valige kiire või tehniliselt nõudlik lõik oma praegusest teosest. Analüüsige mustrit (skaalad, arpeggiod, intervallid) ja puurige see aeglaselt rütmide ja variatsioonide abil. Viige see järk-järgult temposse, jälgides alati helikvaliteeti. Rakenda silm- õppus ]: mängige probleemset kohta neli korda järjest, kuulates järjepidevust. Kui kolmas või neljas kordus laguneb, siis aeglustage, kuni kõik neli on puhtad ja muusikalised.
  7. Külm-alla ja loovmäng (5 minutit):] Pehmed pikad toonid madalatel nootidel, lõdvestunud ja väljendusrikka tooniga. Seejärel improviseeri lihtsa akordi edenemise (nt 12- baarine bluus või põhiline ii-V-I muster) üle, lastes tehnilistel muredel keskenduda üksnes muusika tegemisele. See viimane segment tuletab meelde, miks sa üldse puhkpilli mängima hakkasid: heli loomise rõõmuks.

Ühised kahjustused ja kuidas neid vältida

Isegi parimate kavatsuste korral võib tasakaal olla tabamatu. Siin on sagedased vead ja lahendused, mis ulatuvad pinnatasandi nõuannetest kaugemale:

  • Pitfall: vigade kartusest liiga palju aega tehnilistele harjutustele kulutamine.] Lahendus: määra igale lõigule range taimer. Kui taimer lõpeb, liigu edasi muusikalise töö juurde – isegi kui tunned, et sa pole harjutust "meisterdanud". Progress on kumulatiivne. Ebatäiuslikkuse hirm on muusikalise kasvu vaenlane. Tunnista, et tehnika areneb aeglaselt ja et muusikaline praktika ehitab ka tehnikat.
  • ]Pitfall: tehnika ignoreerimine, sest sa tahad "lihtsalt muusikat mängida" ] Lahendus: ära tunda, et tehnika võimaldab muusikalist vabadust. Kuluta vähemalt 30% harjutamisest põhialustele. Ilma nendeta ei saa muusikalisi ideid täpselt realiseerida. Mõtle sellele nii: kui sõrmed komistavad ilusa fraasi peale, siis ekspressiivne kavatsus variseb kokku. Puhas tehnika on musikaalsuse teener, mitte selle vaenlane.
  • Pitfall: ainult lõikude harjutamine, mida sa juba hästi mängid. ] Lahendus: sihi sihi sihilikult oma nõrkustele. Kui intonatsioon ülemises registris on probleem, loo lühiõppused, mis seda lahendavad, aga ka harjutada etüüdid, mis sama registri muusikaliselt vaidlustavad. Hoia "nõrkuste nimekiri" oma harjutustepäevikus ja pööra seda iga nädal. See tagab, et sa alati kasvad, mitte ainult ei säilita.
  • Pitfall: mitte kuulata kriitiliselt enda salvestisi. Lahendus: salvestage harjutuse mittekaubeldav osa. Kasutage lihtsat rakendust või salvestajat. Kuula tagasi kontrollnimekirjaga: tehnika, musikaalsus, toon, rütm. Veelgi parem: salvestage harjutusseanss ilma sellest teada andmata. Kuula hiljem ja märkige ära hetked, kui libisesite autopiloodile. Teadlikkus on esimene samm muutuste suunas.
  • Pitfall: iga puuri puhul ülemäära metronoomile toetumine.] Lahendus: metronoom on rütmilise täpsuse vahend, kuid võib karguna kasutamisel tappa fraseerimise. Harjuta ilma metronoomita vähemalt 20% ajast, keskendudes muusikalise aja loomulikule ebbele ja voolule. Seejärel kontrolli ennast metronoomiga, et näha, kas sinu rubato on tahtlik või lohakas. See tasakaal treenib nii rütmilist täpsust kui ka ekspressiivset ajastust.
  • ]Tapmine: enne mängimist vaimse ja füüsilise soojenduse eiramine. ] Lahendus: kuluta 5 minutit sügavalt hingates ja õlgu, kaela ja lõualuud sirutades, enne kui pilli puudutad. Pingeline mängimine tekitab pingelist heli. Lõõgastunud keha on nii tehnilise kerguse kui ka muusikalise väljenduse alus.

Motivatsiooni säilitamine ja läbipõlemise vältimine

Tee harjutuste ja musikaalsuse tasakaalustamiseks on pikaajaline teekond. Motivatsiooni säilitamiseks hoia oma praktika mitmekesine ja muusikaliste eesmärkidega seotud. Tähistage väikseid võite – näiteks puhtamat topeltkeelt või väljendusrikkamat fraasi. Töötage õpetajaga, kes suudab anda objektiivset tagasisidet ja aidata teil märgata tasakaalutust. Harjutus eakaaslastega: duetid, kammermuusika või improviseeritud seansid sunnivad kuulama ja kohanema, segades tehnikat reaalajas muusikaliste otsustega.

Mõtle harjutuspäeviku pidamisele. Iga seanss kirjuta üles, millele keskendusid, mis töötas ja mis oli ära. Aja jooksul tekivad mustrid: võid märgata, et oled väsinud liigendusest ilma jäänud või et musikaalsus saavutab tipptaseme pärast tehnilist soojenemist. Kasuta neid teadmisi rutiini kohandamiseks. Harjutuspäevik on ka märk edusammudest perioodidel, mil paranemine tundub aeglane. Tagasi vaadates kuue kuu tagustele kirjetele võib näha dramaatilist kasvu, mis sul igapäevases lihvimises vahele jäi.

Teine võimas motivaator on performance-oriented practice[[ ]. Määra kord nädalas üks repertuaari läbijooks "mocki etenduseks". Mängi seda peatumata, vigu parandamata ja kavatsusega suhelda kujuteldava publikuga. See nihutab su aju puurimisrežiimist jõudlusrežiimi, tuletades meelde, et tehnika on lõpuks suhtluse teenistuses. Pärast mõnitamist pane tähele, mis purunes ja kasuta neid hetki järgmise nädala praktikasihtmärkidena.

Lõpuks ava end võimalikult tihti elavale puhkpillimängijale. Osale orkestrikontsertidel, džässiklubidel, puhkpillikooride etendustel või meistriklassides. Vaadates suurepäraseid muusikuid reaalajas tasakaalustamas tehnikat ja väljendust, on üks tõhusamaid viise, kuidas võimalikult palju endasse võtta. Jätad inspiratsiooni ja selgema ettekujutuse sellest, kuidas oma mängus kõlama peaks.

Välised ressursid sügavamaks õppimiseks

Et veelgi täpsustada oma tasakaalu harjutused ja musikaalsus, uurida neid ressursse:

  • Kuulikindel muusik: kuidas saada paremaks teadlikus praktikas ] – selgitab teadust keskendunud praktika taga ja kuidas seda oma instrumendile rakendada. Käesolevas artiklis käsitletakse vahede mõju, põrkumist ja tagasisideahelate tähtsust oskuste omandamisel.
  • Muusika roll tehnilises arengus: teadusuuringute ülevaade ] - akadeemiline perspektiiv selle kohta, kuidas muusikaliste eesmärkide integreerimine tehnilistesse harjutustesse kiirendab õppimist (saadaval JSTORi kaudu).
  • IYER Music: Musical Phrasing Basics] – juhend kujundamist fraasid dünaamika ja nüanss, kus näiteid kohaldatakse kõik tuule pillid.
  • Rahvusvaheline trompetigi YouTube'i kanal ] - pakub meistriklasse ja maailmatasemel trompetimängijate etendusi, mis näitavad tehnika ja musikaalsuse integreerimist reaalsesse repertuaari.
  • ]Horn Matters ] – põhjalik ressurss sarvemängijatele, kus on artikleid harjutusstrateegiate, embouchure'i mehaanika ja muusikalise tõlgendamise kohta.
  • Trombone.org ] – kogukonna ressurss, mis sisaldab artikleid trombonistide praktikameetodite, varustuse ja muusikalise arengu kohta.

Lõppmõtted

Parimad messingist mängijad ei ole need, kellel on täiuslik tehnika üksi, ega need, kellel on ainult toores emotsioon. Nad on muusikud, kes on õppinud laskma oma tehnilisel rajatisel olla nähtamatu, nii et nende muusikalisus saaks särada. Iga harjutusseanss on võimalus need kaks maailma ühendada. Alustage harjutustega, kuid küsige alati: ] Kuidas ma saan selle heli ilusaks teha? ] See küsimus juhendab teid. Põimudes tehnilise täpsusega ekspressiivse kavatsusega, loote praktika rutiini, mis pole mitte ainult tõhus, vaid sügavalt rahuldustpakkuv. Lõpuks ei mäleta teie publik huuli ega kaalusid - nad mäletavad teie tehtud muusikat.

Teekond ei seisne harjutuste kõrvaldamises ega ainult muusikalise inspiratsiooni tagaajamises. See on nende integreerimine nii täielikult, et sa ei mõtle neid enam eraldi. Kui sa jõuad sinna etappi, kannab iga mängitav noot kavatsuse ja meisterlikkuse vabaduse kaalu. See ongi eesmärk. Just see teebki puhkpillimängijast muusiku. Ja see on kättesaadav kõigile, kes soovivad harjutada nii distsipliini kui ka südamega.