Warum die Zusammenarbeit mit Komponisten für Brass-Spieler wichtig ist

Für Blaskapellenspieler ist der Kanon des Standardrepertoires im Vergleich zu Streichern oder Klavier relativ klein. Während Werke von Hindemith, die Orchestral Excerpts von Wagner und Strauss und Solostücke von Eugène Bozza und Paul Hindemith Teil des Backbone sind, wird das zeitgenössische Repertoire noch geschrieben. Jede Zusammenarbeit mit einem lebenden Komponisten hat das Potenzial, ein Stück zu produzieren, das für zukünftige Generationen zu einem Grundnahrungsmittel wird. Darüber hinaus zwingt dich die direkte Zusammenarbeit mit einem Komponisten, über die Interpretation hinaus in die Schöpfung zu gehen. Du reproduzierst nicht mehr nur eine Partitur, sondern hilfst sie mit.

Diese Veränderung in der Denkweise kann deinen Ansatz zum Üben und Aufführen verändern. Wenn du in einem Raum mit einem Komponisten gesessen bist, um zu diskutieren, warum eine bestimmte Artikulation funktioniert oder warum sich eine Passage unangenehm anfühlt, entwickelst du ein tieferes Verständnis dafür, wie Blechschreiben funktioniert. Dieses Wissen überträgt sich direkt darauf, wie du Standardwerke interpretierst. Du fängst an, Notation in Frage zu stellen, die Absicht hinter dynamischen Markierungen zu betrachten und eine flexiblere musikalische Vorstellungskraft zu entwickeln.

Starten des Gesprächs: Komponisten finden, mit denen man arbeiten kann

Bevor man zusammenarbeiten kann, braucht man einen Komponisten. Viele Blasmusiker gehen davon aus, dass die Auftragsvergabe für ein neues Stück nur für hochkarätige Solisten mit Fördermitteln erfolgt. In Wirklichkeit gibt es Möglichkeiten auf allen Ebenen. Studentische Komponisten an Konservatorien und Universitäten sind oft begierig, für Blasinstrumente zu schreiben, besonders wenn sie noch nie mit einem gearbeitet haben. Lokale Komponistenkollektive, Organisationen wie die Neue Musik USA Netzwerk- und sogar Social-Media-Gruppen, die sich der zeitgenössischen klassischen Musik widmen, können Sie mit bereitwilligen Partnern in Kontakt bringen.

Wenn Sie sich einem Komponisten nähern, sollten Sie sich darüber im Klaren sein, was Sie anbieten. Suchen Sie nach einer kurzen Etüde, um Ihre eigenen Fähigkeiten zu verbessern, einem Stück für ein Konzert oder einem vollen Konzert für die Aufführung mit einem Ensemble? Komponisten schätzen die Spezifität, weil es ihnen hilft, den Umfang des Projekts zu verstehen. Erwähnen Sie Ihr Instrument, Ihren ungefähren Fertigkeitslevel und Ihre stilistischen Vorlieben. Wenn Sie ein fortgeschrittener Spieler sind, der technische Herausforderungen mag, sagen Sie es.

Wenn Sie lyrisches, tonales Schreiben bevorzugen, kommunizieren Sie das auch. Je mehr der Komponist über Ihr Spiel versteht, desto erfolgreicher wird die Zusammenarbeit sein.

Early Stages: Aufbau eines kreativen Briefs

Wenn man einen Komponisten gefunden und sich bereit erklärt hat, zusammenzuarbeiten, dann ist der nächste Schritt, einen kreativen Auftrag zu erstellen. Dieses Dokument muss nicht formal oder lang sein, sondern sollte die Parameter des Stückes umreißen.

  • Geräte: Geben Sie an, ob es sich um ein Solo-, Duett- oder Blechbläserensemble handelt, und ob es sich um ein Klavierstück handelt, das für Probenzwecke reduziert werden muss.
  • Dauer: Eine klare Ziellänge hilft dem Komponisten, das Stück zu strukturieren. Wenn Sie ein Fünf-Minuten-Stück für einen Wettbewerb benötigen, sagen Sie es. Wenn Sie ein vollständiges Recital-Programm erstellen, möchten Sie vielleicht etwas im Bereich von 10-15 Minuten.
  • Stil und Einflüsse: Geben Sie Beispiele für Stücke, die Sie bewundern. Teilen Sie Aufnahmen von Blechbläsern, die Sie lieben, oder beschreiben Sie die emotionale Qualität, nach der Sie suchen - lyrisch, dramatisch, verspielt, meditativ.
  • Technische Erwägungen: Wenn Sie sich mit Altissimo-Registern nicht wohl fühlen, sagen Sie es im Voraus. Wenn Sie noch nie Multiphonics gemacht haben, erwähnen Sie, dass Sie bereit sind zu lernen, aber Zeit brauchen.
  • Fristen und Haushaltsmittel: Bei professionellen Kooperationen vereinbaren Sie einen Zeitplan, der Entwürfe, Revisionsfristen und den endgültigen Aufführungstermin enthält.

Das Erstellen eines Auftrages behindert nicht die Kreativität - es bietet einen Container, in dem der Komponist frei arbeiten kann. Leitplanken zu haben bedeutet weniger verschwendete Anstrengungen und ein Stück, das Ihren Bedürfnissen entspricht.

Deep Dive in Notation und Score Studie

Wenn der Komponist anfängt zu schreiben, fragen Sie so früh wie möglich nach einem Entwurf, warten Sie nicht auf eine polierte Endfassung. Wenn Sie das Stück in Arbeit sehen, können Sie Feedback geben, wenn es am einfachsten ist. Wenn Sie sich den Entwurf zuerst ansehen, konzentrieren Sie sich auf das große Ganze und nicht auf kleine Details. Fragen Sie sich: Macht die Gesamtform Sinn? Sind die Abschnitte ausgewogen?

Hat das Stück einen klaren emotionalen Bogen?

Zeitgenössische Komponisten verwenden manchmal unkonventionelle Symbole, die nicht Teil der Standard-Messingliteratur sind. Zum Beispiel könnte man eine Notation für "Rip" (eine schnelle, ungepfiffene Folie), "Smear" (ein halbventiliges Glissando) oder "Doit" (eine Note, die sich am Ende nach oben biegt) sehen. Oxford Music Online Eine Datenbank bietet Orientierungshilfen zur modernen Notation, aber nichts ersetzt die direkte Kommunikation mit dem Komponisten. Die frühzeitige Klärung der Notation verhindert Verwirrung bei Proben und stellt sicher, dass der beabsichtigte Effekt realisiert wird.

Wenn Sie dies nicht tun, dann ist es nicht möglich, dies zu tun, wenn Sie dies tun, wenn Sie dies tun, wenn Sie dies tun, wenn Sie dies tun, wenn Sie dies tun, wenn Sie dies tun.

Gemeinsam technische Herausforderungen meistern

Eine häufige Falle in der Zusammenarbeit zwischen Komponisten und Messingspielern ist, dass der Komponist etwas schreibt, das gut aussieht, aber unpraktisch zu spielen ist. Messinginstrumente haben einzigartige physische Anforderungen: Lippenermüdung, Luftstrommanagement und die mechanische Realität von Ventilen und Schiebern. Eine Linie, die sich in schrittweiser Bewegung bewegt, mag einfach sein, aber eine Reihe von breiten Sprüngen im oberen Register kann anstrengend sein. Gehen Sie nicht davon aus, dass der Komponist diese Einschränkungen kennt.

Register und Endurance

Wenn das Stück längere Passagen in das hohe Register legt, insbesondere für Trompete oder Horn, besprechen Sie, wie Sie mit Müdigkeit umgehen können. Schlagen Sie vor, die Linie mit Ruhen zu durchbrechen oder einige Passagen eine Oktave hinunter zu bewegen, mit der Anweisung, "Col 8va" zu spielen, wenn es die Energie erlaubt. Umgekehrt erfordert das extrem niedrige Register auf Tuba oder Bassposaune auch eine erhebliche Luftunterstützung; lange anhaltende Noten im Pedalregister müssen mit Atemmöglichkeiten ausgeglichen werden.

Schnelle Artikulationen und Ventilarbeit

Bei Passagen, die mit Staccato in einem sehr schnellen Tempo markiert sind, sollten Sie den Komponisten bitten, verwaschene Gruppen zu schreiben oder die Anzahl der wiederholten Noten zu reduzieren. Ähnlich können Passagen, die ständige Ventilwechsel erfordern, insbesondere am französischen Horn (wo Teile in hohen Tönen näher beieinander liegen), zu Rissen oder verpassten Noten führen. Arbeiten Sie zusammen, um alternative Fingersätze zu finden oder die Linie zu vereinfachen, während Sie die musikalische Absicht bewahren.

Slide-Technik auf Trombone

Für Posaunisten sind Positionsänderungen ein wichtiger Faktor. Eine Linie, die von der ersten zur siebten Position und wieder zurück in einem schnellen Tempo springt, ist selten zuverlässig. Der Komponist wird das vielleicht nicht erkennen. Zeigen Sie ihnen die Folienpositionen und schlagen Sie Änderungen vor - vielleicht verschieben Sie eine Note in eine alternative Position oder schreiben Sie die Zeile um, um innerhalb eines kleineren Folienbereichs zu bleiben. Diese Probleme physisch zu demonstrieren, während Sie spielen, ist viel effektiver als sie zu beschreiben.

Erweiterung der Messingpalette: Erweiterte Techniken

Modernes Blechschreiben beinhaltet oft erweiterte Techniken. Während einige Spieler diese Methoden meiden, können sie unglaublich ausdrucksstark sein, wenn sie gut verwendet werden. Gängige erweiterte Techniken beinhalten Multiphonik (singen während des Spielens, um Akkorde zu erzeugen), flatterndes Tonguing, Knurren, Halbventileffekte, Tastenklicks, Luftgeräusche und Tonlagen. Wenn der Komponist diese einbeziehen möchte, ist es Ihre Aufgabe, sie zu dem zu führen, was praktisch und effektiv ist.

Demonstrierende Techniken

Erwarten Sie nicht, dass ein Komponist weiß, wie Multiphonik an einer Trompete arbeitet, im Gegensatz zu einer Posaune. Nehmen Sie kurze Beispiele der Techniken auf, die Sie produzieren können, und teilen Sie sie mit. Erklären Sie den Schwierigkeitsgrad: Flattern ist relativ einfach bei moderater Dynamik, wird aber bei sehr weichen oder sehr lauten Extremen herausfordernd. Vierteltöne sind bei den meisten Blechblasinstrumenten möglich, erfordern jedoch ein sorgfältiges Ohrtraining und sind möglicherweise nicht in allen Registern vollkommen konsistent. Machen Sie sich klar, was Sie in einer Live-Einstellung zuverlässig ausführen können.

Notationsstandards

Die meisten der hier verwendeten Techniken sind in der Regel mit drei Strichschnitten oder einer "flt z"-Markierung gekennzeichnet. Mit dem Komponisten sollen Standardsymbole übernommen werden, damit zukünftige Interpreten das Stück ohne Glossar lesen können. JW Pepper Blog über Messing Extended Techniques bietet einen hervorragenden Ausgangspunkt für die Standard-Notation.

Proben, die das Stück bauen

Proben während des Kompositionsprozesses unterscheiden sich grundlegend von Proben für ein bestehendes Stück. Es gibt keine "richtige" Version - Sie erstellen das Endprodukt mit. Gehen Sie diese Sitzungen mit Offenheit und Erkundungsgeist an.

Der erste Read-Through

Wenn Sie einen Entwurf sehen, machen Sie sich keine Sorgen um Perfektion. Das Ziel ist es, zu hören, wie das Stück in Echtzeit klingt. Nehmen Sie die Session auf und markieren Sie die Partitur mit Kommentaren danach. Beachten Sie, wo Sie Probleme hatten, wo der musikalische Fluss unterbrochen wurde und wo Sie das Stück lebendig fühlten. Teilen Sie diese Beobachtungen mit dem Komponisten, aber vermeiden Sie es, übermäßig kritisch zu sein.

Rahmen Sie Ihr Feedback in Bezug auf Ihre Erfahrung: "Als ich Maßnahme 34 erreichte, hatte ich das Gefühl, dass ich vor dem nächsten Satz mehr Zeit zum Atmen brauchte." Dies lädt den Komponisten ein, das Problem gemeinsam zu lösen.

Iterative Verfeinerung

Erwarten Sie mehrere Revisionsrunden. Der Komponist kann Notizen, Rhythmen, Dynamiken oder sogar ganze Abschnitte ändern, basierend auf Ihrem Feedback. Seien Sie geduldig. Einige der besten Stücke durchlaufen fünf oder sechs Entwürfe, bevor sie sich richtig anfühlen. Während dieses Prozesses halten Sie die Stimmung kollaborativ und positiv.

Kompliment, was funktioniert. Wenn sich eine Passage besonders idiomatisch oder schön anfühlt, sagen Sie es. Diese Ermutigung treibt die Motivation des Komponisten an.

Aufzeichnen der Evolution

Die Aufnahmen sind wertvoll für das Portfolio des Komponisten, aber sie dienen auch als Aufzeichnung der Entwicklung des Stückes. Wenn Sie jemals Meisterkurse geben oder das Stück unterrichten, können Sie den Prozess mit den Schülern teilen und zeigen, wie eine Komposition durch Zusammenarbeit wächst.

Vorbereitung auf die Premiere und darüber hinaus

Die Premiere ist der öffentliche Höhepunkt deiner Zusammenarbeit, aber es sollte nicht das Ende sein. Nutze die Premiere als Gelegenheit, um dem Stück Schwung zu verleihen. Schreibe Programmnotizen, die die Geschichte der Zusammenarbeit erzählen - das Publikum liebt es, über den kreativen Prozess zu hören. Erwähne die Inspiration des Komponisten und die Herausforderungen, die du gemeinsam durchgearbeitet hast.

Aufzeichnung und Promotion

Eine hochwertige Aufnahme ist für die Langlebigkeit des Stückes unerlässlich. Sie erlaubt es dem Komponisten, das Werk bei Wettbewerben, Festivals und Verlagen einzureichen. Sie lässt auch andere Blasmusiker das Stück hören und es für ihr eigenes Repertoire betrachten. Wenn Sie können, machen Sie eine professionelle Studioaufnahme. Wenn das nicht machbar ist, kann eine gut produzierte Live-Aufnahme von der Premiere immer noch nützlich sein.

Teilen Sie die Aufnahme in sozialen Medien, markieren Sie den Komponisten und ermutigen Sie Ihr Netzwerk, zuzuhören.

Lehren und Aufführen

Wenn das Stück veröffentlicht ist, lehre es deinen Schülern. Füge es in Rezitale, Vorsprechen und Meisterklassen ein. Je mehr ein Stück aufgeführt wird, desto wahrscheinlicher wird es Teil des Standardrepertoires. Du könntest sogar eine Ausgabe mit vorgeschlagenen Fingersätzen, Diapositionen und Atemflecken schreiben, was es zukünftigen Darstellern erleichtert. Dieser Beitrag wird Teil deines Vermächtnisses als Mitarbeiter.

Bleiben Sie schließlich in Kontakt mit dem Komponisten. Viele Kooperationen führen zu mehreren Aufträgen. Wenn das erste Stück erfolgreich war, diskutieren Sie über das Schreiben eines Follow-ups. Der Aufbau einer langfristigen Beziehung zu einem Komponisten ermöglicht es Ihnen, ein Werk zu entwickeln, das einzigartig für Ihre Stimme geeignet ist. Betrachten Sie Komponisten als Kollegen, nicht nur Dienstleister. Die besten musikalischen Beziehungen sind Freundschaften, die auf gegenseitigem Respekt und einer gemeinsamen Liebe zur Kunstform aufbauen.

Praktische Beratung für verschiedene Messinginstrumente

Während viele der oben genannten Prinzipien im Großen und Ganzen gelten, hat jedes Blechbläserinstrument einzigartige Überlegungen, die Aufmerksamkeit verdienen.

Trompete

Der helle, durchdringende Klang der Trompete macht sie ideal für melodische Linien und Fanfaren, aber sie zeigt auch Intonations- und Artikulationsprobleme auf. Komponisten schreiben oft für Trompete in der hohen Register, ohne zu erkennen, dass längeres Spielen über hohem C Lippenermüdung und Verletzungsrisiko verursachen kann. Ermutigen Sie den Komponisten, mit Abwechslung zu schreiben - abwechselnd hohe Passagen mit niedrigerem, nachhaltigerem Material. Auch die Ventilkombinationen der Trompete sind im Allgemeinen zuverlässig, aber schnelle Passagen in Tasten mit vielen scharfen oder flachen können schwierig sein. Arbeiten Sie mit dem Komponisten, um freundliche Tasten zu wählen, wo möglich.

Französisches Horn

Das Horn ist berüchtigt für seine unvorhersehbare Intonation und die Schwierigkeit, gestoppte Noten zu spielen. Komponisten können gestoppte Hornpassagen schreiben, ohne zu verstehen, dass sie die Tonhöhe dramatisch senken und unterschiedliche Fingersätze erfordern. Wenn das Stück gestopptes Horn verwendet, stellen Sie sicher, dass der Komponist die tatsächlich klingenden Tonhöhen schreibt oder ein Fingersatzdiagramm liefert. Die Handposition des Horns beeinflusst auch die Tonfarbe; bitten Sie den Komponisten, zu notieren, wann die Hand weiter in die Glocke gelegt werden soll, um einen dunkleren Klang zu erhalten.

Trombon

Das Schreiben von Posaunen beinhaltet Rutschenpositionen, die weniger intuitiv sind als Ventile. Breite Sprünge, die schnelle Positionsänderungen erfordern, können unzuverlässig sein, besonders im unteren Register. Komponisten schreiben manchmal glissandi, ohne zu merken, dass ein wahres Glissando nur zwischen benachbarten Positionen möglich ist. Klarstellung des Unterschieds zwischen einem Glissando (der sich zwischen Positionen bewegt) und einem Portamento (der die Tonhöhe innerhalb einer Position biegt).

Tuba

Die Reichweite der Tuba erstreckt sich bis ins Pedalregister, was massive Luftunterstützung erfordert. Lange, anhaltende Pedale sind anstrengend und sollten mit Atempausen durchsetzt sein. Komponisten schreiben oft Tuba-Teile, die rhythmisch einfach sind, aber das Instrument ist in der Lage, agile, virtuose Linien zu verwenden. Wenn Sie ein fortgeschrittener Spieler sind, schieben Sie den Komponisten dazu, technisch anspruchsvolles Material zu schreiben. Der Klang der Tuba passt gut zu anderen Instrumenten, so dass er auch als harmonisches Fundament in Ensemblearbeiten fungieren kann.

Bei allen Blechbläsern ist Akustik wichtig. Ein Stück, das in einem Übungsraum perfekt klingt, kann in einem Konzertsaal völlig anders sein. Wenn möglich, planen Sie vor der Premiere eine Probe im Aufführungsort, um die Balance und die Projektion zu überprüfen.

Letzte Gedanken: Die Belohnungen der Co-Creation

Die Zusammenarbeit mit Komponisten ist eine der erfüllendsten Erfahrungen, die ein Blasmusiker machen kann. Sie treibt dich dazu, technisch, musikalisch und interpretativ zu wachsen. Du entwickelst eine tiefere Wertschätzung für das Kompositionshandwerk und die Herausforderungen, denen Komponisten gegenüberstehen. Und du hast ein Musikstück, das einzigartig ist - eines, das niemand sonst auf genau die gleiche Weise gespielt hat.

Behandle jede Zusammenarbeit als Lernmöglichkeit. Auch wenn das Stück nie zum Standard wird, wird der Prozess dich zu einem besseren Musiker machen. Du wirst lernen, effektiver zu kommunizieren, aufmerksamer zuzuhören und deinen Instinkten zu vertrauen. Die Beziehungen, die du mit Komponisten baust, werden deine Karriere für die kommenden Jahre bereichern.

Also nimm dein Instrument, finde einen Komponisten, der dich begeistert, und beginne ein Gespräch. Das nächste große Blechbläserwerk wartet vielleicht darauf, geschrieben zu werden – mit dir als seinem ersten Interpreten.