Was sind erweiterte Techniken?

Erweiterte Techniken sind unkonventionelle Methoden der Klangproduktion, die über die traditionellen Grenzen des Blechbläserspiels hinausgehen. Während sich der Standardunterricht auf Legatophrasierung, saubere Artikulation und einen reinen Ton konzentriert, laden erweiterte Techniken den Darsteller ein, Multiphonik, Mikrotöne, perkussive Klänge, Klangveränderungen und Vokalisierung während des Spiels zu erforschen. Diese Methoden haben Wurzeln in den avantgardistischen und zeitgenössischen klassischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts, aber sie sind seitdem in Jazz, Film-Scoring und kommerzielle Musik übergegangen. Komponisten wie Luciano Berio, John Cage und George Lewis haben Partituren geschrieben, die diese Klänge erfordern und Blechbläser herausfordern, die Definition ihres Instruments zu überdenken. Heute ist das Verständnis und Ausführen erweiterter Techniken ein Kennzeichen eines fortgeschrittenen Blechbläser, der die Anforderungen moderner Literatur und Improvisation bewältigen kann.

Im Kern erfordern erweiterte Techniken, dass der Musiker die physischen Komponenten des Instruments und seines eigenen Körpers auf neue Weise manipuliert. Dies könnte die Veränderung der Embouchure beinhalten, bis sie einen gespaltenen Ton erzeugt, indem sie den Hals verwenden, um ein Knurren zu erzeugen, oder teilweise drückende Ventile, um die Luftsäule zu filtern. Während einige Techniken zunächst hart oder fremd klingen, können sie in ausdrucksstarke Geräte verfeinert werden, die jeder Leistung Tiefe und Farbe verleihen.

Warum erweiterte Techniken integrieren?

Das Hinzufügen dieser Methoden zu Ihrem Arsenal bietet greifbare Vorteile, die weit über die bloße Neuheit hinausgehen.

Verbesserter künstlerischer Ausdruck

Erweiterte Techniken geben Ihnen eine breitere Palette von emotionalen und texturalen Farben. Eine flatternde Passage kann Dringlichkeit oder Chaos hervorrufen, während eine geisterhafte Multiphonik eine jenseitige Präsenz suggerieren kann. Wenn Sie diese Effekte kontrollieren, können Sie Phrasen mit Nuancen formen, die der reine Ton allein nicht bieten kann.

Erweiterte Repertoire-Möglichkeiten

Zeitgenössische Komponisten schreiben aktiv Werke, die erweiterte Techniken erfordern. Wenn man sie beherrschen kann, schaltet man einen umfangreichen Katalog von Solo- und Ensemblestücken frei, die sonst tabu wären. Zum Beispiel beinhalten Werke von Komponisten wie David Lang, Anna Clyne und Caroline Shaw oft Growls, Multiphonics und Dia-Glissandi. Festivals und Ensembles für neue Musik suchen häufig nach Spielern, die in diesen Bereichen qualifiziert sind, was Ihnen einen Wettbewerbsvorteil verschafft.

Verbesserte technische Grundlage

Das Erlernen der Steuerung des Luftstroms, der Embouchure und der Zunge für erweiterte Techniken baut das Muskelgedächtnis und die Ausdauer auf, die sich auf das traditionelle Spielen übertragen. Multiphonik zum Beispiel lehrt Sie, eine stabile Embouchure beizubehalten, während Sie eine separate Linie singen - eine Fähigkeit, die die Atemunterstützung und Stimmlippenkoordination stärkt. Die Disziplin, die erforderlich ist, um eine saubere flatternde Zunge bei weicher Dynamik zu erzeugen, verbessert Ihre Standardgeschwindigkeit und -kontrolle.

Größere Vielseitigkeit über Stile hinweg

Vom Jazz bis zum Avantgarde-Pop, von Filmmusiken bis hin zu elektronischen Kollaborationen, erweiterte Techniken machen einen zu einem anpassungsfähigen Musiker. Ein Session-Spieler, der ein subtiles Knurren zu einem Rockriff oder einen Ventil-Tremolo-Effekt in einem Horrorfilm-Cue hinzufügen kann, wird immer wieder zurückgerufen.

Beliebte erweiterte Techniken im Detail

Lassen Sie uns die wichtigsten Techniken aufschlüsseln und erklären, wie sie klingen, wie man sie produziert und wo man sie verwenden könnte.

Multiphonik

Multiphonik wird durch Summen oder Singen einer Note erzeugt, während man eine andere Tonhöhe auf dem Instrument spielt. Der resultierende Klang enthält zwei oder mehr verschiedene Tonhöhen, die reiche Akkorde erzeugen oder sich in komplexe Intervalle ausbreiten können. Um zu beginnen, wählen Sie eine bequeme Tonhöhe, um auf dem Mundstück zu summen, und singen Sie dann eine absteigende oder aufsteigende Intervalle in das Instrument. Die Obertonreihe reagiert mit Ihrer gesungenen Tonhöhe und erzeugt Differenztöne und Summentöne.

Praktische Spitze: Beginnen Sie mit einer einfachen perfekten Fünftel – spielen Sie ein mittleres G und singen Sie ein D darüber. Passen Sie Ihre Mundform und Vokalposition an, bis der Klang klar wird. Im Laufe der Zeit können Sie auf dissonantere Intervalle wie ein großes Siebtel oder eine kleine Sekunde hinarbeiten.

Gebrauch: Mehrstimmigkeiten erscheinen häufig in zeitgenössischen Solo-Werken, wie Sequenz VII von Luciano Berio (Luciano Berio) für die Trompete, oder in improvisatorischen Zusammenhängen, wo ein Horn sowohl als ein Hauptinstrument als auch als eine Drohne fungiert.

Flitterzunge

Die Flötenzunge erzeugt einen schnellen, sich ausbreitenden Effekt, indem sie die Zungenspitze gegen das Munddach rollt – die gleiche Bewegung, die auch beim Rollen eines „r in Italienisch oder Spanisch verwendet wird. Der resultierende Klang fügt Aufregung, Geschwindigkeit und Textur hinzu. Er funktioniert besonders gut in lauten, akzentuierten Abschnitten, kann aber für leisere Passagen gezähmt werden, indem weniger Luft und eine weichere Zungenrolle verwendet werden.

Praktische Spitze: Wenn Sie Ihre Zunge nicht auf natürliche Weise rollen können, können Sie den Effekt mit einem Halsflittern (uvulares Rollen) simulieren. Üben Sie einen kontinuierlichen "rrrr" -Sound für fünf Sekunden.

Nutzung: John Williams verwendet Flattern in der Eröffnungs-Fanfare von Star Wars, um brassy Aggression hinzuzufügen. Im Jazz benutzten Spieler wie Freddie Hubbard es für dramatische Soli.

Knurren

Growling kombiniert das Spielen mit einem stimmlichen Knurren, das in der Kehle erzeugt wird, und erzeugt einen düsteren, verzerrten Ton. Es wird häufig in Blues-, Rock- und Funk-Blass-Sektionen verwendet, ist aber auch in zeitgenössischer Konzertmusik für wütende oder angespannte Passagen wirksam.

Praktische Spitze: Hum eine niedrige Tonhöhe beim Spielen einer Note. Das Knurren tritt auf, wenn Sie den Hals leicht verengen, wodurch der Luftdruck steigt. Experimentieren Sie mit verschiedenen Vokalformen, um die Körnung zu variieren. Beginnen Sie bei mittlerer Lautstärke und schieben Sie sich allmählich in fortissimo, um den Sweet Spot zu finden.

Verwendung: Miles Davis benutzte gelegentlich Knurren auf seiner Trompete für einen launischen Effekt. In niedrigen Messing wird die Technik oft als “Knurren” oder “Buzz” bezeichnet und ist ein Grundnahrungsmittel für Soul- und R & B-Hornabschnitte.

Halbventileffekte

Wenn man ein Ventil nur teilweise drückt – etwa auf halbem Weg zwischen völlig geöffnet und vollständig geschlossen – erzeugt man einen erstickten, nasalen oder summenden Klang. Dieser Effekt wird für Glissandi-, "Wah"-Klänge oder für die Nachahmung eines gedämpften Tons ohne Stummschaltung verwendet.

Praktische Spitze: Benutze dein Ohr, um den Punkt zu finden, an dem die Tonhöhe instabil wird, aber nicht vollständig abgeschnitten wird. Kombiniere mit einem langsamen Schieber am Ventil, um einen aufsteigenden oder fallenden sirenenartigen Effekt zu erzielen.

Verwendung: Komponisten wie John Adams verwenden Halbventil in Werken wie Kurze Fahrt in einer schnellen Maschine für einen schimmernden, perkussiven Effekt. Jazztrompeter Chet Baker verwendete Halbventil für ein glattes Portamento.

Pedaltonen

Pedaltöne sind Tonhöhen, die unterhalb des normalen Grundbereichs des Instruments liegen. Auf einer Trompete ist ein Pedal C das C unter der Mitte C, was akustisch der erste Teil ist. Die Erzeugung eines Pedaltons erfordert eine entspannte Embouchure, massive Atemunterstützung und das Öffnen der Mundhöhle. Der Klang ist dunkel, luftig und resonant - oft für dramatische Betonung verwendet.

Praktische Spitze: Um einen Pedalton zu finden, fallen Sie mit dem Kiefer, entspannen Sie Ihre Lippen und blasen Sie eine große, warme Luftsäule. Zwingen Sie nicht den Ton, lassen Sie das Instrument auf Ihre Luft reagieren. Spielen Sie langsam mit einem Stimmgerät - Ton neigt dazu, scharf auf Pedalen zu driften.

Nutzung: Pedaltöne erscheinen in Orchesterauszügen wie der Eröffnung von Mahlers Fünfter Symphonie für Horn oder in Jazzsoli von Maynard Ferguson und Arturo Sandoval für Show-Stop-Tieftöne.

Glissando

Ein Glissando ist ein glatter Schieber zwischen zwei Noten. Bei Messinginstrumenten kann dies durch Bewegen eines Schiebers (Trompete) oder durch Ventile und Einfederungseinstellungen erreicht werden. Bei einem Ventilinstrument ist ein echtes Nick-Schieben am effektivsten, wenn man ein Halbventil verwendet oder den Finger allmählich über die Ventilkombinationen rollt.

Praktische Spitze: Beginnen Sie für einen langsamen Glissando auf der Trompete mit einer hohen Note, dann lösen Sie langsam ein Ventil, dann ein anderes, während Sie Ihre Embouchure so einstellen, dass der Klang kontinuierlich bleibt.

Gebrauch: Glissandi sind allgegenwärtig in Filmmusiken für Spannung und Befreiung, und im Jazz für ausdrucksstarke melodische Linien.

Ventil Tremolo

Bei Ventil-Tremolo wird zwischen zwei Ventilkombinationen ein schneller Wechsel zwischen zwei Ventilkombinationen vorgenommen, der einen halben oder ganzen Schritt voneinander entfernt ist, was zu einem Zittern oder Schlagen führt, was zu einem rhythmischen Schimmer und nicht zu einem deutlichen Tonhöhenwechsel führt.

Praktische Spitze: Wählen Sie zwei benachbarte Fingersätze, z.B. offenes und zweites Ventil (C und B). Wechseln Sie so schnell wie möglich, während Sie einen gleichmäßigen Luftstrom beibehalten. Beginnen Sie mit achter Notenwechsel, dann beschleunigen Sie auf sechzehntel. Steuern Sie die Geschwindigkeit, um den gewünschten Effekt zu erzielen - schnell für ein trillartiges Zittern, langsamer für ein Warbling-Geräusch.

Nutzung: Zeitgenössische Komponisten geben oft in Partituren „Ventil Tremolo an. Es wirkt auch als perkussiver Effekt in Ensemblepassagen.

Wie man erweiterte Techniken effektiv praktiziert

Die Integration dieser Techniken in Ihre Routine erfordert eine bewusste, strukturierte Praxis.

Beginnen Sie mit einer Technik auf einmal

Der Versuch, Flattern, Multiphonik und Knurren gleichzeitig zu lernen, führt oft zu Frustration. Wählen Sie eine - zum Beispiel Flattern - und widmen Sie ihr zwei Wochen, bevor Sie zur nächsten übergehen. Verwenden Sie ein Tagebuch, um Ihren täglichen Fortschritt aufzuzeichnen: Welche dynamischen Ebenen fühlten sich wohl an, wie lange Sie die Technik aushalten konnten, und jede körperliche Belastung.

Verwenden Sie visuelles und Audio-Feedback

Ein Spiegel ist von unschätzbarem Wert, um Veränderungen der Embouchure zu beobachten. Für Multiphonik richten Sie eine Videokamera ein oder verwenden Sie Ihr Telefon, um zu sehen, ob Ihre Kehle angespannt ist. Nehmen Sie sich selbst auf und vergleichen Sie Ihren Sound mit professionellen Beispielen. Viele Spieler posten erweiterte Technikvorführungen auf YouTube; verwenden Sie diese als Benchmarks.

In Warm-ups integrieren

Anstatt erweiterte Techniken als separate Übung zu isolieren, mischen Sie sie in Ihr tägliches Aufwärmen. Zum Beispiel beginnen Sie mit langen Tönen, fügen Sie dann fünf Sekunden lang eine flatternde Zunge auf einer Note hinzu. Danach spielen Sie eine Skala mit halbventiligem Glissandi zwischen jeder Note. Das trainiert Ihr Gehirn, diese Geräusche als natürliche Erweiterungen Ihres Instruments zu behandeln.

Arbeiten an Dynamik

Erweiterte Techniken können bei unterschiedlichen Lautstärken drastisch unterschiedlich klingen. Ein Knurren bei piano kann subtil und atemberaubend sein; bei forte wird hart. Üben Sie jede Technik auf vier dynamischen Ebenen – pp, mf, , ff – und notieren Sie die Änderungen in Farbe und Kontrolle. Verwenden Sie eine Dezibelmeter-App oder einen Partner, um die Konsistenz zu überprüfen.

Aufzeichnen und Analysieren

Sich selbst aufzunehmen ist der ehrlichste Kritiker. Nach einer Übungssitzung hören Sie auf Intonation, Klarheit und rhythmische Präzision. Viele Spieler finden, dass flatternde Zungen sauberer sind als sie dachten, oder dass ihre mehrfonischen Intervalle nicht so rein sind wie gewünscht. Verwenden Sie Ihr Telefon oder ein einfaches USB-Mikrofon in eine DAW - keine komplexe Ausrüstung erforderlich.

Bewerben Sie sich für Real Repertoire

Wenn du dich wohl fühlst, finde ein kurzes Stück, das diese Technik benutzt. Zum Beispiel arbeite an Fanfare for the Uncommon Woman von Joan Tower (was Flattern erfordert) oder Trumpet Concerto von Thomas Adès (Multiphonik). Beginne mit dem Abschnitt, der die Technik enthält, schleife ihn langsam und dann integrieren Sie ihn allmählich in den vollen Satz. Eile nicht; das Ziel ist eine nahtlose Integration.

Suchen Sie Experten-Feedback

Erweiterte Techniken können schlechte Gewohnheiten verursachen, wenn sie falsch geübt werden. Arbeiten Sie mit einem Lehrer, der Erfahrung im zeitgenössischen Blasmusikspiel hat. Viele Universitäten bieten Sommerworkshops oder Online-Coaching an. Zum Beispiel veranstalten das International Brass Symposium oder das Kurt Masur Institute oft Sitzungen zu erweiterten Techniken. Wenn persönlich keine Option ist, sollten Sie eine virtuelle Lektion mit einem Spieler wie Sarah Willis (Horn) oder Rex Richardson (Trompete) in Betracht ziehen, der Methoden veröffentlicht hat.

Wie man erweiterte Techniken in Ihr Repertoire webt

Die Techniken zu kennen ist eine Sache; sie musikalisch zu nutzen ist eine andere. Hier sind Strategien für Integration.

Wählen Sie Repertoire, das nach ihnen ruft

Suchen Sie nach zeitgenössischen Stücken von Komponisten wie John Cage, Peter Maxwell Davies, Sofia Gubaidulina, oder George LewisDas American Brass Quintet und Ensemble Modern, My Ladye Massa Saide von George Lewis, oder Cries von Henry Brant sind ausgezeichnete Ausgangspunkte. Für Posaunen, Werke von JacobTV (Jacob ter Veldhuis) enthalten oft Elektronik und erweiterte Sounds.

Erstellen Sie zeitgenössische Interpretationen von Standardwerken

Man kann traditionelle Stücke mit subtilen erweiterten Effekten ausstatten, um ihnen neues Leben einzuhauchen. Zum Beispiel, in einer Bach-Cello-Suite für Posaunen, verwenden Sie ein sanftes Halbventil-Glissando auf der letzten Note jeder Phrase, um einen Vibrato-Effekt nachzuahmen. In einem Mozart-Hornkonzert fügen Sie dem Entwicklungsteil eine weiche Flatterzunge hinzu, um Spannung vorzuschlagen. Respektieren Sie immer den Stil - verwenden Sie diese Techniken sparsam und mit klarer Absicht.

Originale Etuden oder Cadenzas komponieren

Viele Spieler schreiben ihr eigenes Material, um ihre Stärken zu präsentieren. Erstellen Sie eine vierstufige Phrase, die Knurren verwendet, dann einen mehrstimmigen Akkord, dann ein Ventil-Tremolo. Nehmen Sie es auf und passen Sie es an. Das baut nicht nur Ihre Technik auf, sondern gibt Ihnen auch ein einzigartiges Stück für Konzerte oder Vorsprechen.

Mix mit traditionellem Spielen

Die effektivste Anwendung erweiterter Techniken ist oft die subtilste. Überlasten Sie keine Passage – eine Technik pro Phrase ist normalerweise genug. Betrachten Sie sie als Würze und nicht als Hauptsache. Ein einzelner multiphoner Angriff auf den Höhepunkt einer langen Melodie kann viel mächtiger sein als eine Kaskade von Spezialeffekten.

Arbeiten Sie mit Living Composers zusammen

Wenn Sie Zugang zu Programmen für zeitgenössische Musik haben, wenden Sie sich an Komponisten in Residenz an Ihrer Schule oder lokalen Universität. Bieten Sie an, Entwürfe durchzulesen, die erweiterte Techniken enthalten. Direkte Zusammenarbeit ermöglicht es Ihnen, das Stück nach Ihren Stärken zu gestalten und dem Komponisten in Echtzeit Feedback darüber zu geben, was physisch funktioniert.

Gemeinsame Herausforderungen und Lösungen

Erweiterte Techniken sind anspruchsvoll, aber die meisten Probleme sind mit gezielter Übung beherrschbar.

Müdigkeit und Muskelbelastung

Viele Techniken, vor allem Knurren und Multiphonik, erfordern zusätzliche Anstrengungen von der Kehle und Embouchure. Bauen Sie Ausdauer langsam auf – nicht mehr als fünf Minuten pro Technik und Sitzung zu Beginn. Machen Sie 30 Sekunden Pause zwischen den Wiederholungen. Wenn Sie scharfe Schmerzen verspüren, halten Sie an und ruhen Sie sich einen Tag aus. Trinken Sie häufig Wasser, um Stimmlippen geschmiert zu halten.

Schlechte Klangqualität oder Verlust des Kerntons

Wenn deine flatternde Zunge atmungsaktiv klingt oder deine Multiphonik instabil ist, überprüfe deine Luftunterstützung. Die meisten Probleme resultieren aus einem unzureichenden Atemdruck oder einem zusammengebrochenen Embouchure. Übe die Technik zuerst nur am Mundstück.

Intonationsungenauigkeit

Halbventileffekte und Pedaltöne driften oft. Verwenden Sie einen auf zwölf Töne gleiches Temperament eingestellten Tuner. Spielen Sie die beabsichtigte Note ohne die Technik, dann führen Sie das hinzugefügte Element ein und passen Sie Ihre Luft und Ihren Kiefer an. Wenn Sie beispielsweise einen Pedalton spielen, senken Sie Ihren Kiefer und entspannen Sie die Ecken Ihrer Lippen; wenn der Ton flach wird, heben Sie die Mitte der Zunge leicht an.

Koordination zwischen mehreren Techniken gleichzeitig

Das Knurren mit einem Glissando oder das Flattern mit Multiphonik ist fortgeschritten. Zerlegen Sie die Kombination in Schritte: Lernen Sie zuerst jede Technik einzeln zur Automatik, üben Sie dann die Übergänge langsam. Spielen Sie zum Beispiel eine knurrende Note, rutschen Sie langsam ein Fünftel nach oben, während Sie das Knurren beibehalten. Verwenden Sie ein Metronom mit 60 bpm und erhöhen Sie es um fünf Schläge pro Minute, wenn es sich verfestigt.

Performance Angst um neue Sounds

Es ist normal, sich verletzlich zu fühlen, wenn man unkonventionelle Klänge auf der Bühne macht. Um Vertrauen aufzubauen, führen Sie die erweiterte Technik zuerst vor einem Aufnahmegerät aus. Dann spielen Sie für einen vertrauenswürdigen Kollegen. Schließlich planen Sie ein Scheinvorsprechen mit Freunden. Je mehr Sie die Klänge in einer Niederdruckumgebung normalisieren, desto weniger aufdringlich werden sie sich gemeinsam fühlen.

Ressourcen für weitere Studien

Um Ihr Wissen zu vertiefen, erkunden Sie diese Bücher, Videos und Communities.

  • Bücher: Brass Beyond the Notes von Richard Lesser (konzentriert sich auf Trompete und Horn erweiterte Techniken mit Übungen). Extended Techniques for Brass von Rex Richardson (enthält DVD-Demonstrationen und Etüden). The Contemporary Trompete von John Wallace (Teil der Cambridge Handbook-Serie).
  • Online-Tutorials: The Trumpet Studio YouTube channel (link and Horn Matters bietet kostenlose Videostunden zu Multiphonik und Flatterzunge. Robert Schulz hat eine Serie zu Halbventil- und Pedaltönen.
  • Workshops und Masterclasses: Die International Trompet Guild (ITG) Konferenz und International Trombone Festival veranstalten Sitzungen von Spezialisten. Viele sind jetzt online verfügbar.
  • Sheet Music Collections: Traveller Music Press veröffentlicht zeitgenössische Werke. Die Bibliothek des Kongresses umfasst viele Partituren von Avantgarde-Komponisten. Für kostenlose Public Domain-Partituren besuchen Sie IMSLP und suchen Sie nach “erweiterten Techniken.”
  • Community Foren: Die Trumpet Herald Foren (link) haben einen Abschnitt “Contemporary & Extended Techniques”. Reddits r/brass subreddit ist aktiv mit Rat. Die Facebook-Gruppe “Brass Players – Extended Techniques” ist ein unterstützender Ort, um Aufnahmen zu teilen und Fragen zu stellen.

Die Beherrschung erweiterter Techniken ist eine Reise, die Ihre Identität als Blaskist grundlegend verändern kann. Mit konsequenter, achtsamer Übung erweitern Sie nicht nur Ihr technisches Toolkit, sondern entdecken auch neue Wege für kreativen Ausdruck, die Sie in einer zunehmend wettbewerbsorientierten Musikwelt auszeichnen.