Was sind erweiterte Techniken?

Erweiterte Techniken sind unkonventionelle Methoden der Klangproduktion, die über die traditionellen Grenzen des Blechbläserspiels hinausgehen. Während sich der Standardunterricht auf Legatophrasierung, saubere Artikulation und einen reinen Ton konzentriert, laden erweiterte Techniken den Darsteller ein, Multiphonik, Mikrotöne, perkussive Klänge, Klangveränderungen und Vokalisierung während des Spiels zu erforschen. Diese Methoden haben Wurzeln in den avantgardistischen und zeitgenössischen klassischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts, aber sie sind seitdem in Jazz, Film-Scoring und kommerzielle Musik übergegangen. Komponisten wie Luciano Berio, John Cage und George Lewis haben Partituren geschrieben, die diese Klänge erfordern und Blechbläser herausfordern, die Definition ihres Instruments zu überdenken.

Heute ist das Verständnis und Ausführen erweiterter Techniken ein Kennzeichen eines fortgeschrittenen Blechbläser, der die Anforderungen moderner Literatur und Improvisation bewältigen kann.

Im Kern erfordern erweiterte Techniken, dass der Musiker die physischen Komponenten des Instruments und seines eigenen Körpers auf neue Weise manipuliert. Dies könnte die Veränderung der Embouchure beinhalten, bis sie einen Split-Ton erzeugt, indem sie den Hals verwenden, um ein Knurren zu erzeugen, oder teilweise drückende Ventile, um die Luftsäule zu filtern. Während einige Techniken zunächst hart oder fremd klingen, können sie in ausdrucksstarke Geräte verfeinert werden, die jeder Leistung Tiefe und Farbe verleihen.

Warum erweiterte Techniken integrieren?

Das Hinzufügen dieser Methoden zu Ihrem Arsenal bietet greifbare Vorteile, die weit über die bloße Neuheit hinausgehen.

Verbesserter künstlerischer Ausdruck

Erweiterte Techniken geben Ihnen eine breitere Palette von emotionalen und texturalen Farben. Eine flatternd-zungen Passage kann Dringlichkeit oder Chaos hervorrufen, während eine geisterhafte Multiphonik eine jenseitige Präsenz vorschlagen kann. Wenn Sie diese Effekte kontrollieren, können Sie Phrasen mit Nuancen formen, die reiner Ton allein nicht bieten kann.

Erweiterte Repertoire-Möglichkeiten

Zeitgenössische Komponisten schreiben aktiv Werke, die erweiterte Techniken erfordern. Wenn man sie beherrschen kann, schaltet man einen riesigen Katalog von Solo- und Ensemblestücken frei, die sonst tabu wären. Zum Beispiel Werke von Komponisten wie David Lang, Anna Clyne, und Caroline Shaw Festivals und Ensembles für neue Musik suchen häufig nach Spielern, die in diesen Bereichen qualifiziert sind, was Ihnen einen Wettbewerbsvorteil verschafft.

Verbesserte technische Grundlage

Lernen, den Luftstrom, Embouchure und Zunge für erweiterte Techniken zu kontrollieren, baut Muskelgedächtnis und Ausdauer auf, die sich auf das traditionelle Spielen übertragen. Multiphonik zum Beispiel lehrt Sie, eine stabile Embouchure zu erhalten, während Sie eine separate Linie singen - eine Fähigkeit, die die Atemunterstützung und Stimmlippenkoordination stärkt. Die Disziplin, die erforderlich ist, um eine saubere flatternde Zunge bei weicher Dynamik zu erzeugen, verbessert Ihre Standardgeschwindigkeit und -kontrolle.

Größere Vielseitigkeit über Stile hinweg

Vom Jazz bis zum Avantgarde-Pop, von Filmmusiken bis hin zu elektronischen Kollaborationen, erweiterte Techniken machen einen zu einem anpassungsfähigen Musiker. Ein Session-Spieler, der ein subtiles Knurren zu einem Rockriff oder einen Ventil-Tremolo-Effekt in einem Horrorfilm-Cue hinzufügen kann, wird immer wieder zurückgerufen.

Beliebte erweiterte Techniken im Detail

Lassen Sie uns die wichtigsten Techniken aufschlüsseln und erklären, wie sie klingen, wie man sie produziert und wo man sie verwenden könnte.

Multiphonik

Multiphonik wird durch Summen oder Singen einer Note erzeugt, während man eine andere Tonhöhe auf dem Instrument spielt. Der resultierende Klang enthält zwei oder mehr verschiedene Tonhöhen, die reiche Akkorde erzeugen oder sich in komplexe Intervalle ausbreiten können. Um zu beginnen, wählen Sie eine bequeme Tonhöhe, um auf dem Mundstück zu summen, und singen Sie dann eine absteigende oder aufsteigende Intervalle in das Instrument. Die Obertonreihe reagiert mit Ihrer gesungenen Tonhöhe und erzeugt Differenztöne und Summentöne.

Praktischer Tipp: Beginnen Sie mit einer einfachen perfekten Fünftel – spielen Sie ein mittleres G und singen Sie ein D darüber. Passen Sie Ihre Mundform und Vokalposition an, bis der Klang klar wird. Im Laufe der Zeit können Sie auf dissonantere Intervalle wie ein großes Siebtel oder eine kleine Sekunde hinarbeiten.

Verwendung: Multiphonics erscheinen häufig in zeitgenössischen Solo-Werken, wie Sequenza VII von Luciano Berio für Trompete oder in improvisatorischen Kontexten, in denen ein Horn sowohl als Leitinstrument als auch als Drohne fungiert.

Flitterzunge

Die Flötenzunge erzeugt einen schnellen, sich ausbreitenden Effekt, indem sie die Zungenspitze gegen das Munddach rollt – die gleiche Bewegung, die man benutzt, um ein „r auf Italienisch oder Spanisch zu rollen. Der resultierende Klang fügt Agitation, Geschwindigkeit und Textur hinzu. Er funktioniert besonders gut in lauten, akzentuierten Abschnitten, kann aber für leisere Passagen gezähmt werden, indem weniger Luft und eine weichere Zungenrolle verwendet werden.

Praktischer Tipp: Wenn Sie Ihre Zunge nicht auf natürliche Weise rollen können, können Sie den Effekt mit einem Kehlenflattern simulieren (uvulares Rollen), fünf Sekunden lang einen kontinuierlichen "rrrr"-Sound üben und, wenn die Zunge fließend ist, versuchen Sie, das Instrument hinzuzufügen, während Sie die Rolle beibehalten.

Verwendung: John Williams verwendet Flattern in der Eröffnungs-Fanfare von Star Wars Im Jazz benutzten Spieler wie Freddie Hubbard ihn für dramatische Soli.

Knurren

Growling kombiniert das Spielen mit einem stimmlichen Knurren, das in der Kehle erzeugt wird, und erzeugt einen düsteren, verzerrten Ton. Es wird häufig in Blues-, Rock- und Funk-Blass-Sektionen verwendet, ist aber auch in zeitgenössischer Konzertmusik für wütende oder angespannte Passagen wirksam.

Praktischer Tipp: Wenn man eine Note spielt, dann knurrt man, wenn man die Kehle leicht einschnürt, was den Luftdruck erhöht. Experimentiere mit verschiedenen Vokalformen, um die Körnung zu variieren. Beginne bei mittlerer Lautstärke und drücke dich allmählich ins Fortissimo, um den Sweet Spot zu finden.

Verwendung: Miles Davis benutzte gelegentlich Knurren auf seiner Trompete für einen launischen Effekt. In niedrigen Messing wird die Technik oft als "Knurren" oder "Buzz" bezeichnet und ist ein Grundnahrungsmittel für Soul- und R & B-Hornabschnitte.

Halbventileffekte

Wenn man ein Ventil nur teilweise drückt – etwa auf halbem Weg zwischen völlig geöffnet und vollständig geschlossen – erzeugt man ein ersticktes, nasales oder summendes Geräusch. Dieser Effekt wird für Glissandi-, "Wah"-Klänge oder für die Nachahmung eines gedämpften Tons ohne Stummschaltung verwendet.

Praktischer Tipp: Wenn Sie das Ohr benutzen, um den Punkt zu finden, an dem das Spielfeld instabil wird, aber nicht vollständig abgeschnitten wird, dann kombinieren Sie es mit einem langsamen Schieber am Ventil, um einen aufsteigenden oder fallenden Sirenen-ähnlichen Effekt zu erzielen, dann funktioniert das halbe Ventil am besten bei Mezzoforte oder weicher; ein hohes Luftvolumen kann die Note vollständig destabilisieren.

Verwendung: Komponisten wie John Adams verwenden Halbventil in Werken wie Kurze Fahrt in einer schnellen Maschine Jazztrompeter Chet Baker verwendete für glattes Portamento ein Halbventil.

Pedaltonen

Pedaltöne sind Tonhöhen, die unterhalb des normalen Grundbereichs des Instruments liegen. Auf einer Trompete ist ein Pedal C das C unter der Mitte C, was akustisch der erste Teil ist. Die Erzeugung eines Pedaltons erfordert eine entspannte Embouchure, eine massive Atemunterstützung und das Öffnen der Mundhöhle. Der Klang ist dunkel, luftig und resonant - oft für dramatische Betonung verwendet.

Praktischer Tipp: Um einen Pedalton zu finden, fallen Sie mit dem Kiefer, entspannen Sie Ihre Lippen und blasen Sie eine große, warme Luftsäule. Zwingen Sie nicht den Ton, lassen Sie das Instrument auf Ihre Luft reagieren. Spielen Sie langsam mit einem Stimmgerät - Ton neigt dazu, scharf auf Pedale zu driften.

Verwendung: Pedaltöne erscheinen in Orchesterauszügen wie die Eröffnung von Mahlers Fünfte Symphonie für Horn, oder in Jazz-Soli von Maynard Ferguson und Arturo Sandoval für Show-Stopping-Tieftöne.

Glissando

Ein Glissando ist ein glatter Schieber zwischen zwei Noten. Bei Messinginstrumenten kann dies durch Bewegen eines Schiebers (Trompete) oder durch Ventile und Einfederungseinstellungen erreicht werden. Bei einem Ventilinstrument ist ein echtes Nick-Schieben am effektivsten, wenn man ein Halbventil verwendet oder den Finger allmählich über die Ventilkombinationen rollt.

Praktischer Tipp: Für einen langsamen Glissando auf Trompete, beginnen Sie mit einer hohen Note, dann langsam ein Ventil loslassen, dann ein anderes, während Sie Ihre Embouchure anpassen, um den Klang kontinuierlich zu halten. für einen schnellen Gliss, schieben Sie einfach den Finger schnell vom Ventil. Üben Sie immer mit einer Drohne, um das Pitch-Zentrum an den Endpunkten zu halten.

Verwendung: Glissandi sind allgegenwärtig in Filmmusiken für Spannung und Befreiung, und im Jazz für ausdrucksstarke melodische Linien.

Ventil Tremolo

Bei Ventil-Tremolo wird zwischen zwei Ventilkombinationen ein schneller Wechsel zwischen zwei Ventilkombinationen vorgenommen, der einen Halbton- oder Ganzschritt voneinander entfernt ist, was einen zitternden oder schlagenden Effekt erzeugt, was zu einem rhythmischen Schimmer und nicht zu einem deutlichen Tonwechsel führt.

Praktischer Tipp: Wählen Sie zwei benachbarte Fingersätze, z. B. offenes und zweites Ventil (C und B). Wechseln Sie so schnell wie möglich, während Sie einen gleichmäßigen Luftstrom beibehalten. Beginnen Sie mit achter Wechsel, dann beschleunigen Sie auf sechzehntel. Steuern Sie die Geschwindigkeit, um den gewünschten Effekt zu erzielen - schnell für ein trillerartiges Zittern, langsamer für ein Warbling-Geräusch.

Verwendung: Zeitgenössische Komponisten geben oft in Partituren „Ventil Tremolo an, es wirkt auch als Schlagzeug in Ensemblepassagen.

Wie man erweiterte Techniken effektiv praktiziert

Die Integration dieser Techniken in Ihre Routine erfordert eine bewusste, strukturierte Praxis.

Beginnen Sie mit einer Technik auf einmal

Der Versuch, Flattern, Multiphonik und Knurren gleichzeitig zu lernen, führt oft zu Frustration. Wählen Sie eine - zum Beispiel Flattern - und widmen Sie ihr zwei Wochen, bevor Sie zur nächsten übergehen. Verwenden Sie ein Tagebuch, um Ihren täglichen Fortschritt aufzuzeichnen: Welche dynamischen Ebenen fühlten sich wohl an, wie lange konnten Sie die Technik aushalten, und jede körperliche Belastung.

Verwenden Sie visuelles und Audio-Feedback

Ein Spiegel ist von unschätzbarem Wert, um Veränderungen der Embouchure zu beobachten. Für Multiphonik, richten Sie eine Videokamera ein oder benutzen Sie Ihr Telefon, um zu sehen, ob Ihre Kehle angespannt ist. Nehmen Sie sich selbst auf und vergleichen Sie Ihren Sound mit professionellen Beispielen. Viele Spieler posten erweiterte Technikvorführungen auf YouTube; verwenden Sie diese als Benchmarks.

In Warm-ups integrieren

Anstatt erweiterte Techniken als separate Übung zu isolieren, mischen Sie sie in Ihr tägliches Aufwärmen. Zum Beispiel beginnen Sie mit langen Tönen, fügen Sie dann fünf Sekunden lang eine flatternde Zunge auf einer Note hinzu. Danach spielen Sie eine Skala mit halbventiligem Glissandi zwischen jeder Note. Dies trainiert Ihr Gehirn, diese Geräusche als natürliche Erweiterungen Ihres Instruments zu behandeln.

Arbeiten an Dynamik

Erweiterte Techniken können bei unterschiedlichen Lautstärken drastisch unterschiedlich klingen. Klavier kann subtil und atemberaubend sein; bei forte Es wird hart. Üben Sie jede Technik auf vier dynamischen Ebenen: pp, mf, f, ff – und notieren Sie sich die Änderungen in Farbe und Kontrolle. Verwenden Sie eine Dezibelmeter-App oder einen Partner, um die Konsistenz zu überprüfen.

Aufzeichnen und Analysieren

Sich selbst aufzunehmen ist der ehrlichste Kritiker. Nach einer Übungssitzung hören Sie auf Intonation, Klarheit und rhythmische Präzision. Viele Spieler finden, dass flatternde Zungen sauberer sind als sie dachten, oder dass ihre mehrfonischen Intervalle nicht so rein sind wie gewünscht. Verwenden Sie Ihr Telefon oder ein einfaches USB-Mikrofon in eine DAW - keine komplexe Ausrüstung erforderlich.

Bewerben Sie sich für Real Repertoire

Wenn Sie sich wohl fühlen, finden Sie ein kurzes Stück, das diese Technik verwendet. Fanfare für die ungewöhnliche Frau von Joan Tower (der nach flatterndem Tonguing verlangt) oder Trompetenkonzert von Thomas Adès (Multiphonik). Beginnen Sie mit dem Abschnitt, der die Technik enthält, schleifen Sie sie langsam, dann integrieren Sie sie allmählich in den vollständigen Satz.

Suchen Sie Expertenfeedback

Wenn man die Technik falsch praktiziert, kann man mit einem Lehrer arbeiten, der Erfahrung mit zeitgenössischem Blasmusikspiel hat. Viele Universitäten bieten Sommerworkshops oder Online-Coaching an. Internationales Brass Symposium oder Kurt Masur Institut Wenn es keine Option ist, persönlich eine virtuelle Lektion mit einem Spieler in Betracht zu ziehen, wie Sarah Willis (Horn) oder Rex Richardson (Trompete), die Methoden veröffentlicht haben.

Wie man erweiterte Techniken in Ihr Repertoire webt

Die Techniken zu kennen ist eine Sache; sie musikalisch zu nutzen ist eine andere. Hier sind Integrationsstrategien.

Wählen Sie Repertoire, das nach ihnen ruft

Suchen Sie nach zeitgenössischen Stücken von Komponisten wie John Cage, Peter Maxwell Davies (Deutsche Übersetzung), Sofia Gubaidulina, oder George Lewis. Amerikanisches Brass Quintett und Ensemble Modern haben umfangreiche Kataloge. Für Trompete, Stücke wie Sequenza VII, Lady Massa Saide von George Lewis oder Schreie von Henry Brant sind ausgezeichnete Ausgangspunkte. JacobTV (Jacob ter Veldhuis) enthalten oft Elektronik und erweiterte Sounds.

Erstellen Sie zeitgenössische Interpretationen von Standardwerken

Man kann traditionelle Stücke mit subtilen erweiterten Effekten ausstatten, um ihnen neues Leben einzuhauchen. Zum Beispiel, in einer Bach-Cello-Suite für Posaune, verwenden Sie ein sanftes Halbventil-Glissando auf der letzten Note jeder Phrase, um einen Vibrato-Effekt nachzuahmen. In einem Mozart-Hornkonzert fügen Sie dem Entwicklungsteil eine weiche Flatterzunge hinzu, um Spannung vorzuschlagen. Respektieren Sie immer den Stil - verwenden Sie diese Techniken sparsam und mit klarer Absicht.

Originale Etuden oder Cadenzas komponieren

Viele Spieler schreiben ihr eigenes Material, um ihre Stärken zu präsentieren. Erstellen Sie eine vierstufige Phrase, die Knurren verwendet, dann einen mehrfonigen Akkord, dann ein Ventil-Tremolo. Nehmen Sie es auf und passen Sie es an. Das baut nicht nur Ihre Technik auf, sondern gibt Ihnen auch ein einzigartiges Stück für Konzerte oder Vorsprechen.

Mix mit traditionellem Spielen

Die effektivste Anwendung erweiterter Techniken ist oft die subtilste. Überladen Sie keine Passage – eine Technik pro Phrase ist normalerweise genug. Betrachten Sie sie als Würze und nicht als Hauptsache. Ein einziger multiphoner Angriff auf den Höhepunkt einer langen Melodie kann viel mächtiger sein als eine Kaskade von Spezialeffekten.

Arbeiten Sie mit lebenden Komponisten zusammen

Wenn Sie Zugang zu Programmen für zeitgenössische Musik haben, wenden Sie sich an Komponisten in Residenz an Ihrer Schule oder lokalen Universität. Bieten Sie an, Entwürfe durchzulesen, die erweiterte Techniken enthalten. Direkte Zusammenarbeit ermöglicht es Ihnen, das Stück nach Ihren Stärken zu gestalten und dem Komponisten in Echtzeit Feedback darüber zu geben, was physisch funktioniert.

Gemeinsame Herausforderungen und Lösungen

Erweiterte Techniken sind anspruchsvoll, aber die meisten Probleme sind mit gezielter Übung beherrschbar.

Müdigkeit und Muskelbelastung

Viele Techniken, vor allem Knurren und Multiphonik, erfordern zusätzliche Anstrengungen von der Kehle und Embouchure. Bauen Sie Ausdauer langsam auf – nicht mehr als fünf Minuten pro Technik und Sitzung zu Beginn. Machen Sie 30 Sekunden Pause zwischen den Wiederholungen. Wenn Sie scharfe Schmerzen verspüren, halten Sie an und ruhen Sie sich einen Tag aus. Trinken Sie häufig Wasser, um Stimmlippen geschmiert zu halten.

Schlechte Klangqualität oder Verlust des Kerntons

Wenn deine flatternde Zunge atmungsaktiv klingt oder deine Multiphonik instabil ist, überprüfe deine Luftunterstützung. Die meisten Probleme resultieren aus einem unzureichenden Atemdruck oder einem zusammengebrochenen Embouchure. Übe die Technik zuerst nur am Mundstück.

Intonationsungenauigkeit

Halbventileffekte und Pedaltöne driften oft. Verwenden Sie einen auf zwölf Töne gleiches Temperament eingestellten Tuner. Spielen Sie die beabsichtigte Note ohne die Technik, dann führen Sie das hinzugefügte Element ein und passen Sie Ihre Luft und Ihren Kiefer an. Wenn Sie beispielsweise einen Pedalton spielen, senken Sie Ihren Kiefer und entspannen Sie die Ecken Ihrer Lippen; wenn der Ton flach wird, heben Sie die Mitte der Zunge leicht an.

Koordination zwischen mehreren Techniken gleichzeitig

Die Kombination von Knurren mit einem Glissando oder Flattern mit Multiphonik ist fortgeschritten. Die Kombination wird in Schritte unterteilt: zuerst jede Technik einzeln zur Automatik lernen, dann die Übergänge langsam üben. Zum Beispiel eine knurrende Note spielen, dann langsam ein fünftes hochrutschen, während das Knurren erhalten bleibt. Ein Metronom mit 60 bpm verwenden und um fünf Schläge pro Minute erhöhen, während es sich verfestigt.

Performance Angst um neue Sounds

Es ist normal, sich verletzlich zu fühlen, wenn man unkonventionelle Klänge auf der Bühne macht. Um Selbstvertrauen aufzubauen, führen Sie die erweiterte Technik zuerst vor einem Aufnahmegerät aus. Dann spielen Sie für einen vertrauenswürdigen Kollegen. Schließlich planen Sie ein Scheinvorsprechen mit Freunden. Je mehr Sie die Klänge in einer Niederdruckumgebung normalisieren, desto weniger aufdringlich werden sie sich gemeinsam fühlen.

Ressourcen für weitere Studien

Um Ihr Wissen zu vertiefen, erkunden Sie diese Bücher, Videos und Communities.

  • Bücher: Messing Beyond The Notes Ubersetzungen von Richard Lesser (Fokus auf Trompete und Horn erweitert Techniken mit Übungen). Erweiterte Techniken für Messing von Rex Richardson (enthält DVD-Demonstrationen und Etüden). Die zeitgenössische Trompete John Wallace (Teil der Cambridge Handbook-Serie).
  • Online Tutorials: Die Trompetenstudio YouTube-Kanal ()Verbindungsleitung) und Hornhaut Website bietet kostenlose video-lektionen zu multiphonik und flatterzunge. Robert Schulz hat eine Reihe auf Halbventil- und Pedaltönen.
  • Workshops und Masterclasses: Die Internationale Trompetengilde (ITG) Konferenz und Internationales Trombone Festival Host-Sitzungen von Spezialisten. Viele sind jetzt online verfügbar. Check ITG Website für bevorstehende Events.
  • Notensammlungen: Traveller Music Press veröffentlicht zeitgenössische Werke. Kongressbibliothek Digitale Sammlung umfasst viele Partituren von Avantgarde-Komponisten. IMSLP und suchen Sie nach "erweiterten Techniken Messing."
  • Community Foren: Die Trompetenherold Foren ()Verbindungsleitung) haben einen Abschnitt "Contemporary & Extended Techniques". r/Messing subreddit ist aktiv mit Ratschlägen. Facebook-Gruppe „Brass Players – Extended Techniques ist ein unterstützender Ort, um Aufnahmen zu teilen und Fragen zu stellen.

Die Beherrschung erweiterter Techniken ist eine Reise, die Ihre Identität als Blasmusiker grundlegend verändern kann. Mit konsequenter, achtsamer Übung erweitern Sie nicht nur Ihr technisches Toolkit, sondern entdecken auch neue Wege für kreativen Ausdruck, die Sie in einer zunehmend wettbewerbsorientierten Musikwelt auszeichnen.